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Críticas de Revista Contraste
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6
16 de abril de 2021
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Seis años después de la película inicial llegan a las pantallas las nuevas aventuras de Finny, Leah, los nestrians, los grymps y los demás animales, más reconocibles, gracias a Dios, que pueblan el arca de Noé.

Lo del arca de Noé, sin embargo, es un decir, porque el patriarca bíblico no aparece por ningún lado, mientras es sustituido en el gobierno de la nave por un carismático león. Supongo que esta incongruente rareza ya aparecería en el film original, que, dicho sea de paso, no he visto, y que la inclusión de Noé no es más que una excusa para utilizar su sugerente escenario: mar hasta donde alcanza la vista, más animales juntos que en El libro de la selva y la posibilidad, por qué no, de incorporar nuevas especies que quizá se cayeron realmente del arca y, por eso, no han llegado a nuestros días.

No obstante, aclarado este punto, nos encontramos ante una cinta de aventuras bastante correcta, orientada hacia un público muy infantil. La trama es sencilla. A pesar de que las localizaciones pueden desconcertar en un principio, se siguen las andanzas de los protagonistas con facilidad y el colorido de los personajes es sorprendente y atractivo para los más pequeños.

Por otro lado, el relato va diseminando, de manera natural, algunas enseñanzas acerca de la obediencia, el respeto, la responsabilidad ante los propios actos, la lealtad, el compañerismo o el trabajo en equipo.

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7
16 de abril de 2021
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Emerald Fennell debuta como directora con una propuesta atrevida en cuanto a la mezcla de géneros y tonos. Guionista de Killing Eve y con una más prolífica carrera como actriz, Fennell demuestra un gran sentido del ritmo y de la organización del relato, que le permite ejecutar una película abierta a un gran público y, a la vez, capaz de generar preguntas y no pocas reflexiones sobre un patrón que rige unas cuantas interacciones humanas.

Una joven prometedora cuenta con una puesta en escena y una paleta cromática y gráfica que juega con el estilo chic y naif en contraste con un humor trágico y negro. Con este juego de pasteles y luz, la trama hace que el espectador esboce sonrisas nerviosas y algo culpables por la ambivalencia del modelo de protagonistas que propone.

En esta línea, la escenografía retrata con bastante exactitud a los personajes. Por ejemplo, el hogar kitsch de los padres de Cassie ilumina perfectamente la imagen de una mujer atrapada en un espacio y tiempo que no son los suyos: dejó la carrera, no lleva la vida que llevan los médicos, otros compañeros de clase…

No obstante, si hay otro aspecto que borda a fondo esta producción es la evidencia de la banalidad del mal arendtiana: para ellos y para algunas aquiescentes “ellas”, la culpa no existe porque el complejo de Peter Pan, la superficialidad y el bloqueo de la responsabilidad sobre los propios actos siempre acaban echando una mano. «Éramos unos críos»; «tú no has hecho nada»; «no tienes la culpa» y otras expresiones análogas articulan el paraguas de un modelo de masculinidad que lleva tiempo en crisis, pero que no se ha redimido ni substituido por otro.

Mientras, como bien dibuja el film, ese perfil de lo que se supone que es normal en un hombre joven va configurando la vida de las mujeres: destrozando cuerpos, mermando autoestimas, impidiendo metas y truncando posibilidades, entre otras la idea del amor y las relaciones de pareja.

Con un estilo diametralmente distinto a Stockholm de Rodrigo Sorogoyen pero con una cercanía en el fondo, Una joven prometedora afirma el poder devastador de la banalidad del mal en forma de lo trivial y de hacer opacas las consecuencias.

Fennell sabe estilizar el encuadre (priorizando el fijo con intención dramática) sin borrar la primacía de lo que sucede. Y regala una pequeña fiesta para los amantes de la obra maestra de Charles Laughton, en especial en el pasaje donde la esperanza e ilusión –que iba a vencer a la sed de venganza y a la perpetuación del trauma– se ven truncadas.

Ahí reside seguramente la gran espina del largometraje: la gran sombra del ojo por ojo como herramienta casi única de transformación del entorno.

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Amanece en Calcuta
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Documental, (intervenciones de: Teresa de Calcuta)
5
16 de abril de 2021
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Escrito y dirigido por José María Zavala, el documental Amanece en Calcuta se propone reconstruir la figura de la Madre Teresa de Calcuta a través de los recuerdos de gente que pudo conocerla y hablar con ella. Para ello, entrevista a ocho personas alrededor del mundo con historias muy distintas: un sacerdote misionero, un doctor en filosofía, una misionera voluntaria, una ex enfermera abortista, un sacerdote jesuita y una periodista, entre otros.

La pieza, que ha sido encomendada por instituciones religiosas y parcialmente financiada por donaciones personales, muestra de una forma muy personal el impacto positivo que la religiosa causó en los entrevistados. Llama la atención la interesante selección de las intervenciones ya que, a pesar de compartir poco más aparte de su fe (y, por parte de algunos, una férrea animadversión contra el aborto) sus historias quedan bien cohesionadas en el producto final.

A nivel de realización, sin embargo, no ofrece nada que lo haga destacar por su buena praxis. Algunos cortes mejorables, tanto a nivel de imagen como de audio, hacen que el público salga de la experiencia fílmica sin poder evitar prestar atención a este tipo de detalles. Por otra parte, las transiciones utilizadas y la estructura que se aplica a todos los interrogados, combinando el diálogo con imágenes de Calcuta y de la Madre Teresa, hacen que resulte visualmente repetitivo.

Las valiosas y admirables lecciones de lucha, perseverancia y amor de algunos testimonios quedan eclipsadas por la demonización, hasta cierto punto angustiosa, de temas sensibles por parte de otros.

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8
9 de abril de 2021
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Las palabras de Thomas Vintherberg sobre el presente estreno y los comentarios que ha hecho revelando sus intenciones tienen jugo. Sin embargo, la experiencia personal de ver la película resulta mucho más rica, complicada y sugerente.

Alejado de algunos de los estrictos parámetros del movimiento Dogma que él mismo fundó junto a Lars Von Trier, Vintherberg ofrece una propuesta de aguda observación psicosocial como en La caza, aunque aquí deja entrar el sentido del humor.

En el transcurso de la trama, el público va a situándose en un lado o en otro de lo que podría ser una botella medio vacía o medio llena sobre los pros y contras del consumo de alcohol. Eso deja un conjunto de espacios intermedios, donde se atenúa ese viaje dionisíaco que pretende ser controlado y donde, precisamente, emergen preguntas y dudas.

Thomas Vinterberg y Tobias Lindholm –habitual en otras de sus producciones– tienen una manera de encauzar con inteligencia el guion que deja en el banquillo otras clásicas compensaciones que recibe el espectador en relatos más convencionales. La interrelación entre el drama y la comedia, con una medida tragedia, es muy aguda. Al mismo tiempo, tanto el libreto como la puesta en escena permiten hacer brillar al elenco de los cuatro amigos, especialmente al protagonista, un Mads Mikkelsen que dibuja con creces la grisácea crisis existencial.

A través de una fotografía con profusión de luz para una Dinamarca “alcoholizada”, la puesta en escena encuadra con transparencia narrativa al mantener encuadres descriptivos de la acción en muchos momentos. No obstante, también deslumbra en los conatos coreográficos hasta la explosión final.

Mientras Otra ronda va pasando sus fases etílicas, desvela pasajes de vida donde entra en la rutina, se acentúa el ansia de una familia, la soledad disfrazada con humor o la inseguridad. Todo el conjunto deja un film de capas y opciones, a la vez que despierta interrogantes.

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4
9 de abril de 2021
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La ópera prima del cineasta francés Just Philippot apuesta por reflejar la realidad actual de la producción agrícola, mediante un drama familiar causado por la falta de recursos económicos y la muerte del padre.

Con un arranque lento y al más puro estilo documental, Philippot presenta a Virginie (Suliane Brahim) como madre viuda que trabaja incansablemente por intentar obtener solvencia de la cría de saltamontes, aunque sin lograrlo.

El argumento se ve corrompido por un hallazgo que suscita adicción y se dirige hacia un desenlace letal cuando –después de un ataque de ira, causado por la frustración, y un golpe en la cabeza– Virginie descubre que los saltamontes se reproducen a un ritmo vertiginoso al ingerir sangre.

Tras una primera parte que apunta a un simple drama familiar que sostiene la tradicional tensión entre madre e hijos adolescentes, el film adquiere un tono inquietante y Laura (Marie Narbonne) y su hermano pequeño Gaston (Raphaël Romand) viven desesperadamente como, poco a poco, la extraña obsesión que su madre desarrolla con los saltamontes la va consumiendo.

Desde el punto de vista escenográfico y visual, la opción del director es clara: dominan los planos y sonidos sugerentes que acrecientan la sensación de malestar provocada por el hilo argumental. Se trata de una mezcla aparentemente bien conseguida, que fusiona un entorno rural y naturalista con sutiles intervenciones de efectos especiales que aportan a la cinta un toque de ficción.

En definitiva, una buena actuación por parte de Suliane Brahim y Marie Narbonne que representan hasta dónde puede llevarnos el instinto de supervivencia del ser humano y la desesperación en el contexto de una película poco destacable.

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