Anne es una abogada reputada que vive con su marido y sus dos hijas. La llegada de su hijastro convulsionará el tranquilo transcurrir de su vida: Lo seducirá y comenzará a derrumbarse el castillo de naipes.
Dronningen es, en conjunto, una buena película, sin duda será uno de los films destacados de 2019, por su guión, su buen trabajo de dirección, la muy buena (en mi opinión no descomunal) interpretación de Trine Dyrholm que sabe pasar del hielo a los 100 grados en segundos, el tacto al afrontar un tema tan delicado como las relaciones sexuales intrafamiliares y su banda sonora. En conjunto , repito, una buena producción danesa con la estructura y ritmo característicos del cine europeo, tocando valientemente una temática que se suele evitar. Excelente también la relación entre el magnífico libro de Lewis Carroll y el propio guión de la película. La confusión, los sentimientos, la frustración y las emociones están muy bien plasmadas por parte de Dyrholm que destaca sobre todos los demás actores y actrices. Notable la fotografía de Jasper Spanning y sobresaliente la música, entre la que encontramos un fragmento de Music for 18 musicians de Steve Reich y que en general es una banda sonora mucho más “arriesgada” y acertada de lo que solemos escuchar.
Dronningen deja traslucir la innegable empatía entre la directora y la actriz principal, que se dio a conocer en aquel impactante film llamado Festen, hace 21 años más o menos. Por otro lado y siempre en mi opinión tiene claras influencias de los melodramas de Douglas Sirk.
Anne es de una moral intachable y trabaja en casos de violencia y abusos; llega al extremo de encararse con un abusador que ha salido bien parado de un juicio (justo al inicio de la película) ... ¿Qué le lleva a cambiar de manera tan drástica? Las vidas "perfectas" son extremadamente frágiles parece decirnos la directora en este su segundo film.
Como aspectos negativos señalar la actuación de la mayoría de los secundarios, no lo suficientemente implicados, el hijastro, Gustav Lindh es muy inexpresivo, las dos niñas son dos objetos decorativos que apenas hablan, la escena del robo está mal resuelta y es poco creíble que ni el marido ni la policía aparezcan para nada, el metraje es quizá excesivo con algunas escenas prescindibles, los tres minutos del Tainted love de Soft Cell algo incoherentes...
6,5 sería mi nota para este notable film danés que brilla en medio del banal panorama cinematográfico que la industria nos quiere hacer deglutir. Recomendable por su psicología, honestidad y profundidad.

Ante la lluvia de críticas positivas, un óscar y una palma de oro en Cannes, además de la recomendación de un conocido, me animé a ver Un homme et une femme, esperando disfrutar de una de esas obras maestras que el cine francés ha dado en la segunda mitad del siglo XX... Decepción absoluta, nada que ver con films de Godard, Rohmer, Faraldo, Truffaut, Renoir, Bresson, Resnais. Malle, Becker, directores a quienes admiro. Me sorprende la uniformidad de las críticas y de las puntuaciones por lo que voy a intentar exponer en diez razones mi cuatro.
1. Guión deslavazado, es increíble que hayan trabajado en él dos personas, imagino que serían los 10 minutos de un café en una terraza de un bar parisino. La línea estructural del guión se pierde sin motivo aparente a menudo para explicar durante minutos cosas que podrían haberse sintetizado en segundos.
2. Las imágenes son pobres, la grabación de escasa calidad parece haber sido filmada con una super 8 casera.
3. La banda sonora es atroz, temas de nula calidad musical, introducidos intermitentemente y cortados con escaso criterio, a veces abruptamente. El dabadabadá que se repite tres veces, para mi desesperación, es de una sencillez melódica y armónica absoluta, un pufo comercial,
4. La mezcla de blanco y negro con color está hecha con muy poco fundamento, un recurso que intenta ser “vanguardista” y original pero acaba siendo confuso y poco claro, una mera extravagancia.
5. Hay escenas que parecen pegadas unas a otras, con poco criterio, en general el film adolece de falta de estructura y exceso de imágenes superfluas que se extienden sin medida.
6. La trama argumental es de una simpleza paralizante y tan antigua como el origen de los tiempos: Dos personas que se enamoran... Y para eso 102 minutos son excesivos.
7. El discreto encanto de dos burgueses que pasan los días sin apenas hacer nada y llevan a sus hijos a un internado... ¡Dos niños internos, qué tristeza y qué lamentable¡
8. Las conversaciones son vacías, la estética cursi y trasnochada, buscando la complejidad nos encontramos con afectación y petulancia.
9. Imposible sentirse cercano o empático a cualquiera de los dos protagonistas: La distancia con el espectador es insalvable.
10. El film ha envejecido mal, no interesará a personas de menos de 40 años y mucho menos a cualquiera de una cultura no-occidental.
Mi intención no es destruir sino hacer crítica constructiva, de ahí ese cuatro que es casi un cinco.

Las primeras imágenes me deslumbraron, me adhirieron a la butaca del cine como pocas veces antes me había ocurrido (y eso siendo un cineclub de butacas incómodas): Una larga fila de "conquistadores descendiendo por un camino imposible de una cordillera andina con la música de Popol Vuh de fondo buscando El Dorado. La cámara sorprende. Más tarde Herzog nos envuelve en el caos de la expedición con movimientos circulares de cámara en medio del río: ¡Que sensación de fragilidad y vulnerabilidad...¡ Aguirre se convierte en la cólera de Dios o simplemente en el alter ego de Werner Herzog...! ¡O es más bien al revés...!
La película es muy rica y puede ser analizada desde diversos puntos de vista, desde la ética, desde la historia, desde la psicología, desde la técnica cinematográfica, etc. etc. ¡Pocas veces he visto a un director manejar las elipsis de forma tan magistral...! Todo el peligro es en buena parte abstracto, intangible, la amenaza es el motor de la búsqueda. Herzog contrasta magistralmente dualismos antagónicos: Belleza, naturaleza, El Dorado por un lado y amenaza, peligro, muerte y locura por otro: El río es un espejo de las ilusiones humanas.
El plano estético, artístico, creativo está muy por encima de cualquier otro, la película es un regalo para la vista con una fotografía y una banda sonora deslumbrantes por lo que, en mi opinión, está dirigida mucho más al mundo de las emociones que al pensamiento. Herzog no está especialmente interesado en un discurso histórico fiel, en un estudio antropológico o sociológico, hace hincapié en la fuerza devastadora de la naturaleza ( con la ayuda de los nativos que parecen formar parte de ella) y ante la cual la expedición es totalmente impotente, su interés se centra en el plano estético que a veces acerca a la película al documental.
Sin duda estamos ante una obra maestra que trascenderá, ante el desequilibrado viaje de Herzog, Kinski y en menor medida Aguirre en busca de El Dorado. Nos encontramos ante el espejismo de nuestra propia existencia.

Sorprende ver 150 críticas de alguna película mediocre y tan solo una (muy buena, por cierto) de una creación cuando menos original y particular. Un 32 août sur terre, primer film del inquieto Denis Villeneuve y al igual que Maelstrom, su segundo film, comienza con un accidente de coche, no es difícil entender por qué.
El guión es dinámico, el trabajo del director, seductor y atractivo, los actores estupendos, la fotografía fantástica, qué decir de los desiertos cercanos a Salt Lake City, imágenes que por sí solas te atrapan y te dejan en estado de shock, qué decir de la innumerable cantidad de detalles que nos regala un primerizo con visos de abrirse fácilmente camino en el mundo cinematográfico, qué decir del magistral manejo de cámara con el que nos deleita a cada momento, de la innovadora puesta en escena, del magistral manejo de los silencios que tanto incomoda a la mayoría...
Estamos ante una película peculiar, diferente, original, ajena a los lugares comunes del cine deglutido, una obra de madurez a pesar de ser la primera, ajena a la narrativa tradicional, una película sin clichés, desenfadada, de espíritu libre y actitud abierta.
"Tenía ganas de hacer un film que tuviese una estructura dramática simple en la que los personajes secundarios entrasen y saliesen como golpes de viento, quería que apareciesen hechos irracionales sin la clásica estructura americana tradicional. Buscaba una verdadera aventura humana, sin trucos calculados, sin golpes de efecto artificiales..." (D. Villeneuve)
Un 32 de agosto es una reflexión acerca del amor, de las relaciones humanas, de la amistad, del sentido de la vida, una ópera prima portentosa, narrada de forma contemplativa y sin manierismos o alambiques.
Tiene no obstante caprichosos giros de guión, una búsqueda un pelín obsesiva de la originalidad, decisiones que pueden parecernos absurdas (tener un hijo en medio del desierto después de haber cogido un avión y un taxi), con las que podemos estar más o menos de acuerdo pero que nos sacuden y nos hacen estar atentos durante una hora y media.
Indudablemente estamos a espaldas de gigantes, la deuda de Villeneuve con Godard es enorme (no en vano hay un poster de Jean Seberg en A bout de souffle en la habitación de Simone, la protagonista) y quizá también con Truffaut.
Inquietos y amigos del cine independiente: No podéis perderos este gran primer trabajo del canadiense.

"Un científico es enviado a la estación espacial de un remoto planeta cubierto de agua para investigar la misteriosa muerte de un médico." ¿Nos van a ayudar mucho estas dos oraciones para acercarnos a uno de los film más emblemáticos de la historia? Presiento que no demasiado ya que en Tarkovsky la forma, en la mayoría de las ocasiones, tiene mucho más peso que el fondo.
La puesta en escena de Solaris es hipnótica, con lentos movimientos de cámara, tomas largas que muestran objetos inanimados, un viaje al interior de los seres humanos y, por extensión y en general en el cine de Tarkovsky, el realizador nos anuncia claramente la esterilidad de todo significado concreto; las obras de arte son abiertas, sujetas a interpretación y respaldadas tras los años por un amplio espectro de espectadores y "entendidos".
Los viajes son hilo conductor en algunas películas del genio ruso (Rubliov, Stalker) y no son viajes hacia lo concreto, hacia lo conocido, son viajes hacia una búsqueda del yo, hacia la incertidumbre, hacia el desequilibrio.
Los conceptos de espacio y de tiempo se distorsionan, pierden el significado tradicional, nos sumergimos en una realidad paralela a través de una puesta en escena subyugadora y que nos atrapa. Genial el inicio con la visita de Berton a la casa familiar de Kelvin que se repite con una perspectiva diferente al final, y no hago spoiler.
Solaris es a la vez un planeta y una especie de dios (o alter ego de cualquier deidad) orbitado por una estación espacial con seres humanos con problemas y miserias, quizá mejor expuestas en la novela de Lem sobre la que se basa Solaris.
Escribía el director en su genial libro Esculpir en el tiempo: "Quiero subrayar una vez más que el cine, al igual que la música, opera con realidades. Por eso estoy en contra de los intentos de los estructuralistas de considerar el plano como signo de otra cosa, como resultado de un sentido. Esta es una trasposición meramente formal, falta de crítica, de métodos analíticos propios de otras artes. Un elemento musical no tiene intereses ni ideología. Y también un plano cinematográfico es siempre un fragmento de la realidad carente de ideas".
"El nivel de los directores modernos es tan bajo que es muy fácil superarlo, no sólo en la Unión Soviética sino en todo el mundo." comentó en una entrevista en los años 80.
Hay 100 críticas de Solaris hasta este momento, son demasiadas, pero no he podido reprimirme, una obra de arte merece algunas palabras más, a pesar de la opinión de Wittgenstein quien acertadamente escribió hace décadas: "De lo que no podemos hablar, debemos guardar silencio."