“Narcos”, basada en hechos reales y ficción, es un thriller adictivo, fascinante, brutal, irresistible, convincente, impactante, romántico y apasionante, que no da respiro y nos sumerge en la increíble historia del narcotraficante más famoso del siglo XX, Pablo Emilio Escobar Gaviria, interpretado por Wagner Moura. “Tropa de élite” (2007).

La invitación es a disfrutar de una extraordinaria recreación de la Colombia de la década de los ochenta y noventa con una insuperable factura y fotografía de las ciudades cafeteras que sufrieron el infierno de los cárteles de Medellín y Cali.

Lo anterior acompañadopor la inolvidable interpretación de Rodrigo Amarante y los primeros acordes del tema “Tuyo” en la intro de cada capítulo que cuenta con valiosos archivos audiovisuales y fotográficos de la época que apoyan esta historia del realismo mágico de Colombia.

ESCOBAR POR DENTRO

Narrada al puro estilo “scorsesiano” por uno de los policías de la DEA que sigue a Escobar,trae a la memoria películas como “Buenos muchachos” (1990) y “Casino” (1995), cuya voz en off nos da una completa radiografía del mundo desconocido del narcotráfico de los años ochenta.

Con un dinámico guion, extraordinarios movimientos de cámara y montaje, e interesantes actuaciones, “Narcos” tiene el mérito de contarnos por primera vez la íntima la historia del capo de la coca más brutal que haya existido en nuestro pasado reciente.

En esta primera temporada, que abarca los primeros 15 años de reinado del narcotráfico de Escobar, conoceremos su lado más personal y humano, y por cierto su perfil más nefasto.

Seremos testigos de su abnegada relación con su familia, como padre cariñoso y enamorado de su esposa, y al mismo tiempo “El patrón” implacable que ordena la muerte de cientos de policías, jueces, fiscales, candidatos presidenciales, directores de medios,periodistas, mujeres y niños. Fundador del narcoterrorismo.

Pablo llega a la cima del poder gracias a su visión, inteligencia y a los sistemas políticos y de justicia colombianos corrompidos por el dinero del narcotráfico. Así la figura de “El patrón”se transforma en mítica en los carteles de Medellín y Cali, pero el precio será muy alto a nivel familiar y personal.

A LA CAZA DE PABLO

En la segunda entrega, que abarca los últimos 14 meses de vida deEscobar, “El patrón” intenta seguir sus actividades ilícitas tras la fuga desde la “cárcel” La Catedral, la cual culmina cuando el Bloque de Búsqueda colombiano le da muerte en los tejados de un barrio en Medellín en diciembre de 1993.

En este proceso Estados Unidos, principal destino del tráfico droga, y Colombia unirán esfuerzos para luchar contra el capo, incluso aliándose con el Cartel de Cali y grupos paramilitares de la época para acabar con Pablo

Sabemos el fin de Pablo, pero no conocemos sus detalles y cómo sucumbe a sus decisiones y a las esferas del poder embriagador. A esta altura nos encontramos con un Escobar vulnerabley acorralado por su destino, y al acoso de la policía colombiana y norteamericana que le pisa los talones.

Pero “Narcos” no termina con la muerte de Escobar, el nuevo material se enfocará en el Cartel de Cali, y como el agente de la DEA Javier Peña, el actor chileno Pedro Pascal, tendrá que seguir los pasos a Gilberto Orejuela, uno de sus cabecillas, interpretado por Damián Alcazar.

Para los seguidores de esta apasionante historia sólo resta tener un poco de paciencia para continuar disfrutando a partir de septiembre de esta serie que la rompió en los últimos dos años. ¡Notable!

En julio próximo se viene el estreno mundial de “La guerra del planeta de los simios” (2017) filme que cierra la “saga de los monos” con sus antecesoras “El origen de planeta de los simios” (2011) y “El amanecer del planeta de los simios” (2014).

Si bien estas versiones de la historia tuvieron una positiva respuesta del público y la crítica, por lo sorprendente de su guion, imágenes potentes y efectos especiales, la aventura de la “supremacía de los simios sobre el hombre” comenzó varias décadas atrás.

UN CLÁSICO

Fue la mítica y original versión del director Franklin J. Schaffner la que es considerada hasta nuestros días como un clásico del género de Ciencia Ficción, junto a otras consagradas e irrepetibles como “2001: Una odisea en el espacio” (1968) y Blade Runner (1994), de Stanley Kubrick y Ridley Scott, respectivamente.

La versión de Schaffner da el puntapié inicial de las sagas que vendrían con mayor o menor éxito e incluso con fallidas series de televisión en los setenta y el discreto remake del director Tim Burton el 2001. El abismo que existe entre esta cinta y la de 1968 no admite debate por ningún frente.

La película de Schaffner es hipnótica de principio a fin, y a pesar de los años mantiene todo su esplendor y energía, con una singular historia en que los seres humanos son animales y los simios son los inteligentes y avanzados, siendo lo más comentado por sus fans su apocalíptico final de lo cual se han escrito ríos de tinta y ha sido comentado hasta la saciedad.

Este pesimista y desalentador remate nos hace preguntarnos hacia dónde vamos como especie humana, y es un broche de oro que justifica todo este largometraje que seguro está entre las 10 mejores películas de Ciencia Ficción de todos los tiempos y la ubica como mito del Séptimo Arte.

Tras 10 años sin estar detrás de las cámaras el polémico Mel Gibson regresa con una historia basada en hechos reales sobre un joven soldado médico Desmond Doss, quien decide servir a EE.UU. en la brutal batalla de Okinawa en la Segunda Guerra Mundial, pero con la fuerte convicción de no coger nunca un arma para cumplir esta faena.

PRINCIPIOS

Gibson nos explica las razones del protagonista, en dos escenas claves de la cinta, de no tomar el camino de la violencia para ayudar a su prójimo en este sanguinario conflicto bélico.

El protagonista luchará contra viento y marea por defender sus creencias hasta las últimas consecuencias, aguantando el maltrato físico y las humillaciones de sus compañeros en la etapa de entrenamiento.

La fidelidad de Doss a sus principios cristianos es tan fuerte que es capaz de ir a la cárcel por ellos y enfrentar una Corte Marcial si es necesario antes de tomar las armas. Su determinación será sólida hasta el final.

En Okinawa el soldado se encuentra cara cara con el infierno de la guerra. En un momento sólo en el campo de batalla toma la decisión de rescatar a sus compañeros moribundos ante una muerte segura a manos de los japoneses que remataban a los soldados heridos en la sierra Hacksaw.

BRUTALIDAD

En esta parte del filme nos encontramos con las secuencias más brutales que se hayan visto en películas de este género, en que el impacto visual de los primeros planos, cámaras lentas con cuerpos mutilados, quemados y volando por el aire, impresiona al espectador por lo gore de sus imágenes.

Es el estilo de Gibson que ya conocemos de sobra y que a esta altura no nos debería sorprender. Sin ser una obra maestra el cineasta australiano se supera a sí mismo con historias mejor desarrolladas, con un estilo honesto a la hora de llevar el sinsentido de la guerra a la pantalla que siempre ha sido complejo de exponer, porque son experiencias brutales y reales que no deberían de existir.

He visto por enésima vez Psicosis (Pycho, 1960) y lo que pueda comentar de la película de terror psicológico más popular de la historia, es poco para describir la obra de culto del maestro del suspenso. Ríos de tinta, se han escrito sobre la archi famosa escena de la ducha, del travestismo y desdoblamiento psicológico del protagonista, como varios mitos que surgieron alrededor de la cinta del creador de Rebecca (1940).

¿Queda algo más decir de Picosis? ¿Alguien no conoce la manoseada escena de la ducha? Terminaba una década de los 50 dorada para Sir Alfred Hitchcock con obras esenciales de su filmografía como: Crimen perfecto (1953); La ventana indiscreta (1954); Atrapa a un ladrón (1955); Falso culpable (1956); Vértigo (1958) y Con la muerte en los talones (1959). Sin embargo el maestro del suspenso comenzaba una década de los sesenta con falta de buenas ideas y de guiones dignos de ser un gran largometraje de interés.

Así llego a las manos del director inglés la novela de Robert Bloch, Psycho que llamó por fin la atención del creador de Los pájaros (1963). La historia fue magistralmente adaptada por el guionista Joseph Stefano, sin desmerecer la obra de Bloch, la cual tuvo en su momento buenos comentarios por parte de la crítica.

Hay una sola Psycho

Creo que el éxito de la cinta, jamás será superada por las lamentables secuelas y el triste ejercicio del remake realizado por Gus Van Sant. Porque Psycho estará para siempre en el monte Everest de las cintas de terror psicológico, gracias a una historia elegantemente bien contada. Un grandioso montaje que se podría igualar a la hoja de un cuchillo, cortando escenas (ducha) milimétricamente debido a las exigencias de censura de la época. Con trucos e innovadores movimientos de cámara, con lo típicos cambios de argumentos a los que nos tenía acostumbrados el maestro inglés, de alguna forma poniéndonos trampas en el camino, cosa que se agradece porque a muchos realmente nos sorprendió.

Una animalista y eufórica música, que pone los pelos de punta a base de puros instrumentos de cuerda, como acertadamente eligió el maestro Bernard Herrmann, para acompañar aquellas memorables escenas que quedaran para siempre en nuestras retinas, por lo escalofriante de los acordes y por quien las elaboró fríamente en su privilegiada cabeza aportando tan bellas y macabras imágenes.

Luego de la decepción que significó para Stanley Kubrick, las duras críticas a su anterior trabajo a Barry Lyndon (1975), el director norteamericano se embarcó en un proyecto aún más comercial que sus predecesores trabajos. Para ello, abordaría por primera vez el género de terror, utilizando la exitosa novela homónima de Stephen King.

El director de la naranja mecánica, (1971) no utilizaría el miedo basado en seres del terror clásico, como vampiros y monstros cargados de maquillaje, sino más bien un miedo fundamentalmente psicológico y sugerente.

Este mundo fantasmal se desarrolla en la mente de Jack Torrance (Jack Nicholson), un ex profesor alcohólico, y escritor frustrado, que parece estar alejado de la bebida. Torrance acepta un trabajo para trasladarse con su familia al impresionante hotel Overlook, para encargarse del mantenimiento del mismo durante la temporada invernal, en la que permanece cerrado y aislado por la nieve por meses.

El efecto “Fiebre de cabaña”

A parte de la banda sonora a cargo de Wendy Carlos, las correctas interpretaciones, y el ambiente fantasmal del hotel; lo que siempre me inquietó del filme, fue la posibilidad de que un hombre pudiese asesinar a su familia, lo que encuentro realmente tenebroso de la historia.

La violencia retenida (que en algún momento explotará) que se acentúa con más detalle en la obra de Stephen King, es para mí lo terrorífico del filme. Son situaciones de la vida real, es cosa de leer algunos hechos de sangre en la prensa roja, para darnos cuenta que la realidad supera la ficción.

La descarga de las frustraciones personales con los más débiles, es el elemento psicológico que realmente me aterroriza. También tenemos el factor de la incomunicación entre padres e hijos, y las devastadoras consecuencia de la soledad y la frustración.

En The Shining la realidad y la fantasía se confunden hasta transformarse en un mar de locura, dada por la sensación de aislamiento que sufre la familia. A lo anterior se le denomina clínicamente, “fiebre de cabaña”, el cual efectivamente es un trastorno psiquiátrico caracterizado por una percepción hibrida de la realidad y la fantasía, por permanecer por largas temporadas en lugares cerrados, lo que produce un trastorno de personalidad, que transforma a las personas en individuos peligrosos, según datos psiquiátricos.

Los encuentros con ciertas personas del pasado y fenómenos paranormales en el hotel, no impresiona a Torrance, aunque pronto se sentirá atrapado por los efectos demenciales del hotel, poniendo en peligro la vida de su mujer y su hijo Danny.

El Resplandor, si bien dista mucho de ser una obra maestra, cada vez que la veo no deja de sorprenderme. Es por eso, que cuando ingrese a F. A para realizar comentarios cinematográficos, me puse como seudónimo REDRUM, en tributo a un filme que me cautivo de una extraña forma.