El año 2014 en Cataluña ha sido un año marcado por la conmemoración de los 300 años de la derrota austracista a manos del ejército borbónico con la que finalizaba la guerra de Sucesión. Aunque esta efeméride ha conseguido atraer el interés del público por la historia del siglo XVIII, lo cierto es que el discurso fomentado por la Generalitat ha estado dirigido a fortalecer la interpretación nacionalista de unos españoles tiránicos que derrotaban a unos catalanes que luchaban por la libertad. La aparición de una película como "Born" me hacía temer una historia más de "buenos y malos". Afortunadamente, me equivocaba.
"Born" tiene muy poco de narración heroica y edificante destinada a fortalecer una conciencia nacional. "Born" es antes que nada un drama social, con un sorprendente estilo "realista" o "documental", protagonizado por unos pocos habitantes de la Barcelona de principios del 1700. No en vano, la película no parte de una novela, sino de un trabajo historiográfico escrito por un historiador importante como Albert García Espuche, en el que trata con una metodología cercana a la "microhistoria" la vida de los habitantes del barrio que da título a la película y que fue destruido en buena parte al construirse encima la fortaleza de la Ciutadella.
La película sigue los conflictos cotidianos de un conjunto de personajes que intentan tirar adelante con su vida. Por ello, antes que un típico drama de época con intrigas cortesanas, se toman como protagonistas a gente trabajadora. Los ritmos de los oficios o las angustias por pagar las rentas ocupan buena parte del metraje. Cabe destacar cómo la película aborda el sometimiento al que estaba sujeta la mujer en la época moderna o la aparición (breve, pero no por ello irrelevante) de esclavos al servicio del comerciante cuya ambición hace de hilo conductor de la historia.
Sin embargo, la estructura de "historias cruzadas" no acaba de estar muy bien trenzada, por lo que da la sensación de un conjunto un poco deslavazado al que quizás faltaría mayor ambición narrativa. Ahora bien, la fotografía es el punto fuerte de la película, pese a la austeridad de la escenografía o la ausencia de paisajes abiertos. Uno asiste a una especie de cruce entre la el pintoresquismo de "Barry Lyndon" de Kubrick y la tensión de la "shaky cam" de los dramas sociales de González Iñárritu o los hermanos Dardenne.
En resumen, "Born" es un esfuerzo loable (diría que hasta necesario) por representar un pasado sin caer en la épica a la que estamos acostumbrados. La película habla de las ansias de ascensión social, del egoísmo, de la pobreza y de la rudeza de unos tiempos que se tienden a romantizar. Quizás, justamente, su problema sea que al arriesgar tanto en lo formal como en el contenido, sea una propuesta forzosamente minoritaria. A pesar de sus defectos, seguramente más achacables a la falta de presupuesto que a falta de imaginación, "Born" es una interesante película que a mi juicio ofrece una lectura en términos de clase y género de un episodio histórico que se ha representando siempre como una gesta o una derrota nacional.

"Le fond de l’air est rouge" es uno de los mejores documentales que he visto. Su larga duración y su ambicioso arco temático la hace un testimonio cinematográfico excepcional. El reciclaje de entrevistas, noticiarios y películas militantes hacen que tenga un interés histórico muy destacable. La coloración de la fotografía, unas singulares piezas musicales y los extraños sonidos ambientales que la acompañan hacen que en conjunto sea una experiencia poderosamente sensitiva. Se trata de un documental diferente y audaz, en el que se va mucho más allá que los típicos reportajes a los que estamos acostumbrados.
Una de las características más notables del cine de Marker es que siempre se mueve en la frontera entre realidad y ficción. En sus documentales no hallaremos en ellas un afán aleccionador, didáctico, o científico. Sus películas siempre buscan provocar la reflexión sobre cómo miramos y qué recordamos. Esta preocupación no sólo se ve en el contenido que nos explica, sino en la misma manera en que se desarrolla la forma.
En "Le fond de l’air est rouge" los fotogramas que pasan frente a nosotros no son tratados como unas simples fotografías, sino como símbolos e iconos cargados de significados y asociaciones. Una de las grandes virtudes de esta película es que consigue que la imagen cinematográfica hable por sí misma, gracias un magnífico trabajo de montaje.
Nos hallamos frente a un cuidadoso ensamblaje que nos conduce por su sinuoso pero contundente guión, en el que una imagen nos conecta a la otra por su semblanza formal o emotiva. De esta forma, las secuencias que desfilan a nuestros ojos pasan a convertirse en un recuerdo vivo. En el cine de Marker, la memoria es un fotograma que se quema lentamente en nuestra retina.
Dicho esto, ¿qué temas puede plantear semejante película? En resumen, nos hallamos frente a una larga reflexión sobre la historia de los movimientos sociales y políticos de izquierda la década de los 60 y 70. Marker nos explica la oposición a la guerra de Vietnam y las vicisitudes de las guerrillas en América Latina. Traza el recorrido de cómo esta resistencia al imperialismo norteamericano enlazó con el movimiento obreros y estudiantiles. Se trata, pues, del génesis de esa nueva izquierda, que pasaría a la historia por ser la protagonista de una nueva serie de reivindicaciones y protestas en EEUU y Europa Occidental. En las universidades de Berkeley, París o Berlín se respiraba un ambiente revolucionario. Pero, tal como plantea el film, quizás el problema fue que era un aire antes que un planteamiento político realista.

(Sigue en spoiler)

"Body of Lies" es una película interesante en lo que respecta a la parte sobre la política y la guerra. Pero no deja tener muchos tópicos de las películas de acción o de espías, que hacen que la historia sea a veces poco verosímil.
Me pareció que les faltaba humanidad a muchos de los personajes (tanto a los principales como a los secundarios). Se hacen algunas propuestas interesantes, por ejemplo con la historia de amor, pero no acaban de cobrar vida propia.
Respecto a como la película refleja el modo que en que los EEUU actúan en Oriente Medio, me parece que en la película es, por decirlo de alguna manera, "bipolar".
Al inicio el personaje de Rusell Crowe nos presenta la amenaza "islamofascista" sobre la gloriosa civilización occidental. Acaban de atacarnos, nos encontramos en una guerra sin cuartel contra un enemigo dispuesto a matar con su propia vida, y debemos luchar contra ellos con todas nuestras fuerzas.
Pero a medida que avanza la trama, parece que los buenos no son tan buenos, ni los malos tan malos. Incluso hasta asistimos a la creación de un complejo complot terrorista... por parte de los propios norteamericanos! Parece que este "Black Hawk Down" va avanzado y va aportando matices más complejos...
Así pues, no serían solamente los malvados terroristas los que provocan los conflictos, sino también la incorrecta política exterior de los EEUU. Parece entonces, que de vez en cuando hay inocentes que son acusados de ser terroristas sin pruebas o que los norteamericanos poco tienen que hacer ahora en la tormenta que se ha desatado en Oriente Medio...

Sin duda, una gran película de Jean- Pierre Melville, director infravalorado e injustamente poco conocido.
Los personajes y las situaciones, tan fatalistas y desesperanzados, nos transmiten el verdadero sentimiento de determinación estoica que hay que tener al enfrentarse a la muerte. Personalmente, es quizás una de las películas más deprimentes que he visto.
Con pocos efectos especiales (cosa que hace que algunas escenas pierdan credibilidad), Melville construye un relato de pesadilla, en el que la única seguridad es la muerte. Pudiésemos hablar de los protagonistas como héroes, pero, ¿puede es verdaderamente un héroe aquél que trata cada día con frialdad el morir o matar? Los soldados de este ejército de sombras se mueven en la absoluta incertidumbre, entre el ahora o nunca, el suicidarse o en el ser fusilado...
Además de la historia, otro punto fuerte de la película es su ambientación. La lluvia, la niebla, los paisajes boscosos y los húmedos calabozos le dan a la película un aire gélido y lúgubre. También la música se merece la atención, ya que ayuda a construir una envolvente atmósfera melancólica.
Es interesante tener en cuenta que el personaje de Luc Jardie (un filósofo enrolado en la resistencia) está basado en el filósofo de la ciencia Jean Cavaillès que siguió el mismo destino que su reflejo en ficción.
Imprescindible verla. Sobretodo para tener una visión diferente de la II Guerra Mundial, que nos recuerde que en guerra no hay tiempo ni para la felicidad, ni para la vida.

Una película que además de los avances técnicos que auguró, explica una historia de manera totalmente ágil. Cumple con las dos cosas que necesita una película para ser grande (y en este caso, sobradamente): buena puesta en escena y buena historia que contar.
Aunque haya pasado tanto tiempo desde su estreno y la técnica cinematográfica haya llegado a un nivel técnico avanzadísmo, "Ciudadano Kane" sigue impresionando por sus movimientos de cámara tan violentos, sus transiciones y esa narración a base de flashbacks continuos. Mención aparte el comienzo con el noticiario, en el que se nos presenta al protagonista de esa manera tan peculiar.
Orson Welles hace una estupenda interpretación de un "pobre hombre rico" que cree que todo en la vida puede ser comprado, pero que al final de sus fallidas relaciones, hay cosas que jamás podrán ser recuperadas...