Marseille no es una película fácil. No tiene una narrativa convencional, no se nos da suficiente información para empatizar con sus personajes, hay elipses enormes y giros de guión inesperados. Todo esto puede resultar a primeras bastante frustrante para el espectador desprevenido, pero hay que entender que todo es intencional. Así son las películas de la Berliner Schule. Fragmentos de vidas con protagonistas opacos, movidos por motivos a los que no podemos acceder, con huecos narrativos que nos ocultan información, con sucesos que nos dejan desconcertados. Así reflejan los directores de esa “nueva” ola contemporánea Alemana la condición humana del siglo XXI. Habrá espectadores a quien este lenguaje cinematográfico les despertará el interés para estar atentos a la composición, a la forma, a los detalles, a los gestos, a las (pocas) palabras dichas y de este modo apreciarán y disfrutarán de la película. Pero apreciar o disfrutar aquí no significará comprender, sino más bien aceptar esa incomprensión, o como máximo darle nuestro propio sentido a lo que vemos y sobretodo no olvidar, que nuestra interpretación siempre va a ser fuertemente subjetiva.

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Si estás leyendo esto, puedo suponer casi con absoluta certeza que has visto Daughters of the dust. Me atrevería a decir también, que a lo largo de la película, tu mente ha saltado varias veces de la fascinación por el trabajo poético que estabas viendo, a la frustración por no entender lo que se estaba contando. Puedes estar tranquilo, no estás solo.

La directora Julie Dash ha realizado una peculiar película donde se nos presenta a los Gullah, un pueblo del sureste de los Estados Unidos que debido a su largo aislamiento geográfico (viven en unas islas en la costa de Carolina del Sur), tienen una cultura que es una mezcla de antiguas tradiciones africanas y modernas influencias americanas. Como anuncia Nana Peazant, la matriarca de la familia, en un momento de la película, los Gullah son dos personas metidas en un solo cuerpo. Su artesanía, sus tradiciones agrícolas y pesqueras, sus creencias populares, su religión, su música, es una extravagancia rara entre lo rudimentario y lo refinado. Es difícil de clasificar. Todo nos parece surrealista y sacado de otro mundo.

Desde mi punto de visto, tal tema no podía tratarse de una forma más adecuada que la realizada por la directora. La película no está hecha para ser entendida de manera convencional. Su argumento confunde si uno intenta descifrarlo con lógica o razonamiento y por eso hay que subirse sin miedo a esa barca que aparece en la primera escena, que está allí precisamente para ayudarnos a llegar a ese limbo atemporal, ese paraíso sensorial en forma de isla dónde vivos, muertos y niños nonatos comparten picnics y sesiones de fotos en playas desnudas, donde se discute en lenguas criollas y acentos indescifrables sobre libertad y esclavitud, tradición y progreso, pasado y futuro. Te vas a perder siguiendo todos los puntos que se tocan o intentando entender las relaciones familiares de los protagonistas, pero lo más importante está en los sentidos. En palpar la cultura que se te muestra. Disfrutar de las imágenes, sumergirte en la música Africana y los sonidos ambientales, gozar de las comidas, sufrir en las peleas y divertirse en los bailes. Al final quizás no hayamos entendido muchas cosas, pero sin lugar a dudas habremos aprendido y disfrutado mucho.

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Interesante obra del cine indio que sorprendentemente nadie ha valorado todavía en filmaffinity, así que vamos a escribir unas pocas lineas para que futuros cinéfilos puedan indagar un poco más en ella.

La película está inspirada en la vida de Hansa Wadkar, una leyenda del cine indio, aunque los nombres en la película fueron cambiados y al principio se nos aclara que todos los personajes de la película son ficticios y que cualquier parecido con personas reales es pura coincidencia. Éste disclaimer se debe a que la vida de Wadkar fue reconstruida solamente a través de una serie de entrevistas las cuales dejan muchos huecos por rellenar. Partiendo de ese material, Benegal creó Urvashi, la estrella del largometraje, para hablar de algo mucho más grande, que es la situación de la mujer en la sociedad de la India en el S.XX. La película tiene buen ritmo y una cámara muy dinámica que hace maravillas de composición. Se usan saltos temporales en blanco y negro o tono sepia para narrar etapas del pasado de la actriz. A pesar de la popularidad de ésta técnica en nuestros días de digitalización, aquí fue motivada por causas mayores. Cuenta Benegal en una entrevista para el BFI, que a finales de los 70, el stock de film en color de Kodak era carísimo y muy difícil de conseguir en la India. Para poder finalizar la película, él y su director de fotografía tuvieron que improvisar y decidieron grabar las distintas etapas de la vida de la protagonista con distintos tipos de stock. La actuación de Smita Patil es muy convincente y a pesar de las dificultades que podamos tener por comprender muchos matices de una sociedad tan distante y diferente a la nuestra, su personaje se siente próximo y sus luchas internas, son universales.

En Bhumika, Urvashi se verá constantemente atrapada en una sociedad que la somete y priva de sus deseos personales. Para asegurarle un futuro mejor del que le augura el sistema de castas, su madre le obliga a casarse con un pretendiente que a su vez le fuerza a entrar en el mundo del espectáculo. Allí conseguirá triunfar con su talento para actuar y cantar pero sintiéndose solamente usada por su marido buscará libertad y independencia más allá del círculo familiar. Distintos amigos y amantes le darán breves respiros existenciales antes de darse cuenta que de una forma u otra, sigue sin tener el control sobre su vida.

Después de Ankur, el primer largometraje de Shyam Benegal, ésta es la segunda película del director indio que veo y aunque no me cautivó al mismo nivel que la primera, pienso que también se merece muchos elogios. Es una película dura y pesimista, que te hace reflexionar sobre las injusticias sociales de género tan comunes en muchas sociedades de éste mundo en el que vivimos. Muy recomendable.

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Interesante retrato de masculinidad tóxica de la mano de una de las directoras más infravaloradas e injustamente olvidadas de los 70. Con un look muy sucio y desenfocado, con poca iluminación y mucho movimiento de cámara, la película no es de visionado fácil pero tiene mucho más carácter que las refinadas y estéticas producciones que Hollywood hacía en aquella época. Ya me dirán ustedes porque Elaine May no goza del estatus cult de otros de sus contemporáneos cómo Cassavetes o Scorsese, pero esto es tema para otro tipo de reflexiones..

Vamos a la película. Nicky llama a su amigo para que le ayude a salir de un apuro. Piensa que alguien le persigue y que le quieren matar. Aunque su amigo parece ser la única persona en la que puede confiar, no consigue fiarse completamente de él. Y quizás tenga razón, pues parece que Mikey podría ser capaz de delatarlo, aunque sus intenciones iniciales para ayudarle parecen realmente honestas. Realidades e intenciones no nos quedan claras en un principio y nos preguntamos qué forma parte de la paranoia de Nicky y qué forma parte de la honradez de Mikey. Desde mi punto de vista, el gancho de la película reside precisamente ahí, en este estudio profundo de dos personalidades masculinas chocantes dominadas por la codicia, la lujuria y sus sórdidos y egoístas objetivos, que no son capaces de expresar lo que quieren o lo que intentan. En sus conversaciones y discusiones, mucho se habla, pero mucho mas queda sin decir, y es el espectador el que tiene que rellenar los espacios en blanco, el origen de su larga y oxidada amistad, los conflictos de su pasado, sus problemas personales, etc.. Después de mucho grito, sudor y violencia, la película termina con un final intenso e inolvidable, que queda gravado en la retina.

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India de los años 50. Se nos presenta un joven estudiante, Surya, con ideas progresistas y con planes ambiciosos para el futuro. Pero su padre tiene otras ideas para él. Su deber es hacerse cargo de las tierras que posee la familia y casarse con una joven adolescente que sus padres han escogido para él, siguiendo el sistema de castas de la época. A regañadientes, se instala el joven con sus revistas modernas, sus camisas blancas y sus cigarrillos finos en un pueblo donde es el señor. Su mentalidad moderna choca con las costumbres tradicionales de la gente rural y rápidamente afloran los conflictos sociales. Su atracción por la criada es evidente des del primer momento y a pesar del escándalo que los dos saben que generará tal relación, él consigue convencerla. Lo que para uno no será más que un pasatiempo mientras espera que su joven futura esposa llegue al pueblo, para el otro devendrá un cambio sin vuelta atrás.

La película es un drama honesto y realista, sin los números musicales o los melodramas típicos del Bollywood de la época. La evolución del joven en su nuevo entorno, las diferencias entre las clases sociales, el tradicionalismo feudal de poder y castas, muchos son los temas que la película toca, pero su verdadero epicentro, en todos los niveles, reside en la criada. Sus primeros planos, sus miradas, sus silencios y sus modales contienen todos los mensajes que la película desea transmitir. Me da la sensación que para el espectador occidental, desconocedor de la mayoría de costumbres y tradiciones de la India, muchos detalles deben pasar desapercibidos, pero incluso así, la película fue capaz de cautivarme completamente. Hasta ahora sólo me había adentrado muy poco en el cine indio de autor, con unas cuantas películas de Satiyajit Ray y poco más, pero está película me ha despertado la curiosidad. Me dejo con ganas de descubrir más sobre el llamado Parallel Cinema.

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