El hype era alto. Muy alto. La anterior entrega había conseguido un equilibrio perfecto entre pasado (nostalgia) y presente (recuela, como la llamaban los propios personajes) y, para esta sexta parte, pusieron toda la carne en el asador con una campaña de marketing jamás vista en la saga. Además, resucitaban a Kirby y la acción se trasladaba a Nueva York, lo que aportaba un sin fin de posibilidades a la trama. Volvían también los cuatro supervivientes de la anterior entrega y Gale. Por desgracia, Sidney no estaría... algo que los fans podríamos llegar a perdonar si el film mantenía el listón tan alto como anticipaba su trailer.

No se hicieron esperar las primeras críticas. Todas alababan su brutalidad y oscuridad, siendo la secuela con más muertes por minuto. También se reconocía el buen hacer de unos directores que parecían entender el legado de nuestro añorado Craven. La espera se hizo eterna a la par que los nervios aumentaban. Llegó el día del estreno.

Un prólogo, que se anunciaba como uno de los mejores desde el original, abría la película y, a partir de ahí, las correrías de Ghostface apretaban el acelerador. Una vez finalizada, me quedé reflexionando en la butaca. Sin duda, es una buena película. En ningún momento decae y es sumamente entretenida. Para mi sorpresa, Barrera deja de un lado la inexpresividad y ofrece una heroína a la altura de las circunstancias. Ortega, está genial como siempre y el resto aporta lo que se espera de ellos, algunos son mera carne de cañón y otros la faceta humorística imprescindible de la película.

Posee secuencias de acción trepidantes y momentos de tensión muy logrados. Nuestro matarife de la cara de fantasma se muestra más letal que nunca y su cuchillo corta la carne como si fuera mantequilla. Pero, y aquí viene lo que me dejó un poco frío, alguna cosa falla en esa maravilla que todos anunciaban. Si uno se replantea las situaciones que está presenciando (algo que no debe hacerse nunca en el cine de terror) la gratuidad se come a la película. Diálogos metidos con calzador, una trama que se advierte fácilmente y un desenlace que, aunque intenso, me dejó insatisfecho. Quizás por su obviedad... , al igual que el tratamiento que se le da a la pobre Kirby, en cierta manera desaprovechada...

Pese a ello, nos encontramos con una entrega más que digna. Excelente por momentos, trepidante y llena de buenas intenciones dentro de una saga que no decae. Sé que con nuevos visionados la acabaré amando como amo al resto, pero, como se dice en el ámbito sentimental, necesito un tiempo para asimilarlo. Y, ya en plan reivindicativo, ¿cuándo llegará el momento de poner en su justo lugar a Scream 4, con un prólogo insuperable y una de las mejores villanas tras la máscara?

Lo mejor; Gale y Ghostface, la mejor escena del film. Brutal.

Lo peor, La ausencia del trío, ahora dúo, original es demasiado alargada... Esperemos que el cheque para Neve contenga los ceros que ella se merece para la séptima parte.

No es ningún secreto que Aronofsky siente cierta predilección por la hipérbole dramática. Es de aquellos directores a quienes les gusta retorcer y humillar a unos personajes nacidos para sufrir. Tenemos claros ejemplos en "Requiem for a dream", donde machaca con cinismo social a sus protagonistas, o en "Cisne negro" al arrastar a la Portman en busca de la perfección hasta las últimas consecuencias.

Sus películas coquetean con el fantástico, con la metáfora o con una alegoría al servicio de un mensaje demoledor que retrata con crudeza las miserias humanas. Una mezcla de géneros que funciona cuando la historia está controlada/ bien trabajada o, por el contrario, es capaz de dividir a la audiencia por su reducción al absurdo, como es el caso de "Madre!", film que exige demasiado al espectador y que su pretendido estilo caótico puede exasperar a más de uno.

Por el contrario, la cinta que nos ocupa se aleja de la fantasía y se adentra en el drama costumbrista más simplista. El director decide dejar a un lado aquello que hizo distinta a su filmografía y transitar por unos senderos fáciles y emocionalmente planos, concentrando su esfuerzo en avasallar al espectador con tretas lacrimógenas. Nada de personajes complejos y profundos, ni rastro de tramas tortuosas. Aquí todo está al servicio de un actor y de un personaje al que se le rinde pleitesía artificiosa.

¿Se merece Fraser el Oscar por su interpretación? Sin duda, está soberbio. Pero, puestos a ser quisquillosos, es un papel demasiado goloso y estudiado. Es de aquellos personajes que, más allá de prótesis y látex, encandilan a la Academia por esa súplica desesperada por recibir algún premio. En este caso, un homosexual obeso dispuesto a autodestruirse por amor. A la ecuación hay sumarle una hija psicópata, una exmujer alcohólica, una amiga cínica y una secta como telón de fondo. El cóctel del culebrón está servido.

¿Es "La ballena" una buena película? Por supuesto. Pero, al final, todo ese portento lacrimoso juega en su contra, pues su exceso es tan obvio que resulta inocuo, e incluso irrisorio. Algo parecido a lo que hace Shyamalan en sus películas, pero con menos soberbia.

Lo mejor; Recuperar a un gran actor como Fraser y dedicarle un film entero a su redención hollywoodense.

Lo peor; Por su evidencia resulta de todo menos emotiva. Su simpleza es irritante.

Las espectativas ante el estreno de "X" eran altas. Las críticas la alababan como uno de los mejores slashers de la historia del cine. No solo rendía pleitesía al género citado, si no que era toda una oda a la "La matanza de Texas". Además, su director era el responsable de la "Casa del Diablo" e "Inkeepers", dos films de género con sustancia y atmósfera. Así que el hype era elevado. ¿El resultado una vez vista? Irregular. Una magnífica primera parte, con la presentación de personajes interesantes y de un entorno rural inquietante para caer luego, en su parte final, en los tópicos de fácil consumo. Aún así, su lectura sexualizada de la tercera edad, la buena dirección de West y un reparto más que correcto la salvaban de la mediocridad.

Durante su pase por salas, el rumor de una posible precuela en forma de corto empezó a invadir las redes sociales. Y así, un año más tarde, llegaba por sorpresa "Pearl", largometraje que se adentra en el pasado de uno de los villanos de la original y cuyo nombre da nombre a la cinta. Si en el film con Jena Ortega se hacia reverencia al cine de los años setenta, con sus atmósferas sucias, sexualmente enfermizas y su sadismo gráfico, aquí el director se desmarca de ello para adentrarse en el cine del technicolor y cinemascope propio de mediados de los cincuenta y principios de los sesenta. Producciones teatrales y coloridas rebosantes de buen rollo y colores saturados.

Es por ese motivo que todo está al servicio de la forma. Paisajes, vestuario, iluminación, atrezzo. Un conjunto que nos retrotrae a producciones como "Sonrisas y lágrimas" o "Siete novias para siete hermanos". Por suerte, nada se detiene en la superficie y se apuesta por explorar aquello que se esconde bajo la superficie cromática. Tenemos, por un lado, el guiño a la pandemia y, por otro, el descenso a la locura de Pearl, su protagonista, una joven anclada en un entorno que la oprime y del que no puede escapar. Un magnífico trabajo psicológico in crescendo que estallará de la forma más gráfica posible y donde por fin el film se suelta la melena. Quizás su ritmo irregular y contención la alejan de la obra maestra que podría haber llegado a ser. Sin embargo, nos hallamos ante una de las películas más sólidas y honestas que ha dado el fantástico en lo que va de año.

Todo ello no sería posible sin Mia Goth, una actriz tan solvente como convincente capaz de acarrear sobre sus hombros el peso de una trama autoconsciente, manida y llena de tópicos sin despeinarse. Construye una Pearl llena de pequeños matices que pasan desde el patetismo empático hasta llegar a la locura más desenfrenada. Excelente en todos los estados por las que circula un personaje que, no exento de humor, siempre conserva un punto turbio que trasmite a través de su penetrante mirada.

Horror costumbrista de primera línea tratado con mimo y clase. Toda una sorpresa que añade más leña al fuego para una trilogía que cerrará la futura "Maxxxine", previsiblemente un canto al cine porno de los ochenta y con Goth de nuevo a la cabeza. Interesante reflexión y paralelismo entre esos dos personajes temporales que se cruzan en "X" y que interpreta la misma actriz.

Lo mejor; Mia Goth, soberbia. Solo hay que ver ese alargadísimo primer plano final, donde uno no sabe si reír o llorar...

Lo peor; Una autocontención inesperada que solo se abandona durante sus últimos minutos aunque, por otro lado, es marca de la casa del director.

Después de sorprender en 2019 con "Vivarium", una demoledora crítica a la institución familia, a la clase media y a la maternidad (o paternidad), el director irlandés vuelve a la carga con "Nocebo", donde deja de lado lecturas futuristas o metáforas alienígenas para adentrarse en los terrenos de la venganza social.

El film fue presentado en el último festival fantástico de Sitges, donde acudió parte del equipo a presentar la obra. La presencia de su actriz principal, la bellísima Eva Green, fue uno de los momentos más esperados por todos los que nos encontrábamos allí. Toda la presentación fue rápida y concisa, sin regodeos. Un saludo, unas pocas palabras de Finnegan agradeciendo a la organización lo de siempre y unas escueta presentación de todas las caras que lo acompañaban. Eva no habló para decepción de un público entregado. Esa sensación extraña, mezcla entre perplejidad ante tal falta de decoro y prisas, se prolongó hasta sus créditos finales.

Varias son las influencias de un film que bebe directamente de producciones tan dispares como "La mano que mece la cuna", "La semilla del diablo" o "La serpiente y el arco iris". Un pastiche lisérgico que sirve como crítica (una vez más) a las injusticias sociales que sufre el tercer mundo a manos de las clases más acomodadas. Unas buenas intenciones que, por obvias, no acaban de funcionar o encajar. Por un lado, tenemos a una estupenda Green que sigue en su empeño de mancillar su físico frente a la cámara y a un reparto entregado que trata de acompañarla. Por otro, una narración sólida, aunque fluctuante y llena de agujeros. Pero, pese a ello, falla.

Si comparamos este film con su anterior obra, Finnegan se muestra mucho más perezoso y descuidado. Su dirección es plana, cercana al telefilm de sobremesa, y trata de evitar riesgos innecesarios. No construye el espacio con tanto mimo, como sí hizo con aquella urbanización vivero. No hay atmósfera malrollera. Aquí la opulencia de la mansión donde vive la familia de la modista queda desdibujada, fuera de un plano donde podría aportar mucho más a sus intenciones críticas y, al igual que su mensaje de fácil digestión, todo parece construido para que no queden flecos morales en el espectador. Todo debe quedar bien atado para que tengamos claro cuál de los dos bandos es el correcto.

Por ello, al final, todo resulta previsible y gratuito. No hay que ser muy avispado para adivinar el porvenir de unos personajes estereotipados. No hay que ser un lumbreras para avanzar el devenir de una trama que avanza a golpe de efecto. A pesar de algún punto de interés que rápidamente se diluye y de un humor soterrado que aflora en determinados momentos, el film es demasiado previsible, carente de sorpresa. Al final, su dramatismo es su losa y sus mecanismos su derrota.

El director decide poner todo el peso de la producción sobre las espaldas de sus protagonistas, una piedra demasiado grande y pretenciosa que ambas, a pesar de su buen hacer, parecen no soportar. Hay algo de artificioso y vacuo en su resultado final, e incluso, peligroso ya que sus recursos consiguen (a veces) lo contrario de lo que se proponen.

Lo mejor; La presencia de Eva Green, siempre hipnótica.

Lo peor; Sus pretensiones y su ejecución no siempre casan, resultando obvia a la vez que inofensiva.

¡Argento vuelve a dirigir 10 años después de escupir sobre la obra de Stoker! ¡Bien! ¿Querrá redimirse después de perpetrar semejante engendro vampírico en tres dimensiones con mantis incluida? Suponemos... ¡Vuelve a los terrenos del thriller que le hizo grande dentro del cine! ¡Olé! ¡El guion está escrito por él mismo, lo encontró en el cajón de proyectos postergados y, por tanto, puede contener parte de la esencia de sus giallos! ¡Olé, olé!

Motivo suficiente de jolgorio y de celebración para el aficionado. Por desgracia, a medida que su metraje avanza, anhelos e ilusiones se van diluyendo y hundiendo junto a nuestro trasero en la butaca del cine. La sensación de dejavú, rancio y caduco, es inevitable una vez visionado el film. Uno se pregunta sino la ha visto antes, mucho antes, pero tan antes como para que conserve la frescura de sus obras más atinadas. Así, la influencia directa de su nueva producción son esos thrillers con los que nos deleitó (o con los que nos hizo sufrir) a lo largo de la última década y la primera del nuevo milenio. Unas producciones que, pese a regodearse en su glorioso estilo pasado, se antojaban desfasadas y descontextualizadas con lo que ofrecía en ese momento el cine de género, a la par que también se mostraban descafeinadas en cuanto a violencia gráfica, más si tenemos en cuenta a lo que nos tenía acostumbrados el director de "Suspiria". Un pesado anclaje del que parece no poder desprenderse desde entonces.

"El jugador de cartas", "Giallo" o la superior "Insomnio", son muestra de esa etapa adolecida que se prolongará hasta cavar su propia tumba con "Drácula 3D". No obstante, todas ellas, aunque fallidas, sí poseían algún punto interesante que la salvaba de la quema (asesinatos bizarros, made in Argento, planos imposibles o atmósferas malsanas). El director vuelve por esos derroteros de situaciones gratuitas y chabacanería barata que tanto nos gustaban sin aportar nada o, lo que es peor, sin ofrecer nada de nada. La historia, pese a un arranque aceptable, es previsible. Los histrionismos y clichés de gafas y palos de ciego resultan aberrantes. La incorporación del personaje del niño es irritante. Y su resolución roza el ridículo más absoluto.

Criticar la obra del maestro me resulta difícil, por el aprecio que tengo a sus obras más consagradas, a un estilo tan personal y que creó escuela, con unos films que ya forman parte de la historia del cine y que encumbraron un género tan denostado como el terror en el país transalpino. Pero no todo vale. Me da la impresión de que, al igual que algunas grandes leyendas del séptimo arte con trayectorias pasada repletas de obras maestras, Argento es esclavo de sus propios métodos y discursos. Un lenguaje en desuso y que no le permite escapar de su propia trampa estilística y conceptual. Y, cuando lo intenta, nos da una sonora bofetada en toda la cara, pero de aquellas que duelen en la boca del estómago. Quizás sea mejor que continue por estos derroteros...

No emociona, no aterra y lo que es peor, la sangre escasea, además de desaprovechar a su hija, la única solvente en el reparto. ¡Huye Huppert! ¡Aún estás a tiempo!

Lo mejor; Un arranque que, gracias a esa sangrante garganta cercenada, hace que se tranquilicen por unos segundos nuestros temores.

Lo peor; Hay muchos elementos que podríamos incluir aquí, desde ese tono humorístico extenuantemente inconsciente a unos actores fuera de órbita, pero, sin duda, lo prescindible es... ¡el niño!