The Rolling Stones Rock and Roll Circus es una curiosa película rodada para la TV en un estudio en forma de carpa con actuaciones en directo de las estrellas de rock del momento y números circenses llevados a cabo por diversos artistas (algunos ya muy mayores y otros reconocidos en esa época) que telonearon la actuación final de los Rolling Stones. El evento fue el día 11 de diciembre de 1968 y la grabación se prolongó desde las 2 de la tarde hasta pasadas las 5 de la mañana. El director fue Michael Lindsay-Horgg que ya había colaborado con los Stones y con otras bandas de rock en diversos videoclips y actuaciones en vivo.

El proyecto original, sin embargo, surge de la idea de llevar a cabo una gira por los EEUU protagonizada por The Faces, The Who y The Rolling Stones, donde las tres bandas recorrerían el país en tren llevando consigo la carpa y todo el atrezzo circense. Dicho proyecto por el que Rod Stewart nunca mostró demasiado interés se iba a celebrar finalmente como gira de The Rolling Stones y The Who pero jamás se llevó a término debido a los problemas logísticos que suponía viajar en tren por EEUU donde ya entonces el tren prácticamente solía se utilizaba para el transporte de mercancía y su velocidad podía ser en algunos tramos de menos de 10km/hora. Finalmente el proyecto se convirtió la grabación de un programa de TV que jamás se pasó por TV ya que los Rolling Stones decidieron olvidarlo durante años, de hecho los rollos de película quedaron “perdidos” hasta 1996.

Pero viendo la película hoy día, hay que decir que bien valía la pena editarla. The Rollins Stones Rock and Roll Circus es un documento único que con la perspectiva de los años cobra un valor 100% documental de una época, finales de los años sesenta, donde los artistas de rock competían entre ellos dentro y fuera del escenario pero también dentro y fuera de él se admiraban y se respetaban.

Resulta extraordinario ver a los Who haciendo el gamberrete como público después de su propia actuación (excelentemente fresca por otro lado). O ver a la banda, llamada para la ocasión “The Dirty Mac”, compuesta por Mitch Mitchell (The Jimi Hendrix Experience), Eric Clapton, Keith Richards y John Lennon interpretando el tema bluesero llamado “Yer Blues. Otra cosa, más discutible, desde mi discutible punto de vista, es si resulta o no tan brillante la actuación de Yoko Ono, escondida en un rincón del escenario cubierta por una bolsa de plástico negro durante la interpretación de dicho tema y saliendo a berrear en el siguiente tema, “Whole Lotta Yoko” donde aparece el violinista Ivry Gitlis.

De un realismo brutal, la película del director rumano Cristian Mungiu te arrastrará desde el primer momento y durante 113 minutos a la pesadilla de sus protagonsistas para lograr en la Rumanía de Ceacescu un aborto clandestino y ciertamente arriesgado en el año 87. En la línea del Loach más explícito, "4 meses, 3 semanas, 2 días" es un ejemplo de cine social, que se posiciona con aquel que debe luchar constantemente contra el statu quo para que su vida diaria sea algo más digna, presentándonos a una heroina de la cotidiano, Otilia, la amiga de Gabita, que no dudará en ayudarla hasta el final, aunque deba pasar por ello por más de un calvario..

Tal como la Iglesia, conocedora de una población donde la inmensa mayoría era iletrada, hizo antaño con los iconos para la explicación de la Historia del Cristianismo a través de imágenes, Pudovkin con “El Final de San Petesburgo” lo hace con la revolución rusa. A través de una narración llana, sencilla, próxima, diáfana.., sin casi utilizar intertítulos, con una música extraordinaria que en todo momento acompaña emocionalmente la narración, con un montaje agresivo y contrastado de imágenes (al estilo Eisenstein) en los momentos de mayor conflicto, y mucho más reposado cuando nos aproximamos a los personajes, Pudovkin consigue que nunca perdamos el hilo narrativo (y discursivo) y que nos metamos en una historia que es la Historia de las personas a quienes iba destinado el film, el pueblo, el protagonista de la revolución, y finalmente, de su destino.
La película, como cualquier obra que pretenda llegar a ser un clásico, es argumentalmente vigente y visualmente extraodinaria, incluso más sutil y poética que la magnífica “Octubre” de Eisenstein. Pudovkin sabe aproximarnos por igual a la realidad social y a la realidad personal de sus personajes. Aquí las masas no son los campesinos y proletarios sino, en cualquier caso, los capitalistas anónimos que se mueven al ritmo que marca la Bolsa. Las clases populares, que tienen rostro, funcionan como un todo cuando conviene pero Pudovkin sabe acercarnos un poco más a ellos, no solamente para mostrarnos la desgarcia en un primer plano lleno de dramatismo o para mostrarnos la cara de odio que reclama venganza, sino también desde otra mirada, desde la de los sentimientos de solidaridad, amor o compasión más íntimos, aquellos que acaban haciendo más comprensible el todo.

En tiempos en los que al hablar de memoria histórica parece que sólo se nos ocurre pensar en la Guerra Civil es bueno acercarse a documentales como este que repasa, a través de algunos testimonios en primera persona y algunas imágenes de archivo, incluido el No-Do con la manipulación política que se hizo de todo ello, la vida de los españoles que migraron a Alemania en los años 60. Cómo fueron tratados, las dificultades de no conocer el idioma, de no relacionarse con la población autóctona, de no tener tiempo para nada que no fuera trabajar y enviar dinero a sus familias, el no sentirse ni de allí ni de aquí (cuando en muchos casos al volver al lugar de origen ese espacio social que quedó vacante al partir, ahora ya estaba ocupado) pero al mismo tiempo, en muchos casos, eso supuso también una paulatina y progresiva toma de conciencia social y política. Por ello, todos estos testimonios son un documento tan válido para explicar ese entonces como para explicar otras situaciones actuales donde parece que "las tornas han cambiado" y ahora somos un país “de acogida”.

Película de serie B ochentera de ese pseudo-terror para adolescentes tan al uso en los ochenta, con unos toques de humor negro, la aparición de Gene Simmons en un pequeño personaje de discjockey de un programa de radio de rock, y con un papelito, que es de lo mejor de la película, del loco Ozzy como reverendo anti-rock invitado a una tertulia televisiva donde pone a parir al mundo del rock y su letras blasfemas y pornográficas, jeje.. no podía ser otro el que se riera de todo esto.
Por lo demás la película está plagada de actores y actrices que pronto se dieron a conocer en series televisivas de gran éxito y poca calidad..