Acabo de darle una revisión al clásico All That Jazz (Empieza el espectáculo) de Bob Fosse (1979). Lo primero que hay que destacar de esta cinta es que, 33 años después de su estreno, no ha envejecido lo más mínimo, sigue viéndose como una película fresca e innovadora en sus conceptos visuales gracias al genio de su director.

La trama nos presenta a Joe Gideon, un alter ego del propio Bob Fosse magistralmente interpretado por Roy Scheider, un coreógrafo y director a través del cual Fosse da rienda suelta a todas sus obsesiones: la muerte, el sexo, el arte… Con un ritmo pausado pero vibrante, nos vamos introduciendo en la piel de este personaje ególatra y excesivo, que sacrificará a todos sus seres queridos en aras de su personalidad y su obsesión por el arte para, finalmente, abocarse el mismo en un camino de autodestrucción; lo cual resultaria a la postre profético al fallecer Bob Fosse unos años después, víctima también de sus propios excesos.

La mirada crítica de Fosse nos va mostrando las envidias, las rencillas y los aspéctos más sordidos del mundillo del espectáculo contrastándolo con sus momentos de éxito y esplendor. LLena de espléndidos números musicales, resulta antológica la coreografía de “Take off with us” en la cual podemos apreciar todos los elementos que caracterizan las coreografías de Fosse, aún le queda tiempo para una pequeña venganza personal en la que arremete contra la crítica cinematográfica por el tratamiento dado a su anterior película Lenny (1974); a pesar de lo cual, o quizas debido a ello, All That Jazz fue nominada a 9 oscars obteniendo finalmente cuatro (dirección artística, montaje, vestuario y banda sonora original), así como la Palma de Oro en Cannes.

En definitiva, una cinta que hay que ver una y otra vez, a ser posible sin pestañear, ya que corremos el riesgo de perdernos alguno de los innumerables detalles que la convierten en una película excepcional.

Lo primero que destaca de este film es el gran trabajo de adaptación realizado por los guionistas, respetando los dialogos en verso se apartan por completo de su orígen teatral para crear una obra de puro cine. Con una puesta en escena modélica, un vestuario de lujo (fue premiado con un oscar), una maravillosa fotografía y una más que emotiva banda sonora, lograron una impecable ambientación para narrarnos la historia del gran héroe, Cyrano, aquel que demostró al mundo que la pluma no es más fuerte que la espada, si no que ambas deben ser empuñadas por la misma mano con igual maestría.

La cinta esta dirigida con mano firme por Jean-Paul Rappeneau, con un montaje medido va manejando los tiempos de manera magistral, acelerando la narración cuando lo requiere y deteniéndose en las emociones de los personajes en los momentos precisos, consigue que las más de dos horas de metraje nos parezcan apenas 15 minutos. También el trabajo de los actores es francamente encomiable, con un Vincent Pérez sobrio y convincente y un Gérard Depardieu soberbio, que firmó aquí la más excelsa interpretación de su larga y brillante carrera. Por último, merece también una mención especial el equipo de doblaje en España que realizó un trabajo gigantesco en su labor de traducir y respetar al máximo los versos y las rimas.

Una obra maestra

Hoy toca un repaso a la película Secretary de Steven Shainberg (2002). Aclamada y multipremiada película de cine independiente, es una verdadera obra de arte que acabó siendo denostada por la crítica más conservadora debido a su temática. La cinta nos describe la historia de un abogado y su secretaria que termina derivando en una relación de dominación/sumisión. Sin embargo, lejos de caer en los tópicos de cuero y látigos, Shainberg elige una narración en tono de comedia romántica, convirtiéndola de esta manera en algo mucho más perverso que las habituales peliculas “eróticas”. El ritmo narrativo es firme y pausado, la atmósfera de la película es siempre tan morbosa como inquietante y la interpretación de los protagonistas es francamente soberbia, especialmente una Maggie Gyllenhaal espectacular que nos muestra como un personaje predestinado a la marginación y la autodestrucción se metamorfosea en una mujer fuerte, segura de sí misma, que sabe lo que quiere y cono conseguirlo; y (reconozcámoslo) de la que todos salimos un poco enamorados. Una película indispensable.

Decía el gran maestro Borges en su ensayo “Sobre los clásicos” (Otras inquisiciones, 1952): “Clásico no es un libro (lo repito) que necesariamente posee tales o cuales méritos; es un libro que las generaciones de los hombres, urgidas por diversas razones, leen con previo fervor y con una misteriosa lealtad.”

Esta misma afirmación podemos aplicarla a la película de Nicholas Ray “Johnny Guitar” (1954). Un western atípico donde los haya, que rehuye los grandes espacios abiertos desarrollando casi toda la acción en interiores y que, para más inri, comete la osadía de hacer que dos mujeres sean las protagonistas absolutas, convirtiédolas además en los personajes fuertes y dominantes de la historia.

Filmada en una época en que el cine estaba descubriendo el color, la peculiar aportación del estudio Republic, el TruColor, sirvió para que Nicholas Ray usara el color como una forma auxiliar de definir los personajes y de desarrollar la trama (ese vestido inmaculadamente blanco de Vienna forma parte de los anales del cine). Por otra parte Nicholas Ray, como siempre, trasciende los límites del género que toca e introduce elementos de otros géneros, podemos apreciar así múltiples elementos del cine negro y del melodrama manejados con una absoluta maestría, para conformar una historia densa, plena en todo momento de una tensión que parece a punto de hacer saltar la pantalla.

Las interpretaciones rayan la perfección y todos y cada uno de los personajes son estudiados y definidos; una mirada, un gesto, una frase y cada personaje es dotado de un trasfondo psicológico pleno, sin necesidad de recurrir a las típicas sobreactuaciones y justificaciones pseudointelectuales del cine actual. Nada en Johnny Guitar es casual, todo está ahí por algún motivo, todo tiene su significado, incluyendo ese velo que se le cae a Emma cuando cabalga para unirse al pelotón de linchamiento. Mención aparte merece, cómo no, la deliciosa banda sonora compuesta por Victor Young, con esa maravillosa canción interpretada por Peggy Lee

En definitiva, una obra maestra para la historia que todo cinéfilo debería de estudiar hasta el agotamiento. Para finalizar es imposible hacer una reseña de esta colosal película sin transcribir uno de los mejores diálogos de la historia del cine:

Johnny: ¿A cuántos hombres has olvidado?
Vienna: A tantos como mujeres tú recuerdas.
Johnny: ¡No te vayas!
Vienna: No me he movido.
Johnny: Dime algo agradable.
Vienna: Claro. ¿Qué quieres que te diga?
Johnny: Miénteme. Dime que me has esperado todos estos años. Dímelo.
Vienna: Te he esperado todos estos años.
Johnny: Dime que habrías muerto si yo no hubiese vuelto.
Vienna: Habría muerto si tú no hubieses vuelto.
Johnny: Dime que aún me quieres como yo te quiero.
Vienna: Aún te quiero como tú me quieres.
Johnny: Gracias (bebe). Muchas gracias.

Mitxel

Esplendorosa y multipremiada adaptación de la novela del mismo título de Jane Austen. Ambientada en una Inglaterra rural de prinicipios del siglo XIX la cinta nos muestra el eterno debate filosófico: estóicos frente a cínicos, realismo frente a romanticismo, sentido común (Elinor) frente a sensibilidad (Marianne). Construida a partir de un guion magnificamente adaptado por la propia Emma Thompson, el director Ang Lee mediante un ritmo pausado nos disecciona la sociedad de la época al mismo tiempo que ahonda en la personalidad y sentimientos de los personajes con precision milimétrica.

La ambientación de la película es fantastica, un vestuario perfecto, los paisajes son esplendidos y una fotografía soberbia nos lleva en infinidad de ocasiones a cruzar los límites del lirismo. El trabajo de los actores y actrices también es memorable, para enmarcar las interpretaciones de Emma Thompson y un magistral Alan Rickman interpretando al coronel Brandon. En definitiva una enorme muestra de buen hacer cinematográfico en el que las emociones se desatan y fluyen mas allá de la pantalla hasta alcanzarnos y embargarnos una y otra vez.

Mitxel