Al ver la sinopsis y el estilo con el que se presentaba esta película (incluso el cartel de la misma) creía que estaba a punto de ver un filme que reflexionaba sobre ser niño y tener que vivir la dolorosa separación de los padres. La escena que abre la película me hizo pensar eso todavía más, pero a medida que avanzaba la película, me di cuenta de que me equivocaba, que la película estaba tomando un rumbo diferente al que había imaginado.

Xavier Legrand decide tomar otro camino para contarnos un thriller, con tintes de película de terror, sobre un violento hombre y su víctima, una madre coraje. Creo que hubiera sido más valiente enfocar la película de otra manera, llega un punto en esta película en el que creo que los papeles víctima/verdugo llegan a estar demasiado tipificados y estereotipados, cayendo en este sentido en una película más, que aspiraba a ser algo diferente.

Aunque muy bien rodada, Custodia Compartida se queda en eso, un descafeinado thriller con tintes de terror, cuya evolución va decayendo a medida que avanza el metraje. Veo además una laguna que pondré en la zona de Spoilers; la situación que voy a comentar podría haber encaminado la película a un rumbo que, según mi opinión, hubiera tenido un resultado mucho más satisfactorio.

Pocos directores de cine quedan que puedan considerarse "autores" con todo el sentido que esta palabra tiene. Esta "autoría" implica una serie de valores que parece que en el cine actual se han perdido. En una época en la que (casi todo) el cine se ha convertido en puro espectáculo, son pocos los directores que han decidido remar en sentido contrario y no se resignan a que sus películas se conviertan en un mero producto de masas con la única finalidad de entretener.

Bien es cierto por otro lado, que el estreno de una película de Tarantino implica casi un acontecimiento cinematográfico, en el que legiones de fans esperan largas colas para disfrutar durante casi 3 horas de una nueva lección del cine del maestro pero, cabe preguntarse...¿Qué buscan estos fans en Tarantino? ¿Quizás ver la lluvia de sangre a la que nos tienen a todos acostumbrados?¿El entretenimiento previamente mencionado? ¿O quizás ver un producto no convencional que nada tiene que ver con lo que se estrena cada semana en cartelera?

Sea como fuere, y tras esta pequeña reflexión, hablemos de la nueva película de Tarantino, uno de esos "autores" actuales.

Si por algo destacan sus películas es por su cuidada elaboración: un montaje calibrado hasta lo mas mínimo, una música que guía al espectador pero no desvirtúa la imagen, unas actuaciones que dan equilibrio a la película sin hacerse sombra entre ellas, una ambientación excelente y la que probablemente sea su mejor característica: unos guiones como los que ya no se hacen con firma propia.

En sus 167 minutos, duración algo desmedida para gran parte de la audiencia que verá la película, Tarantino nos presenta a una serie de personajes, a cual más variopinto y como bien dice su título, más odioso. Este western, un género en el que Tarantino parece encontrarse muy cómodo, reúne todos los elementos del género pero sin caer en lo ya visto, en otras palabras, tiene una gran capacidad de sorprender.

Ennio Morricone firma la banda sonora que apoya las interpretaciones de unos actores de la vieja escuela cuyos papeles (aunque no en todos los casos) parecen estar diseñados cuidadosamente para ellos, teniendo en cuenta sus dotes de interpretación totalmente únicas, con mención especial para Samuel L Jackson.

Una vez más, Tarantino nos presenta una película fresca y que reúne todos los elementos del género, pero es sin duda su firma claramente reconocible, lo que hace The Hateful Eight una obra maestra, firmada por uno de los pocos autores que quedan dentro del panorama cinematográfico actual.

Si por algo destacan las películas de Teruo Ishii es por es únicas. Hasta que ves una película suya, nunca has visto nada igual de extraño y bizarro, pero con mucho arte y técnica detrás. Teruo es uno de los máximos exponentes del Ero Guro, un movimiento que empezó siendo literario y terminó dando el salto al mundo del cine, Horror of a Deformed Man es un muy buen ejemplo de todo lo que implica este movimiento en todos los sentidos.

Está película está basada en la obra de Edogawa Rampo (considerado el padre del Ero Guro) La isla Panorama, un lugar donde el padre del protagonista leva a cabo durante años una serie de experimentos secretos de los que la gente que vive "en tierra" no tiene constancia. Cuando el protagonista decida ir a la isla se encontrará con un panorama terrible, que encierre algunos de los secretos de su pasado.

Al ver una película perteneciente al Ero Guro (mezcla entre Erotic y grotesque) debemos tener la mente abierta y dejarnos llevar por las escenas que a veces encierran verdadero arte camuflado de elementos extraños que producen extrañeza en más de una ocasión. Destaca en sentido la danza Butoh del gran Tatsumi Hijikata cuya interpretación es magistral.

El tratamiento del color en la película es también increíble, nos muestra muchos mundos o universos en los que predomina una variedad cromática, dependiendo de donde estemos o de lo que les ocurra a los personajes. A lo largo de su hora y media, la película navega entre lo normal y lo bizarro, dejando constancia de que el protagonista se encuentra entre esos dos mundo y que de alguna manera pertenece a los dos.

Horror of a Deformed Man es un buen punto de partida para todos aquellos que quieran iniciarse en este género extraño, pero que encierra muchos elementos dignos de admirar y de reconocer. Es importante, no obstante, tener la mente abierta y dejarse llevar por esta grotesca película en la que el remate final no deja indiferente a nadie.

Encontré Mad World por pura casualidad y tan solo con leer la sinopsis sabía que quería verla. No trata un tema novedoso, no obstante, me parecía muy interesante ver como se había tratado el tema de la enfermada mental desde el punto de vista de un director asiático, en este caso originario de Hong Kong.

Creo que esta película es sin duda una de las joyas ocultas del 2016. tanto forma como contenido se encuentran en una buena armonía, que nos permite conectar con los actores y con la situación que están viviendo. Wong Chun nos muestra un Hong kong enfermo, triste, deprimente y pobre, no esa ciudad de rascacielos puntera en tecnología que estamos acostumbrados a ver en fotos de Facebook. Las cualidades de la ciudad las comparten todos y cada uno de los personajes que se nos muestran en Mad World; personajes metidos en una espiral de locura que no pueden dejar de recorrer. Una espiral de locura sin final, de la que no parece haber escapatoria y de la que si intentan huir, el peso de sus errores y su posición actual les hará regresar.

La película nos invita también a reflexionar sobre nuestro trato con las personas enfermas que nos rodean, ya sean estas enfermadas mentales o físicas. Es duro ponerse en la piel de un enfermo y conocer su situación; en este sentido, me parece que Mad World hace una interesante labor de mostrarnos varios puntos de vista alrededor de los personajes principales, invitándonos a ponernos en su piel pero también haciendo extensiva dicha invitación para hacerlo en la vida real. De esta forma, los personajes de la película que a simple vista parecen "sanos" y "normales" guardan para sí mismos enfermedades mentales comparables a la que tiene el protagonista. La única diferencia es, que la del protagonista es conocida por todos, mientras que otros guardan el secreto lo mejor que pueden.

En cuanto a la forma de la película, Wong Chun parece haber calculado cada escena de forma cuidada y pensada. Los planos contrapicados que nos muestran a los dos protagonistas viviendo en escasos dos metros cuadrados, ofrecen también una interesante interpretación psicológica de sus situaciones mentales y a la vez, transmite el agobio y la tristeza que constriñe una parte de la sociedad de Hong Kong que rara vez aparece en las películas. Además, ofrece secuencias de larga duración, en las que los actores deben dar lo mejor de si mismos, demostrando así su potencial.

El título de la película no podría haberse escogido mejor; vivimos en un mundo de locos, en todos los sentidos que tiene el término. Es nuestro deber intentar entenderlos y ser tolerantes para ayudar a cada uno con su locura y si cabe, que otros nos ayuden con la nuestra.

Con películas como La Colmena o la que para mí es su obra maestra, Los Santos Inocentes, Mario Camus se hizo un merecido hueco en el panorama del cine español, por su maestría a la hora de llevar a la gran pantalla obras clave de escritores como Delibes o Cela. Bajo mi punto de vista, Camus supo a través de estos filmes captar la esencia de estas novelas de tinte social, que nos hablan de uno de los capítulos más tristes y negros de la historia de España: La posguerra.

En La Colmena, Camus y Cela nos cuentan la historia de un café, de sus gentes, de sus historias, de sus penas, de sus alegrías, de sus problemas. Lo que Unamuno definió como intrahistoria es lo que se plasma en esta película que cuenta con un reparto excepcional, plagado de actores y actrices que han dado proyección al cine español, tanto fuera como dentro de la península.

Narrativamente hablando, estamos ante una película en la que no suceden grandes cosas, puesto que el objetivo de Camus y Cela es reflejar un lugar y una época determinados, el Madrid de los años 40, una ciudad triste, fría, melancólica, derrotada. En este sentido, Madrid es también uno de los grandes personajes de la película, pero como he dicho, no se trata de una metrópolis cosmopolita como puede ser el Manhattan que nos presenta Woody Allen en muchas de sus películas. En La Colmena, somos testigos de como una serie de personajes luchan por sobrevivir, mientras que otros, más acomodados, se permiten el lujo de fumar caros puros y vanagloriarse delante de los demás. Una sociedad basada en el "Que dirán", muy en sintonía con "La Regenta" de Clarín, una sociedad que no piensa en el mañana, sino que piensa en el hoy, en como llevarse un trozo de pan a la boca.

Desde el punto de vista forma, Camus hace movimientos de cámara lentos y pausados. En este sentido, se toma su tiempo para contar la historia, pero sin caer en la lentitud de otros directores. Cabe destacar los travellings que recorren La Cafetería, mientras contemplamos a todos y cada uno de los clientes, un retrato con pinceladas muy detalladas de la sociedad de los años 40.

En definitiva, al igual que los Santos Inocentes, el cine de Camus es un cine de corte social, en el que los problemas de una sociedad corrupta y desalmada son el tema principal. Aunque en La Colmena son muchos los actores que participan, sería más correcto decir que todos ellos dan voz a un momento social concreto y nos recuerdan las algunas de las penurias por las que muchos de nuestros antepasados tuvieron que pasar.