El otro día compré un pack de la tan alabada, y con razón, filmoteca fnac. Este pack estaba formado por tres de las películas de seijun suzuki más famosas: gate of flesh, tokyo drifter y branded to kill. Despúes de verlas y hacer un balance final la conclusión a la que llego es que Suzuki es un tipo peculiar. Los que conozcan su obra dirán algo así como que eso ya era evidente y los neófitos pensarán que es demasiado escueto como para atreverse a aventurarse en su mundo, sin embargo creo que esta es la forma perfecta de definir las sensaciones que he sentido viendo estas tres películas suyas, pero bueno, centremonos en branded to kill que para algo esta es su ficha de críticas.

Branded to kill tiene la típica historia de yakuzas, asesinos a sueldo y trabajos que no salen todo lo bien que se espera. Esto no es lo importante, o al menos no tan importante como en otros films de trama similar, aquí lo que importa es lo que hace Suzuki con este material con la colaboración de su sempiterno y excelente director artístico Takeo Kimura.
Despúes de este film Suzuki fué despedido de Nikkatsu (su productora). El por qué de su despido hay que encontrarlo en la radicalización de su estilo, cada vez con menos atención en la historía para darsela a su mundo, el mundo que creaba en cada película. Este mundo es un mundo totalmente absurso y surrealista con los personajes más arquetípicos que uno pueda imaginar con una evolución nula, pero ¿quién necesita evolución?, todo esto lo compensa con una total falta de pretensiones salvo entretener y lo único que Suzuki te pide a cambio es que te entregues a su película y dejes que ella entre en tí. Es cierto que hay momentos en que el argumento se hace un poco incomprensible, pero antes hay que mentalizarse de ello y de que solo tienes que divertirte.
Un esbozo del argumento sería algo así: un asesino a sueldo, el nº 3 de la organización, al que le produce excitación el arroz hervido falla un asesinato, por lo que la organización para la que trabaja le quiere matar.
Lo imposible es enumerar sus mejores escenas, sin embargo en mi humilde opinión señalaría el asesinato de la tubería, el tiroteo en el muelle y, como no, el duelo final con un nº 1 tan peculiar como fascinante.
No todo es merito de Suzuki o de kimura, sino de su actor fetiche Jo Shishido; aquí interpretando a nº 3, al que su físico tan peculiar le ayuda a conquistar al espectador.

Para simplificar, con esta película Suzuki dinamitó toda concepción clásica que se tenía sobre el cine yakuza en particular y sobre cualquier tipo de cine en general. Esto le granjeó el ostracismo, pero posteriormente ser reconocido como uno de los mejores directores que ha habido en Japón, y por ende, del cine mundial.

Así es como me quede después de verla, helado. Aurora boreal es la adapación de la novela de Asa Larsson, novela que no he tenido la oportunidad de leer. Aunque la pelicula data del año 2007 no ha sido estrenada en España hasta el 2010, evidentemente auspiciada bajo el éxito en el campo literario y cinematográfico de la trilogía Millenium. El punto de partida parecía muy prometedor, más en mi caso ya que me confieso amante de las thrillers de escenario nevado como Fargo o Un plan sencillo.

Esta esperanza dura muy poco, lo poco que tardas en darte cuenta que todo son decisiones horribles en pos de hacer la peor película posible con el material que tenían. La trama en sí promete un rato de entretenimiento que no perdurará pero que será eficaz, sin embargo todo hace aguas desde que comienza. La dirreción tiene una mezcla de videoclip chusco intercalada con "sutiles" planos que te indican que algo no cuadra.

El gran problema es que ni siquiera uno tiene interes en saber que pasa y la sorpresa final le deja a uno como estaba, mirando el techo a ver si por casualidad aparecen las caras de Belmez. A todo esto no ayuda una protagonista con una indiferencia insultante a todo "¿Qué el pueblo parece una secta religiosa? qué más dá, mi casa es una fortaleza inexpugnable" (es la frase que esperaba que dijese en cualquier momento).

En definitiva, no pierdan el tiempo. La estética nevada hace un gran favor a los thrillers, pero sin contenido dan como resultado una bonita postal por fuera, pero un engendro por dentro.

Habitación en Roma cuenta la historia de dos mujeres que se conocen una noche en Roma y se proponen hacer un parentesis en sus vidas para pasar una noche juntas al margen de todo, sin que la una sepa nada de la otra.
Este planteamiento da comienzo a la película en la que se nos muestra como avanzará la relación entre ambas.

La verdad es que el argumento era el ideal para que Julio Medem hiciese una película, no tanto por su calidad como director y guionista como por ser una película que es coherente dentro de su filmografía (no me imagino a Scorsese dirigiendola); e incluso tenía unas ciertas esperanzas en que volviese al nivel de Vacas y de Los amantes del circulo polar y se alejase de ese agujero negro que es Lucía y el sexo, pero por desgracia este no ha sido el caso. Medem vuelve a sus peores tics como son ese romanticismo de folletín o el símbolismo vacío.

Mucho se habla de las actuaciones de Elena Anaya y de Natasha Yarovenko y vale no lo hacen mal, pero no es como para lo que se las ha elogiado. Creo que la gente ha valorado mas que se pasen 100 minutos desnudas que sus cualidades interpretativas.

Volvamos a los peores tics de Medem, que hay para largo y con los que al menos uno se puede reir en la sala de cine. El guión unas cuantas veces se va al ridículo total con unos dialogos absurdos acompañado del simbolismo marca Medem, el "punto culminante" son las visitas a la versión del Google Earth, estos momentos el despiporre es total y es casi imposible no reirse, de hecho en el cine en esos momentos las carcajadas eran notorias. Mención aparte merece el botones del hotel proponiendo tríos, ahí no sabía si es que a nuestro amiguito el director le apetecía reirse de todo el público.
Pero no todo es malo, Medem sigue sabiendo crear algunas imagenes bellísimas como las del baño. Son estas imagenes las que elevan la puntuación y la salvan de despeñarse del todo.

En resumidas cuentas, esta es una película tipicamente Medem, pero que reune lo peor de él, como sus pretensiones. A este paso no quedará nada de lo que le hizo ser uno de los más interesantes directores españoles y solo quedará un adalid de los "gafapastas".

Sé que nadie necesita una nueva crítica sobre está película, y es que no se puede decir nada que no se haya dicho antes pero necesitaba escribirla. Cuentos de la luna pálida de agosto, o símplemente Cuentos de la luna palida es probablemente la película más famosa de Mizoguchi que junto con Kurosawa y Ozu forman forman una suerte de tríada del cine japones.

En esta película nos presenta una historia muy simple sobre dos campesinos que abandonan a sus familias en pos de conseguir sus sueños, unos sueños marcados por una ambición desmedida que provocará terribles consecuencias para sus seres queridos.

Es realmente encomiable el trabajo de dirección; cada plano, cada acción, cada expresión, cada movimiento de camara está medido hasta el más mínimo detalle con un perfeccionismo brutal; nada se deja al azar. En esta película cabe todo, desde el melodrama, hasta el cine de época e incluso el de fantasmas; todo contado de una forma muy "japonesa", con un ritmo muy pausado y contemplativo y siempre marcando las distancias frente a los personajes.

Mucho se habla de la intención moralizante de la película, ¡y qué coño importa!, a quien no le guste el mensaje de la obra siempre se puede entretener con la historia de fantasmas. Mizoguchi fue de ideología socialista, es lógico que sus películas sean acordes y coherentes a ello. En sí es imposible decir todas las virtudes que lleva a su espalda esta obra. ¿Y por qué no la pongo un 10?, pues no lo sé, hay algo que me impide ponerselo y no sé lo que es; tal vez sea algo tan humano como la envidia, envidia de saber que núnca podré llegar a hacer una película de este nivel aún teniendo muchos más medios e ilusión. Esto es lo que pasa con los maestros, que su superioridad es insultante.