“Recuerdo lo que no quisiera, y no puedo olvidar lo que quisiera”
Marco Tulio Cicerón

Personaje silencioso, enmascarado, autor de una invención monstruosa, el film nos presenta a un hombre de la talla de Alfred Hitchcock y Stanislaw Lem, me refiero al personaje de Ben Lucas (Colin Firth). Qué pasión y amor duraderos no guardan en sí mismos necesarios la invención y la depravación, esa violencia que mantiene Rowan Joffé durante toda la filmación hacia Christine, no sólo de su esposo sino también del entorno que la rodea.

Más allá de la atracción magnética por donde gravita toda nuestra atención del estrellato hollywoodense hacia el personaje de Nicole Kidman, se esconde otro protagonismo de piernas firmes sobre la tierra con un objetivo serio dada su situación de amante: Ben crea las circunstancias beneficiándose del olvido, al contrario, ella anhela reconstruir su pasado y darle un por qué a su vida, por tal motivo llegará este olvido como un estorbo; con todo, el mayor obstáculo de Christine lo encontrará en su propia casa, espacio manufacturado para la creación de un mundo particular y mágico, motivado por el deseo de los amantes.

El film está bien diseñado para cuadrar el clímax con la vuelta de tuerca de su argumento, imágenes de momentos surrealistas integra todos los elementos necesarios para articular, al estilo de “La vida es sueño”, las piezas del rompecabezas que Christine deberá ajustar con la ayuda institucional del Dr. Nash.

Los demás personajes poseen aquella fuerza de expresión que ayuda considerablemente a complementar el efecto perseguido, destacable es el rostro apacible y sugestivo de Ben Lucas, el carácter del Dr. Nash y los ojos deformes del verdadero esposo de Christine.

Before I go to sleep adaptada al castellano con el título de No confíes en nadie es una propuesta robusta y soberbia entre el encuentro de dos amantes que nos dirán más cosas del amor de una mujer por su hijo, de un embriagador botellazo y sobre la cárcel de un hombre.

Película atípica, no comparte los mismos obstáculos significativos que los demás films sobre la figura del Zombi, esto sucede porque el sujeto protagónico no es militar ni posee conexión alguna con la esfera técnica – científica. Este conjunto de personajes, al contrario de su común planteamiento, se plasman como oponentes irrisorios, ajustados a modelos infantiles como si hubieran saltado al film desde una consola de videojuegos, carentes de importancia protagónica, quedarán en un rincón perceptivo del espectador…, eso es lo más escalofriante de Wyrmwood, porque para lo demás se articulará desde un estado postapocalíptico desértico, cuyos únicos valores de sobrevivencia serán el odio y el egoísmo, encarnados entonces en los únicos personajes con potencialidades de sobrevivir al holocausto: Barry con la fuerza moral y su hermana con la facultad psíquica y potencialidad hegemónica de controlar la mente de los Zombis.

Con un guión que comienza desde la mitad del film y vuelve después de un retroceso con las acciones recordadas en un gran pandemónium, la película desde este comienzo hasta el final arrastra una serie de detalles dignos que rondan y complementan los dos centros temáticos y actanciales importantes, hablo de los poderes psicológicos de Brooke y el poder del organismo militar – científico.

Wyrmwood es una película al estilo distópico australiano, con una cuota de humor negro hace de la imagen pesimista un espectáculo y de la tragedia un mero accidente, tenemos, por tanto, una entretenida película que ver.

Planos bien concatenados a un tema que no deja de ser intrigante: la pasión del amor. Un guión enfático acompañado con secuencias llenas de contenido, signos o símbolos relacionados: autoflagelación, cementerio, drogas, recuerdos, venganza, etc. Una aproximación a la realidad cara a cara con el amor, basada en hechos reales, nos enfrentará en 90 minutos con los matices que reviste este sentimiento.

Buenas actuaciones, enfocada la atención en el desarrollo pasional y emocional de la protagonista, deja a un lado el interés que constituyó el centro psicológico de la pasada generación: la madre y el varón, para dar paso al arquetipo de la mujer fatal.

Hay una extraña desviación comunicativa en este film. La estructura argumentativa y el guión deben converger hacia la línea central o hilo conductor, otorgando coherencia en las imágenes, acciones y montaje, sin embargo hay algo que se escapa en ciertas ocasiones: los diálogos son forzados, ajenos a la espontaneidad y gravedad del argumento como si estuvieran obligados a mantener una doble funcionalidad. Esta característica más la transvaloración vida – muerte, hace de esta película, en sí misma como tal, terrorífica, más que su contenido escaso en escenas que causen pavor; me explicaré. Los diálogos actúan bajo la función apelativa entre autor y espectador de forma directa, por tanto pierden consistencia en el guión al dirigirse esencialmente al que está sentado en la butaca o en el sillón de su casa; los temas centrales vida y muerte pierden el valor conceptual y moral que conservaba en nuestro ideario imaginativo, entregando el beneficio a la muerte y la desdicha en la vida. Esto equivale a decir que el terror está afuera como panfleto cristiano y no adentro en su aspecto significativo.

Quizá la composición en su montaje incluyendo el metraje encontrado sea algún aporte para revelar esa parte de vida privada relacionada con la decisión voluntaria de los personajes de morir. Película interesante bajo el punto de vista ya descrito desde el momento en que las “personas buenas mueren y las malas quedan”. Me hubiera gustado ver que tan vivos y pecadores están los que quedan, sacándole más partido a los actores que hicieron un debut decente, y no sólo enfrentados con problemas amorosos y a una peregrinación de reconocimiento religioso. Por otra parte, los monstruos que merodean la vida tendrán algún contrato con Dios que devuelven a aquellos con aroma a fe matándolos. Insisto, me hubiera gustado ver las cualidades de los que quedan con los ángeles caídos, ocasión que le daría un tono más interesante a la película y no el sabor del sacrificio que gusta tanto a los predicadores de la muerte.

CRÍTICA
Con una cámara turbulenta de metraje encontrado, no se lograría lo que este film consigue: un acercamiento intensivo, profundo de nuestra mirada a la experiencia del protagonista, quien necesitó de cámaras meticulosas, cuasi estables que dieran cuenta de sus cambios progresivos. ¿Cuál sería, entonces, la originalidad de esta película, si bien el proceso de su mutación nos recuerdan escenas anteriores de El exorcista (1973), El exorcismo de Emily Rose (2005), Posición Infernal (1981 y 2013), Estigma (1999), The Possession (El origen del mal) (2012), El último exorcismo (2010), sólo para nombrar algunas? Sucesos inusuales, movimientos involuntarios, convulsiones monstruosas, voces ajenas, sólo emergen en cine y da esa cuota de horror bajo un hilo conductor original que, en este caso con The Possession of Michael King (2014), es la voluntad del personaje principal, cuyo motivo no es el simple documento y cuya evolución va a la seguidilla de un guión bien estructurado, diálogos y monólogos misteriosamente fundamentados, una película marcadamente simbólica que vence el escepticismo científico por un camino de espejismos e intransitable.

Una película bien lograda con un tema ya explotado en el cine sólo el talento puede hacérnosla llegar provocándonos cada vez más terror, una búsqueda y una intensión que está más allá de nuestro territorio.