Al momento que se habla de la época de oro del cine mexicano, se tiene la visión general de películas en total blanco y negro, tal vez fotografiadas por Figueroa o Philips, que el espectador asocia con la antigüedad de los films. Es cierto que el cine mexicano se tardó en dar el salto al celuloide a color, pero no por ello son inexistentes cintas donde florecen los sentidos visuales gracias a una buena utilización de la última novedad. Una de ellas es la épica histórica revolucionaria con la que nos enfrentamos en éste film.

Dirigida por un Roberto Gavaldón en el mayor esplendor de su carrera; La escondida es una superproducción de los últimos años de la etapa de mayor gloria del cine tricolor, que contiene a uno de los duos románticos más fructíferos de la época: María Félix y Pedro Armendáriz. Conjugado con las luminarias actorales de la industria, se encuentra la fotografía de Gabriel Figueroa, en una de las pocas películas a color donde consigue plasmar su belleza plástica, anteriormente sólo lograda en cintas dicromáticas.

Se debe también mencionar el buen trabajo de guion cinematográfico que realizaron José Revueltas y Gunther Gerzso, retratando con exactitud histórica el panorama social y político que representaron los primeros años de la lucha armada revolucionaria. Y aunque la trama principal carece de un poco de originalidad, el romance marcado, desde su comienzo, por la fatalidad debido a la mujer que confiere mayor importancia a sus ambiciones que a su pasión amorosa; la mano astuta de Revueltas en los diálogos y los planos elegantes e ingeniosos de Gavaldón, hacen que la película sepa evadir, con soltura, el bache que en manos inexperta pudo haberse presentado como un desastre.

Obviando ya el error dicho; todo en el film está cuidado al mínimo detalle, situación que se refleja en un largometraje completo, donde la mano sabia de sus realizadores construyen una humilde joya, que exuda grandiosidad en cada fotograma.

Del año 2017, dirigida por el exitoso documentalista mexicano que entre sus trabajos podemos encontrar Los ladrones viejos, La canción del pulque y Cuates de Australia; Everardo González vuelve, inspirado en el documental danés The act of killing, para hablar de temas universales partiendo de un punto particular, en este caso sumerge las manos en el mundo del narcotráfico, y así lograr tocar los temas alrededor de la relatividad del mal, partiendo de las raíces, pasando por los actos y concluyendo con las consecuencias.

Primero hablemos de las particularidades que sobresalen cuando se visualiza el film, el más obvio es la decisión del director en utilizar cierto tipo de máscaras o capuchas que cubren los rostros de las personas entrevistadas; recurso que profundiza en tratar de homogeneizar a las personas presentes en pantalla, las capuchas dejan ver lo necesario como para reconocer que estamos observando un rostro humano, vemos simplemente las particulares de una cara, es decir los ojos, la boca, la nariz, etcétera; pero no deja una visualización general como para la identificación de rasgos específicos que logren un reconocimiento del sujeto. Este medio se podría tomar como la metáfora de la maldad oculta, a simple vista no podemos distinguir el bueno con el malo, cualquier peculiaridad de un individuo se oculta detrás de la masa de gente que lo vuelve homogéneo, parte de la raza humana, pero solamente cuando la persona se aparta de ella, es decir se quita la máscara, encontramos lo singular.

Es por ello que cuando llega el final de la cinta y una de las personas se quita la capucha, el sentimiento que se genera en el espectador es de asombro, el relato anteriormente contado por el personaje se puede tomar como el contenido de su alma, por sus palabras conocemos el dolor, la ira, el sufrimiento, el miedo y el mal que encerraba su espíritu pero ahora, al mirar su rostro, nos encontramos con la imagen, la forma, los colores y la estructura de esa alma.

Tratándose de un documental conjugado por relatos contados en interiores donde la cámara, en la mayoría del metraje, se mantiene pasiva captando únicamente la imagen de las caras de los retratistas de acontecimientos, se esperaría que lo expuesto en las palabras de los personajes sea de interés, ¿lo cumple?; el lector que piense en una respuesta negativa siento decepcionarlo porque en esta cinta no es el caso, cada narración es exquisita, de una intensidad escalofriante y una seguridad que no dejara indiferente, todas las historias tienen su importancia en el discurso central de la película agregando un mosaico al mural de la psicología del mal, la cual narra los actos atroces, los motivos por los que fueron realizados y si sus acciones tienen perdón todo puesto en tela de juicio por parte de las víctimas y el espectador. A la conclusión de la proyección el público se sentirá perturbado, las concepciones del bien y el mal impuestas por la sociedad se verán difuminadas, simplemente por el conocimiento de que los albores del diablo se encuentran en la concepción de la corrupción humana.

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Después de haber filmado el fiasco que supuso la película Gran Casino, donde trabajo junto con los actores populares del momento, Jorge Negrete y Libertad Lamarque; Luis Buñuel tuvo que aceptar el proyecto de dirigir una comedia inspirada en una obra de Adolfo Torrado. Pesé de venir de un descalabro dentro de su carrera y comenzar a ser considerado, por parte del medio cinematográfico, con un director en debacle que ya había entregado todo su potencial en el séptimo arte, Buñuel sorprende a los escépticos con ésta cinta de buen humor negro, que crítica a la clase alta malacostumbrada con sus privilegios.
Con guión de Luis Alcoriza, que sería trabajador recurrente en las próximas cintas de Buñuel, y actuaciones de los más talentosos de la dinastía Soler; Andrés y Fernando. El gran calavera contiene frases llenas de ironía, actuaciones hilarantes y un juicio mordaz para la sociedad burguesa mexicana. Tristemente ignorada dentro de la filmografía del director español, debido a que es un film dentro de la etapa denominada, por el propio Buñuel, de retro alimentación. La cinta no por ello se vuelve menor, al contrario, podemos encontrar en ella los destellos creativos de un genial director, que se mueve por los caminos de la sutileza.

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Dentro de una etapa de caída en su carrera cinematográfica, Emilio Fernández, o mejor conocido como “El indio”, decide realizar una obra experimental donde la mayor curiosidad es la falta de diálogos para desarrollar la historia. Considerado un director que atascaba sus películas con parlamentos largos y melodramáticos, la ausencia de ellos podría ser un arma de doble filo, que en la peor situación despotricaría en una película pretensiosa.
Demos gracias a que no fue así, ya que obtenemos en La red un relato lleno de pasiones y engaños, que afloran gracias a la buena utilización de lo que es la esencia cinematográfica; un medio audiovisual donde vale más una imagen que mil palabras. Un merecidísimo reconocimiento a la fotografía en blanco y negro de Alex Philips, de gran belleza y fuerza plástica.

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Del año 2016, dirigida por la ya no inexperta Tatiana Huezo que presenta su segundo largometraje documental; nos encontramos presente ante una cinta que podría hacer historia dentro del cine mexicano debido a que podría ser la triunfadora en los próximos premios Ariel, a presentarse este 11 de julio, en categorías como mejor película y mejor dirección. Ahora bien, usted lector se preguntara, ¿esto qué tiene de revolucionario e histórico?; pues en este momento déjeme informarle que en la categoría de mejor película nunca ha ganado un documental ya que siempre este premio parecía ser exclusivo de cintas de ficción y que en la categoría de mejor dirección nunca ha ganado una mujer este galardón.

Todo lo mencionado suena bien pero, ¿Tempestad tiene lo necesario para ganar esta pelea?

Su argumento se centra en dos interlocutoras que nos narran, cada una su propia historia, un tema en común, la impunidad, pero visto de diferentes puntos. La primer mujer presentada al espectador llamada Miriam retratara la vivencia de cómo fue acusada injustamente y sin ninguna prueba de ser parte de una red de tráfico de personas, motivo por la cual fue encarcelada en un penal autogobernado por narcotraficantes donde experimentaría situaciones horripilantes. Mientras que la segunda mujer llamada Adela, trabajadora de un circo, hablara sobre el secuestro de su hija por parte de policías que aparentaban ayudarla en el rescate de la chica.

Estas dos historias de tema fuerte son representadas por imágenes poéticas y de belleza contenida, Tatiana decide alejarse del amarillismo recurrente al hablar de asuntos de violencia para dejar paso a una dirección que tratara a sus protagonistas con dignidad y respeto. No quiere evocar la brutalidad escuchada, prefiere mejor adentrarse en la psique de estas mujeres, sabe que tan solo con un leve quebranto o un pequeño cambio de modulación en la voz de nuestra locutora sentiremos la emoción que en ella se refleja.

En ninguna película aprecie más la edición de sonido para la representación de sentimientos como en Tempestad. Con decir que hasta el ligero pero poderoso viento entre los arboles tiene su sentido y apoyo en las palabras plasmadas por estas mujeres; un sonido cualquiera o una música ensordecedora, nerviosa, martillearan en los oídos del público para transmitirle el terror, la indignación, la tristeza y la esperanza que envuelven a esta película.

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