Fastuosa, megalómana, titánica y sobre todo, aburrida. Peter Jackson nos termina de confirmar que el mundo tenía razón y él no. El hobbit no merecía hacerse en tres películas de casi tres horas de duración, ya que es una adaptación que va contra toda lógica.

A Jackson se le va la mano con esta nueva entrega en la que el ritmo es artificial. Un ritmo basado en crear pequeños episodios de veinte minutos para dar cabida a casi todo lo que sale en el libro y otros tantos hechos que él se saca de la manga. Elfos que no deben estar ahí, y que si están, lo hacen para llenar tramas sin sentido y sin relevancia real. Personajes importantes como Beorn que, aunque afortunadamente salen, no tienen ni el peso ni la imagen que se da en el libro y por tanto se suman a una larga lista de agravios a la obra de Tolkien.

Es una película aburrida en sí mientras se ve. Es cierto que contiene escenas memorables como la aparición al fin del dragón Smaug. Un personaje clave, igual que el hobbit, salvo que de este último se olvida por completo. Es uno más de los enanos y ya no hay diferencia. Ni nos importa realmente. Es una mera excusa para el espectáculo digital y sonoro. Para las intrigas de palacio élfico y la estrategia sauroniana de andar escondido en las sombras.

El guión queda desaprovechado al no usarse el planting. Término de guión que significa poner información poco relevante en apariciencia y que luego se revelará como vital. El guión es plano en ese sentido. Las cosas se resuelven en el momento, sin estirarlas de manera dramática. Repleta de diálogos insulsos. Termina siendo agotador escuchar una y otra vez las referencias del mundo de los enanos y lo que estos deben conseguir dentro de la montaña. La piedra del arca. Ya lo sabemos. Lo sabemos las primeras dos veces que lo repiten. Lo sabemos desde la primera entrega. Y también sabemos que hay una sombra creciendo en el este (Sauron). No es spoiler, es que lo repiten cuando ya quedó claro antes, ahora y hay una trilogía sobre el tema. Esta película habría ganado muchísimo más interés y calidad si se hubiesen trabajado los diálogos tanto como las escenas de acción. Por eso El señor de los anillos era y es tan buena. Por eso seguimos viéndo las reposiciones o haciendo maratones de ella. Era compacta y de calidad en todos los aspectos.

Nunca me meto con las bandas sonoras. Todos estamos acostumbrados a ellas. Sin embargo en este caso resulta apabullante y excesiva. Incrustada en todas las escenas, hay una en especial en que resulta ridícula a más no poder: Gandalf subiendo unos peldaños de piedra. Música épica para subir las escaleras. Abusar de la banda sonora nunca es bueno y en este caso menos, ya que convive con multitud de efectos sonoros que sí son relevantes en muchos casos.

Por eso esto no es El hobbit (bien) adaptado. Esto es otra cosa, una apuesta tan personal como comercial que ya se está viendo fallida a nivel artístico (que no comercial). Tampoco esto es Peter Jackson, que ya parece endiosado con cualquier cosa que haga y dirija.

Siendo serios, la película entretiene. No es incompatible decir que entretiene ahora y antes decir que es aburrida. Ambas ideas son válidas, al menos para este film. Sin embargo es decepcionante ver en lo que han terminado convirtiendo un buen libro al que muchos (incluídos yo y mi familia entera) tenemos un gran cariño. Siendo la película que es habrá que verla. Hay que verla. Será un éxito de taquilla sin lugar a dudas pero, sinceramente, animo a todos aquellos a los que no les ha gustado en conjunto o algunas de sus partes a decirlo bien alto y claro.

@dimensionquinta en Twitter

Ridley Scott ha perdido, definitivamente, el norte. En esta cinta intenta recrear el éxito y la atmósfera de Traffic, pero yéndose por derroteros insospechados que la gran película de Steven Sodebergh tuvo a bien evitar.

Tiene un reparto inmejorable, en el que se incluyen Cameron Díaz, Brad Pitt, Rosie Pérez, Michael Fassbender o Javier Bardem. Un gran reparto en el que además, sale Penélope Cruz. Pese a contar con buenos actores, y Penélope Cruz, el film está plagado de sobreactuaciones y ¿subactuaciones? que sirven como intermediarias de unas frases barrocas y vacías. Así es todo su guión, vacío y barroco. Empeñado en llevarnos hacia ningún lado, a escondernos el mensaje de su trama, e incluso la existencia de sus tramas. ¿Las hay? ¿Es toda ella la misma trama? ¿Son tres? No se sabe, ni se le espera.

La visión de los cárteles mexicanos es tremenda e insultantemente simple. El desarrollo es lento a trozos y trepidante a otros, pero siempre inmóvil desde el comienzo. Los diálogos están sobrecargados de ideas personales de su guionista, Cormac McCarthy, autor de la insufrible The road y la pasable No es país para viejos. El resultado es un guión hecho para su propio guionista, porque resulta impermeable a cualquier intento de comprensión.

El resultado de tanta pretensión, y Penélope Cruz, termina resultando en un bodrio infame que te obliga a salir del cine con el miedo a decir en voz alta que a) no te ha gustado porque b) es de Ridley Scott y c) a lo mejor no la has entendido y los demás sí. Pero a) no hay, en el fondo, nada que entender porque b) es una gran apuesta fallida ya que c) está firmada por el peor Ridley Scott desde Prometheus.

¿Lo mejor? La surrealista escena de sexo entre Cameron Díaz y un objeto inanimado (¡sorpresa!). ¿Lo peor? Todo lo demás. Y Penélope Cruz.

@dimensionquinta en Twitter

Segunda parte de Los juegos del hambre. Un gran paso adelante en la trilogía en la que todos los aspectos están cuidados hasta el extremo.

La acertada elección de su director, Francis Lawrence (Soy leyenda), marca un nuevo punto de vista en este futuro distópico (una sociedad ficticia indeseable en sí misma). Se recrean, con más medios y mejores técnicas narrativas, los males del Imperio Romano. Se equilibra el peso que tiene la trama del romance juveil y se profundiza en las tramas políticas con más seriedad que en la primera parte.

En clave muchas veces simbólica, y otras no tanto, se recrea un moderno y ficticio Imperio Romano donde los pueblos sometidos (distritos) son obligados a dar tributos en forma de gladiadores (dos por cada distrito) que lucharán a muerte en un espacio determinado (arena). En Roma, cada gladiador representaba uno de los pueblos sometidos. Y cada gladiador, con un arma característica, se enfrentaba a otro con el arma contraria. Un arma de distancia, como la lanza, se enfrentaba a una de corta distancia, como la espada. Todo por el espectáculo. En En llamas sucede lo mismo. Pero su mejor aproximación simbólica al mundo romano viene dada por una cuidadísima puesta en escena y una espectacular dirección artística. Encarnada en los personajes de Effie y Caesar. Elizabeth Banks (Scrubs) y Stanley Tucci (Margin call), respectivamente. La primera es escolta y publicista y los candidatos del distrito 12. El segundo es el conductor de las galas televisadas donde los participantes son expuestos públicamente. Ambos son la muestra perfecta del mundo decadente en el que viven, luciendo vestidos y peinados de lo más estrafalarios, igual que sucedía en las épocas de mayor esplendor imperial.

La trama romántica se consolida. Quedan claros los límites e intenciones en el triángulo amoroso formado en la primera entrega. Katniss y Peeta continúan fingiendo de cara a la galería por el bien de ambos y por ser su única salida. Mientras, Gale elige mantenerse a raya mientras dedica su vida a otros propósitos. Destaca, como no, Jennifer Lawrence (ganadora del Oscar por El lado bueno de las cosas). Interpretando con mucha eficacia a una Katniss siempre en la encrucijada del amor, de la familia y de la política.

Katniss se ve, en esta entrega, sometida a las presiones de una revolución en ciernes que busca en ella un liderazgo que el propio personaje rechaza. Una especie de Espartaco que se niega a ser tanto líder de los gladiadores como gladiador en sí. Tanto las clases dominantes, como las sublevadas se ven envueltas en una lucha para atraerla hacia su bando, despojando de esperanza al contrario. Esa es, en definitiva, la esencia de esta segunda parte: la lucha de una sociedad que tolera las jerarquías, pero no las injusticias.

@dimensionquinta en Twitter

Una obra maestra del cine asiático. La veterana directora hongkonesa Ann Hui disecciona la fría industrialización de la vejez en la China moderna desde el punto de vista de una anciana y de un hombre que decide encargarse de ella.

Muy sólida argumentalmente. Posee un ritmo lento pero firme. Una lectura visual asiática que además cuida el modo de contar las cosas para hacerse más universal. Es decir, se adapta a la visión del ritmo cinematográfico occidental sin dejar de lado normas y técnicas orientales. Minimalismo en la banda sonora, montaje invisible, predilección por los primeros planos.

Ann Hui pone mucho de su vida privada en esta cinta y logra mostrar la poca dignidad que impera hoy en día en su país (y en el resto del mundo) respecto a la tercera edad. La directora remarca la necesidad de devolver los actos pasados no sólo a modo de gratitud, sino como una garantía de, cuando a cada uno de nosotros nos toque, recibir un retiro digno. Su película es la constatación de que el timepo pasa rápido y hemos de hacer que pase bien, para con nosotros y para con los demás. Porque las buenas acciones, atraen a otras buenas acciones.

Buen cine de buenas intenciones y bien contadas. Una película imprescindible de ver.

@Dimensionquinta en Twitter

Woody Allen cumple con su cita anual de estrenar nueva película. Como es su costumbre en los últimos años, decide quedarse tras las cámaras y dejar el peso interpretativo esta vez en Cate Blanchett, en un gran papel que disecciona la clase alta y la clase media.

Si bien Woody Allen cuenta con el beneplácito de la crítica especializada y de sus incontables admiradores (entre los que me encuentro) a veces es sano salir de uno de sus films y decir en voz alta “no me ha gustado“. Algo que, tras varios días de coción a fuego lento en mi interior, sigo pensando. Blue Jasmine es una película bien hecha. Es casi imposible que el maestro Allen haga una obra que no esté bien realizada. Otro cantar es que la historia tenga interés, o el mensaje sea relevante. Blue Jasmine adolece de ser un film insustancial, intentando criticar estereotipos a golpe de flashback bien intercalado y sazonado con algo de jazz. Aunque lo insustancial se vista de jazz, insustancial se queda. Woody Allen trata de diseccionar una clase alta tallada a la medida de su crítica y la contrapone a una clase media que se supone cutre pero honrada. El neoyorquino narra pues, muy bien, un contenido vacío.

Cate Blanchett se alza como la estrella indiscutible de la cinta. Su candidatura al Óscar es más que segura, ya que logra crear una mujer egocéntrica e inestable sumergida en una espiral de tonterias existenciales. Una mujer llena de alcohol y pastillas, que lanza pullas hirientes cuando no la venera su entorno. Una decadencia vestida de Vuitton que se niega a sobrevivir si no es chupando del bote ajeno. Con ella está un correcto y esnob Alec Baldwin en el papel de su marido. Aunque quizá lo más llamativo en el reparto masculino sea un sorprendente y recuperado Andrew Dice Clay. Ya dio muestras de buen intérprete al parodiarse a sí mismo en la estupenda serie El séquito. Al servicio de Woody Allen da un gran paso para recomponer una irregular carrera.

@dimensionquinta en Twitter