Estrenada en octubre de 2022 bajo una publicidad que la hacía lucir cómo una comedia juvenil, Háblame de ti, cuyo nombre puede incluso recodarnos a una canción clásica de la música mexicana, es realmente una especie de drama disfrazada, en el que los temas contemporáneos de la sociedad mexicana se ven tocados con un buen tratamiento, sin rayar en lo cliché.

Chava es un adolescente que no está realmente seguro de su orientación sexual y ante este conflicto, un mensaje que llega a su celular, cambiará para siempre su vida. El mensaje se lo envía «brujita», una admiradora secreta, por lo que Chava comenzará a buscarla con tal de conocer quién es. Sin embargo, ese misterio no era realmente lo que el destino le tenía preparado; sino una bola de nieve caótica de situaciones familiares, sociales y personales, por lo que el misterio realmente no se encuentra fuera, sino en su propia mente.

Los trailers y la poca publicidad que tuvo el filme a través de Cinépolis Distribución, la hacían ver cómo una película cómica o al menos, un intento; el poster con tonos morados, todo adecuado para el público meta… «según». Sin embargo, al darle oportunidad en una noche, me llevé tremenda sorpresa cuando al revelar quién era «brujita», la historia daría una vuelta y no quedaría estancada, sino que sería el inicio de una trama más profunda de lo que se pensaba.

Chava es un personaje no tan común en el cine mexicano o al menos, no tan bien logrado cómo otros cineastas quisieran tener en las temáticas LGBT. Recuerdo al Mauricio Ochmann en Hazlo cómo hombre, el típico «onvre» macho que hacía burla de su amigo homosexual y que al final aprendía a respetarle (no sin antes soltar en pantalla una cantidad de chistes homofóbicos cuya intención era hacer reír). Aquí, Chava no es perfecto y lidia con su situación de forma más natural y orgánica, a veces, frustrará al espectador, pero es que así viven muchos jóvenes su despertar sexual-afectivo.

Las actuaciones aunque no son de las mejores, logran demostrar el alma y corazón del crew y el director respecto a la narrativa de la historia. Que dicho sea de paso, tampoco es la mejor en cuanto a su ritmo, pero, de nuevo, sí con corazón. Por lo que aquí la intención -ante el contexto del cine mexicano actual-, superan las fallas cinematográficas.

Háblame de ti, no tiene miedo de tocar los temas actuales del rol de la familia en la sociedad actual, el machismo por parte de los padres, de uno mismo como homosexual; el daño que la misma sociedad genera con su ambiente de rechazo y que en ocasiones impulsa a dañar al otro. Bajo esta mirada, la película resulta disfrutable, ante la invitación de reflexión de hacia dónde vamos como sociedad sobre dichos temas y qué hacemos actualmente en el día a día.
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Quienes somos homosexuales y por diversos motivos no tuvimos un ambiente de libertad en nuestra adolescencia (y vaya que aun sigue siendo relativa dicha libertad), vemos con ojos de nostalgia y deseo, un recuerdo inexistente de lo que pudimos haber tenido, pero no. Para los espectadores más jóvenes, en un país que está atravesando por la mayor cantidad de legislaciones a favor de los matrimonios igualitarios, identidad de género y prohibiciones de terapias de conversión, la serie se convierte en un rayo más de esperanza de tener ese primer amor.

La homosexualidad fue tratada durante un tiempo, como un elemento cómico, el gay afeminado o la travesti chistosa, evolucionaron (los personajes no las personas) en seres más complejos, pero cuyos destinos eran inevitablemente el dolor, el sufrimiento o la muerte. De años para acá -y muy a pesar de la constante crítica de inclusión forzada- es que las producciones de estas realidades se han volcado a los jóvenes, a poder tener los referentes de un romance adolescente cómo hemos visto muchas veces en parejas heterosexuales.

Es por ello que aquí podemos conocer la historia de Nick y Charlie; el primero, un joven deportista, considerado «el rey del rugby» en la escuela donde estudia; el segundo, un joven más reservado que ya ha salido del clóset y por ello vivió todo un año de bullying. Ambos se topan en un salón y las emociones no harán más que finalmente llevar a conocerse ellos mismos, interna y externamente.

Hay una escena donde Nick le dice a Charlie que pide mucho perdón; me caló en lo profundo porque me recordó esas épocas en las que también me disculpaba por todo, especialmente en las primeras citas. Pareciera que ser parte de la comunidad LGBT y sobre todo cuando estás descubriéndote te hace sentir culpable. El mismo Nick llega a vivir eso más adelante.

Pero la serie no solo se enfoca en ellos y es por eso que tenemos también una pareja lesbiana, una joven trans y un chico heterosexual; todos reflejan sus miedos, sus vivencias, sí, dignas de la adolescencia. Estos personajes, algunos más que otros, dan un aporte que en casi ningún momento se siente de relleno.

Estos ocho episodios de la que espero sea su primera temporada, nos permitió conocer que aun existe discriminación entre los jóvenes, el conservadurismo no ha cedido y en el contexto político global parece ir tomando terreno, por lo que las nuevas generaciones, en su momento, tendrán su propio choque ideológico.

La participación de Olivia Colman es exquisita, su talento y disposición para el personaje que interpreta elevan la serie a lo máximo, sumado a la actuación de Kitt Connor, Corina Brown y Rhea Norwood, quienes son a mi juicio, de lo mejor en el reparto juvenil. Joe Locke no se queda atrás, aunque siento un poco exagerado su actuación, solo un poco.

El ritmo de cada episodio es sumamente disfrutable, tan dinámico que nunca se siente pesado y apoyado en su historia, la consumirás una y otra vez.

Heartstopper es vital para muchas personas que sin duda se verán reflejadas. Una serie que se convertirá en un referente, sí, es muy rosa y melosa, pero que equilibra la balanza a otras realidades más trágicas de la comunidad LGBT+.

Entra en escena Joaquin Phoenix, su voz pregunta a un cúmulo de niños, «¿qué piensan sobre el futuro?», a partir de ahí se desarrolla en paralelo, una serie de preguntas, a manera de documental y una historia de ficción, muy relacionada con el tema que se investiga: la vida vista desde la niñez.

Lo primero que me saltó a la vista, claramente es el uso del blanco y negro; no le encontré a primera instancia la razón de su uso, pero es una decisión artística que me pareció acertada, porque permite apreciar matices en un mundo que parece estar en blanco y negro.

La historia ficcional, en la que Phoenix interpreta a un periodista radial y debe cuidar a su sobrino, me parece muy sencilla y disfrutable para el público. Y ese es un gran acierto para la productora; A24 suele tener cintas que buscan salir de lo cotidiano, pero esta película hace lo cotidiano algo más profundo dentro de la sencillez. Me atrevo a asegurar que es la cinta que más risa ha dado y ha enternecido al público. Sin duda llegó al corazón de muchas personas que le dieron oportunidad.

Por otro lado, en la parte documentalista, me encanta que se haya mezclado bien las respuestas que iban dando las niñas, niños y jóvenes, de distintas ciudades del país. No siempre se les da voz, ellos mismos dicen, los adultos creen que siempre tienen la razón y hay múltiples problemas sociales que se tienen que atender desde la niñez, en la juventud y para ellos mismos.

La actuación de Phoenix es de las más agradables y naturales que he visto de su filmografía; hay muchos momentos disfrutables y la química que tiene con Woody Norman, quien demuestra tener una buena calidad actoral para su edad. Ambos en pantalla, entregan una de las mejores químicas del año pasado. Cuando surgen entre ambos, preguntas para responderse, es donde todo se eleva al máximo.

C’mon, C’mon es sin duda una de las películas infravaloradas del 2021, con grandes actuaciones, un tema relevante y poco tocado en los círculos políticos que rodean la industria de cine en Hollywood.

Los remakes siempre han existido («King Kong», «Scarface»); las secuelas, ni se diga («La Novia de Frakenstein», «El Padrino II»); luego llegaron los reboots o reinicios («Saw», «Ángeles de Charlie»); y ahora están las recuelas («El Despertar de la Fuerza», «Jurassic World»). Scream, que aunque todos sabemos que es la 5, se maneja de ese nombre, hace honor y burla, precisamente a ese término.

La historia nos lleva a Woodsboro, el lugar inicial de los ataques y en los que al parecer, cada década hay personas locas queriendo hacer homenaje al asesino principal. Es por ello que conocemos a Tara, quien es acechada por Ghostface provocando que su hermana Sam regrese a su pueblo para protegerla. Eventualmente los protagonistas de la saga, Sidney, Gale y Dewey, ayudarán en esta nueva masacre.

Hay mucho que escribir de este nuevo Ghostface; es más decidido, violento, no respeta las reglas y otras características que de seguir contando sería spoiler. Los personajes secundarios, si bien pueden no contar con tanto desarrollo, logran buena química entre ellos y funcionan en la narrativa del metacine. Especialmente porque hay una escena dónde intentan adivinar, basándose en la teoría del cine, quién sería el asesino.

Mellisa Barrera está super en la cinta e incluso creo que tiene mejor actuación y dirección que Emma Roberts en su momento. Neve Campbell, en automático, pues conoce a su personaje; al igual que Courtney Cox. Quien logra darle más desarrollo y un crecimiento a su personaje es David Arquette como Dewey.

La música combina elementos nuevos con la banda sonora del pasado y hasta cierto punto mantiene el tono, incluso visual, de lo que Wes Craven hubiera hecho, sin perder el toque y estilo de Matt y Tyler, los directores de la actual cinta. Visualmente luce más oscura, o mejor dicho, juega más con la iluminación en distintos momentos; por lo que podremos ver escenas muy iluminadas y con una tensión de terror, cual «Middsomar» o que juega a los contrastes y colores como «Suspiria» y «Hereditary».

Scream se coloca como una de las mejores de la saga, después de la original. Mantiene ese elemento característico de la franquicia pero con más seriedad que las secuelas anteriores. Una película de terror cómo hacía tiempo no se estrenaba en cines.

El caso de un equipo de jovencitos que quedaron atrapados en una cueva en Tailandia ocupa el tema y trama principal de este documental estadounidense-tailandés que tuvo estreno en México en el Festival Internacional de Cine de Los Cabos.

Un documental conmovedor, lleno de momentos desesperantes por la naturaleza del mismo pero a la vez con muchas situaciones de ansiedad, no solo al ver los espacios limitados en los que se manejaban los buzos, sino al contar los días y ver el trabajo que se hizo.

Aunque cuenta con momentos melodramáticos, se aprecia que toquen ligeramente otros tópicos: conflictos internos que hubo, situaciones sociales como religión, moral y ética que se vieron involucrados.

En el aspecto técnico también logra tener sus momentos en cuanto a la fotografía y la música, que suman aun más la tensión y por supuesto, el tono heroico que lleva un material audiovisual como este.
No resulta sorprendente por qué se llevó el Premio del Público en el Festival de Toronto.