No hay que temer soñar si se va bien armado, es lo que decía el personaje de Tom Hardy en Origen. Y desde luego Christopher Nolan no tiene miedo a soñar y más con el equipamiento de grandes ideas que transporta en su cabeza.
Tenet es un grandísimo y titánico reto narrativo en el fondo y en la forma. Es vibrante, emocionante, sorprendente...es todo un galimatías en el que es un placer perderse y explorar.
El cine de Christopher Nolan nunca es sencillo. Es innovador y por ello siempre es un reto cada película que estrena para servir al espectador algo original y que sea él mismo quien colabore en darle significado a la trama propuesta, la cual aunque parezca indescifrable siempre va a dejar un ligero resquicio de claridad y de esa manera meternos en el juego de su creador y disfrutarlo sin tener que morir de desesperación por sacarle todo el jugo.
La película mezcla dos géneros aparéntemente incoherentes entre sí como es la ciencia ficción y el cine de espionaje creando algo nunca visto antes. Cojamos el mejor cine negro de Hitchcock, Carol Reed y Otto Preminger y mezclémoslo a fuego lento con el imaginativo de James Cameron y puede que nos acerquemos a esta obra.
Lo lleva haciendo años, desde la trilogía de Batman, pasando por Origen e Interstellar. Hace que la ciencia ficción sea realista en su forma y contenido. Es por ello que es el gran creador del subgénero que podríamos llamar Non-Science Fiction.

El suspense y la tensión no se alteran ni un sólo segundo de estas dos horas y media desde su trepidante inicio hasta su rompecabezas final intentando encajar las explicaciones dadas y colocando a cada personaje en su lado del tablero de la historia intentando adivinar sus motivaciones y si son protagonistas o antagonistas, ¿quién sabe?.
El tiempo es algo que no percibimos, no es material, pero es el pilar fundamental de nuestra existencia y se escurre entre nuestros dedos sin que seamos del todo conscientes. Y la difícil idea de esta película es hacer creíble que es manejable, como si pudiéramos pasarlo de una mano a otra a nuestro antojo.

Nolan está forjándose una filmografía más que envidiable y un sello personal. A estas alturas podemos visualizar en Tenet bastantes estructuras narrativas similares a Origen e ideas que recuerdan un poco a Interstellar. Por ello en mi opinión estamos asistiendo a la consagración completa de un director que al igual que Kubrick y (salvando las distancias) Von Trier sabe tocar todos los palos del género cinéfilo de la baraja.

En cuanto a los personajes que se nos presentan en Tenet, realmente Kenneth Branagh infunde miedo y hasta terror con su oligarca ruso, y al igual que en Origen la multitud del elenco con la función de cada uno de sus personajes encaja perfectamente entre sí como otro puzzle más de esta compleja trama.

Un sólo visionado no le hace justicia ni a la película ni a nuestro razonamiento, pero no cabe duda de que es la mejor elección para volver a pisar un cine tras la época de cuarentena vivida en este "mundo crepuscular" en que se ha convertido este 2020.

Ni se me hubiera pasado por la cabeza desde que se anunció al público este proyecto, que saldría del cine tan satisfecho como así ha sido.
Mike Flanagan ha conseguido una gesta semi imposible de lograr con esta historia, tanto por guionizarla como por dirigirla. Ha sabido perfectamente conjugar con una sobriedad de estilo narrativo como visual todo el material de Stephen King y darle un toque que no huele a secuela pensada en reventar taquillas.
Toda la historia es un mezclum homogeneizador que va desde el thriller de base con los asesinatos de los niños, así como el juego de ratón y el gato por parte de todo el elenco hasta llegar a toda la catársis del personaje de Ewan McGregor con respecto a su pasado.

El ritmo es prodigiosamente sutil, elegante, astuto y tristemente raro de ver en los últimos años en Hollywood.
No se echa mano en ningún momento del típico susto basado en elevación de sonido que te haga saltar de la butaca, sino que tira de maestría visual para representar todos esos momentos (vamos a llamar mentales) y de ese modo que nos sorprendan e incluso nos inquieten.
No hay ni rastro de infantilismos ni surrealismos cutres propios de la literatura de su creador, sólo una muy reconfortante madurez, que era justo lo que cualquier amante de la historia de El resplandor (tanto libro como película) podía esperar. Y siendo redundante en la idea de que no es una secuela como tal y que ni por asomo cae en la serie B ni en el telefilm.

Tras destacar con La maldición de Hill House y presentarnos Doctor sueño, creo que sería de ley darle la bienvenida y por la puerta grande a un nuevo maestro del miedo, que junto a James Wan han llegado para quedarse mucho tiempo y renovar este género cada uno a su manera.
Destacar la sorpresa que nos brinda Rebecca Ferguson enfrentándose a este primer personaje de altura que interpreta desde que llegó a Estados Unidos pasando por toda la saga de Misión Imposible. Una villana que comanda un grupo de pseudoparásitos de curiosa estética hippie y que hasta apetece leer o escuchar la historia de cómo han llegado a ser lo que son.

Reconozcamos que el morbo mueve montañas, remueve conciencias y a veces (sólo a veces) da buenas lecciones si se contrarresta con un buen golpe de efecto.
22 de Julio ofrece ese morbo de meticulosa reconstrucción de los atentados de aquel día en Noruega, pero desde el minuto 1 es tan rutinaria y tan corriente que se precipita sin remedio al terreno del telefilm folletinesco y nos arrebata esos momentos de efecto que podrían haber hecho que esta película fuese una gran historia tanto para el recuerdo de Europa como para nuestras conciencias. Pero no es el caso...ni de lejos.
No hay ni pizca de alma propia en esta película ni nada de la gran personalidad de Paul Greengrass que la impregne. No hay fuerza en la dirección ni hay orden el los tempos en los que el guión quiere abarcar tantas historias, ya que en a penas 20 minutos los atentados ya están perpetrados y quedan aún 2 horas más de película que consisten en un vaivén de salas de hospital y de interrogatorio que no aportan nada.
Quizás en lugar de ahondar en la psicología de los personajes sean asesino o víctimas, Greengrass debería haber tirado por el camino del "anonimato" como en la gran Elephant de Gus Van Sant, donde símplemente la fuerza de la dirección y el contacto ocasional con los chavales de la historia nos tocan la fibra sensible de la indignación y la rabia por la locura o la enajenación mental de gente sin escrúpulos.
Cierto y aplicable es el dicho de quien mucho abarca poco aprieta y 22 de Julio prometía dar en el centro de la diana, pero se queda en la correcta reconstrucción de un hecho vergonzoso para la humanidad y en el correcto encargo realizado con pocas ganas por su brillante director, que con experiencias como United 93 o Bloody Sunday nos preguntamos...¿Por qué aceptó este trabajo y por qué no lo ha defendido como en otras ocasiones?

Seguramente si cogemos esas pequeñas joyas del universo de Michel Gondry llamadas ¡Olvídate de mí! y La ciencia del sueño y las unimos con un toque de la catársis de Origen, nos daría como resultado esta curiosa tv-movie.
La historia nos presenta a dos personas con vidas muy distintas pero a su modo desdichadas, pero con la esperanza de escapar de esas vidas (o espiral sin salida) acceden a un método de pruebas experimentales que les prometen ayudarles en sus traumas personales.
Emma Stone es la luz que más brilla en toda la serie ya que el abanico de personajes a interpretar es de lo más variado.
El guión, que aunque sólido casi todo el tiempo flojea en un par de capítulos con algún que otro delirio de personaje histriónico.
Fukunaga no decepciona dirigiendo, ni tampoco con la ambientación, algo claramente difícil de superar (esa mezcla ochentera y freaky japonesa).
El fondo de toda esta historia podría ser lo creciente que es el germen de la locura en nuestra sociedad/vida o que somos unos autómatas que llevamos vidas anodinas y vacías. Todos podemos vernos reflejados en este prisma.

Cuando uno lee el título de esta película, ya puede vislumbrar el toque cruel de la historia que se nos va a contar a continuación.
Loveless es un retrato desalmado de una sociedad que o bien ha perdido sus valores por el camino en favor de la deshumanización del hombre contemporáneo o bien sea de la cultura y carácter arraigados de la personalidad de un país tan complicado como Rusia.
La historia es un sencillo drama con un divorcio como eje central y la repercusión que eso conlleva en el hijo de la pareja separada. Algo que ya parece muy visto, de no ser porque los personajes de la película están tan bien perfilados que no les hace falta hablar demasiado para mostrarnos como son, solamente sus gestos y miradas nos dicen que personalidad tiene cada uno de ellos, y eso es una profundidad muy difícil de conseguir en una historia.

Las interpretaciones son muy destacables, tan distintas pero en el fondo representando personajes tan iguales, capaces de representar el egoísmo y el desprecio por el otro mejor que nada, y más ante el ambiguo pero a la vez explícito final que nos deja K.O para hacernos reflexionar si en verdad la humanidad o gran parte somos así.
La serenidad con la que Andrey Zvyagintsev va manejando la película es magnífica y hace que el interés no se nos escape ni un momento de las 2 horas que dura Loveless.

Un gran descubrimiento, es lo que puedo decir.