"Vencer o morir" es una obra política, un panfleto, como lo fue toda la obra de Eisenstein, pero de signo muy opuesto. La cinta nos retrotrae al inicio de la Edad Contemporánea, al nacimiento de la época de la democracia, del golpe de estado, regicidio y genocidio que se conoce y festeja como "Revolución Francesa". La proclama fundamental de la misma es "La soberanía es del pueblo" y de nadie más. Frente a esta proclama, se levantan los más patéticos y empobrecidos campesinos afirmando que "La soberanía es de Dios" y nadie puede contradecir sus mandamientos.
Es el inicio de una guerra que se ha dado en Occidente desde que la Revolución Francesa decidió que de los tres pilares que forman Occidente: Grecia para la ciencia y la sabiduría, Roma para el Estado y el Cristianismo para la moral, sobraba un pilar. Esta guerra es la misma que los infelices Cristeros lidiarán contra el gobierno masónico y es la misma que los católicos españoles reñirán contra la República atea. Y aunque de las tres grandes batallas de esta guerra interminable, sólo en el caso español la ganaron los católicos, lo cierto es que después perdieron la paz y la victoria lograda.
Vencer o morir no habla de una revuelta en un rincón perdido de Francia hace más de dos siglos, habla de la guerra que vivimos hoy, de la cancelación, del wokismo, del laicismo, porque se trata de la misma guerra, con protagonistas y tiempos cambiados pero el mismo enfrentamiento por la soberanía, ¿Es del pueblo?¿Es de Dios?.
Las citas históricas son correctas hasta donde yo conozco y el personaje central , François Athanase de la Charette, no es un héroe de una pieza ni mucho menos un ejemplo de virtud católica, pues el film no oculta que antes de convertirse en el líder (obligado a la fuerza) de los vandeanos rebeldes, sólo se dedica a la caza de animales y de mujeres. Igualmente, ignoro porqué el único que tiene acento francés es el actor que dobla su voz al español. ¡Ojo!, no queda mal, al principio choca, pero enseguida se acostumbra uno y lo hace creíble.
Las escenas de batallas beben directamente de los espectáculos de Puy du Fou. No hay grandes despliegues humanos, pero el director no parece recurrir a la magia de la informática para aumentar el número de figurantes, como sucede en "Troya" y múltiples cintas más.
Las armas son históricamente correctas (no siempre los uniformes, que parecen de tres o cuatro fuentes o, dicho de otro modo, de diferentes grupos de reconstrucción histórica)) y se agradece que no haya virtuosos de las artes marciales, sino coreografías de lucha más realista.
Las crueldades revolucionarias no se plasman con la crudeza que merecerían, no porque intenten blanquearlas, sino por consideración al espectador. La horrible muerte del heredero del trono de Francia, de siete años de edad, al que le arrancaron el corazón en nombre de la declaración de los derechos humanos, de la libertad y de la democracia, queda eufemísticamente retratado en un ambiente onírico que evita el horror al que presencia la cinta.
Pero decíamos que es un ejemplo de una ofensiva, a nivel mundial, para volver a colocar a Dios en el centro de las vidas de la humanidad que puebla Occidente, que no puede ni se resigna a perder el pilar del cristianismo como el tesoro más preciado de su civilización y de sus vidas. Por eso, estamos a la espera de nuevas entregas de esta guerra, alguna de ellas inminente como "Mirando al Cielo", centrada en la vida y muerte de José Sánchez del Río, en la guerra Cristera, o "Sonido de Libertad", con el emblemático Claviezel. Estamos en plena ofensiva de Dios.

La película se presenta como un filme de terror, más psicológico que no truculento. La estructura de la obra no es precisamente original, pues el ochenta por ciento de la misma la ocupa una entrevista, sí de esas en las que sabes que un profesional se va a enfrentar a un ser malévolo y tan manipulador que convierte el diálogo en un terror mental que va a desequilibrar al entrevistador. Un ejemplo de esto sería la entrevista con Hannibal Lecter, Es algo así. Pero la cinta posee un propósito muy ambicioso: "condenar nuestro pensamiento actual, nuestra cultura y las convicciones del pensamiento único que impera en Occidente". La condena no se termina únicamente en el mundo secular y secularizado de Occidente, también le da un coscorrón a una serie de sacerdotes que forman la tendencia modernista en la Iglesia católica, sí, de esos que en realidad no creen, personalizados en un sacerdote con estola de colorines intencionadamente parecida a la bandera sodomita que considera que eso de la posesión y el diablo es "una forma de hablar".Así pues, nos hallamos ante una película de activistas, pero de unos muy particulares, pues ni son revolucionarios, ni defienden minorías, ni nada de eso, son unos activistas que se proponen condenar el mundo actual utilizando para ello ...¡Un demonio!. La película tiene un segundo objetivo: convertir al espectador al cristianismo, no mediante la plasmación de estampas sacras extraídas de las Escrituras, sino utilizando los medios clásicos de las películas de terror, en lo que radica su originalidad. Personalmente, creo que sólo convencerá a los convencidos, pero tal vez no sea así y alguien más salga del visionado con una inquietud y una reflexión sobre sus acciones y convicciones. Dios lo quiera.

Estamos ante una película cuyo villano va a ser un habitual en los filmes de aquí en adelante. Una creación de la humanidad; un nuevo monstruo de Frankestein que, al igual que en la novela de Mary Shelley, sigue la pauta de convertir un nombre común en un nombre propio. Si en la novela de la compañera de juergas del desquiciado grupo de losrd Byron, el ser creado era simplemente "la Criatura", en el filme de Cruise es "la Entidad" y, como es obligatorio desde que la esposa del poeta inglés lo impusiera, se rebelará contra su creador. Es justamente en este ámbito del filme donde aparecen elementos metafóricos que no son en absoluto, azarosos :un enviado con nombre angélico, un elemento salvador con forma de cruz, un mal sin forma definida similar al Saurón del Señor de los anillos...por lo demás, el filme sigue obedientemente la estructura de las películas del arquetipo de Bond: un acto de maldad monstruoso inicial, con clara inspiración en "El mañana nunca muere", la encomienda de la misión con la tradicional destrucción del mensaje, el salto de escenarios por todo el mundo, persecuciones, peleas, obligatorias escenas de lujo y glamour, destrucción de vehículos a mansalva, traiciones en uno y otro bando, en fin el canon establecido en este tipo de películas. Respecto a la propia tradición de la serie "Misión Imposible" y, a diferencia de la serie 007, el colectivo que ayuda al protagonista tiene mucho peso. La absoluta indiferencia al riesgo y el amor por la acción que comparten el señor Hunt y el señor Bond, hacen pensar en un absoluto paralelismo entre ambos personajes, pero la semejanza se termina ahí. Mientras el inglés tiene serias dificultades para resistirse a las mujeres, al martini y a los casinos, pero es un patriota de una sola pieza, Hunt es virtuoso en su vida personal, pero lo del patriotismo no suele ser su fuerte, dado que muy a menudo sus superiores le engañan en los distintos episodios. Como dato un tanto original en las películas de Misión Imposible, aparece un elemento de humor inesperado en las secuencias que tienen como escenario a la ciudad Eterna.

Sólo hay dos mandamientos en el cine, el primero es no aburrir y el segundo también. La película intenta dar una visión veraz de los días en los que se desarrolló la batalla de Normandía sin contradecir ni el primero ni el segundo mandamiento del cine. Y lo consigue, lo que ya es en sí, un gran mérito. Para lograr esta especie de cuadratura del círculo utiliza una estructura coral, reflejando las grandes decisiones de la jornada tomadas por los personajes en los escalafones más altos: Eisenhower o el jefe de Estado Mayor alemán, ahí la historia, alternándolo con las anécdotas de los escalafones inferiores, hasta el soldado raso,, un lechero, unas monjas, un alcalde de pueblo, etc., que son las especias que dan sabor a un filme que, de otra forma caería dentro del abismo que se denomina "documental".Siendo como son verídicos todos los hechos, recogidos de cientos de entrevistas de Cornelius Ryan a protagonistas del magnífico evento, la ordenación de los mismos se utiliza de forma propagandística, lo que era de esperar en una cinta realizada a tan sólo 17 años del fin de la contienda, de manera que los detalles de tipo humano siempre recaen sobre soldados aliados o miembros de la población civil francesa, mientras que cuando la cámara gira hacia el bando alemán, sólo se resaltan las decisiones militares, normalmente erróneas.
La realidad fue algo diferente a la película, y no porque ésta contenga falsedades en sí, sino porque da a entender que esta acción, el día D, produjo una debacle en el bando alemán y fue la que ganó la guerra. En realidad el gran esfuerzo de guerra se realizó en el frente oriental, en donde se desplazaban millones de hombres y cientos de miles de vehículos y, comparando ese frente con el occidental, éste queda en un claro papel segundón. Pero así es la magia del cine, De todas formas, es un imprescindible cinematográfico que no se puede obviar para ningún amante de este arte.

La película es un clásico que encierra un clásico que esconde un clásico. A la maestría de John Ford en la dirección de una cinta casi coral, con sus tiempos de intervención medidos y sus planos, casi siempre sin mover la cámara, se une una estructura de viaje homérico, en el que se añade un choque de egos y de formas de entender la vida, personalizados en Wayne y Holden.
Cual viaje homérico, la partida se encontrará con su sirena y con multitud de situaciones de peligro. La visión de la Guerra Civil de Ford, no obstante, no es maniquea. Los confederados no son unos seres perversos. Los dibuja valerosos, pobres y muy concienciados con su causa, sin llegar a condenarla nunca y, de hecho, no existe un planteamiento del por qué de esta guerra. Sólo hay un momento en el que condena una actitud y es la de dos desertores confederados, a los que pinta como deshechos biológicos, que atrapan a un sheriff confederado, un oficial retirado, que se mantiene siempre muy digno. En ese momento, Ford realiza la única condena a una actitud y a unas personas.
Uno de los puntos fuertes de Feeney es siempre el manejo de sus secundarios. En realidad, los personajes principales en las películas de Ford apenas son esbozados con cuatro hachazos. Lo normal en sus películas, como también ocurre en esta, es que el protagonista sea un héroe de una pieza, pero es en la coreografía de secundarios donde la tarta coge multitud de sabores. Estos personajes siempre tienen debilidades, a diferencia de los protagonistas, pero son los encargados de dotar de encanto al film.
Un momento especial de la obra desata una emoción difícil de gestionar y aún más difícil de resolver, en el momento en que un grupo de niños son obligados a entrar en combate. El desenlace del episodio es genial. Es, además, el momento más recordado de la película. Recomendada.