Sin saber nada de ella, la primera impresión al ver The Better Angels desde sus primeros minutos nos hace creer que estamos ante una película de Terrence Malick. No es casualidad, A.J. Edwards es muy amigo del cineasta y probablemente su mano derecha junto a los habituales directores de fotografía. Edwards es el editor de cintas como El nuevo mundo, To the Wonder o la venidera Knights of Cups. ¿Pero qué papel tiene un editor en una película? En términos breves, es el encargado de seleccionar las tomas e imágenes que mejor quedan en la película, por lo que tiene un valor muy importante en la realización de una película. Así entendemos que The Better Angels tenga un estilo que nos recuerda a Malick en todo momento. Por supuesto, ésto podría hacer mella en algunos críticos al infravalorarla, ya que Malick es habitualmente "odiado" por su estilo y sus formas. Personalmente, soy un enamorado de su cine, de ahí que ésta película haya sido una gratísima sorpresa y ahora daré algunas razones.

En primer lugar, nos encontramos con la primera película que se atreve a narrarnos la infancia de Abraham Lincoln sin entrar en ramas políticas. Goza de una fotografía exquisita en blanco y negro, consiguiendo un montaje y una mezcla visual que se una a la hermosa banda sonora de Hanan Townshend quien ya ha trabajado con Malick en dos ocasiones. Todo éste conjunto hace que la película esté contada de forma poética. Las cámaras rodeando a los personajes, los paisajes, la voz en off, son ingredientes que hemos visto en cintas como El árbol de la vida o To the Wonder, que a los fans de Malick agradará pero que por contra, rechinará a los que no quedaron conformes con esos trabajos. Por eso, The Better Angels no es una película para todo tipo de público. Si buscamos alguna diferencia con respecto al cine de Malick, probablemente la encontremos en su duración, tan solo hora y media, y en que en ésta, probablemente haya un poco más de diálogo fluido. Pero es inevitable compararla, por poner un ejemplo, el momento en el que los niños salen de la escuela y van a jugar fuera, la narrativa del maestro con respecto al aprendizaje recuerda a las palabras de Jessica Chastain en The Tree of Life.

Claro, visto así, uno podría entrar en lo fácil, es decir, achacar un calco a Malick. Independientemente del estilo, la cinta navega por otro cauce. La infancia de Lincoln está tan bien llevada que la película se nos hace corta. Su padre, interpretado por Jason Clarke, era un hombre autoritario, duro. Su madre, interpretada por Brit Marling, era una mujer analfabeta pero que lo daba todo por su pequeño. En la evolución entendemos que el pequeño Abe tenga a la figura de la madre como su mayor fuente. La llegada del personaje de Diane Kruger incrementará éste aspecto y gracias a ella, el pequeño podrá salirse del circulo familiar para sobresalir al aprender los valores del conocimiento, haciendo entender a los suyos que va a ser una gran persona en el futuro. Todo ésto está narrado por su primo Dennis, que dejó de verlo a los 21 años de edad.

Aunque me gustan todos en conjunto, no hay duda que Diane Kruger es el punto álgido de la obra. Sus mensajes y sus frases resonarán en nuestras mentes y sobre todo en las del pequeño Abe. Me quedo con ésta frase, que demuestra que aun estando en contra de los castigos de su padre aun entendiéndolos, y sabiendo que Abe es un joven callado y tímido, le hace falta un empuje para denotar su confianza y saber que tiene ángeles a su alrededor velando por él: "Nunca tomaré el lugar de tu mamá, pero te amaré como ella lo hizo. Si decides amarme menos, aún así te amaré igual"

Lo confieso, soy un enamorado de aquellas películas en las que sin apenas diálogo, las imágenes te dicen lo que las palabras no pueden. El cine de Malick es así, y diréis que soy repetido, pero es su estilo. A.J. Edwards promete ser un director a tener en cuenta desde ésta, su ópera prima. ¿Es que acaso el cine de Michael Bay difiere al de Roland Emmerich? Podrán contarnos historias distintas pero su estilo es similar, de ahí que criticar a Edwards por puro placer sea ridículo. The Better Angels es una película hermosa, poética, tratada con cariño, logra transportarnos a aquella época con suma facilidad. ¿Que más se puede pedir? Lo dicho, una maravilla a tener muy en cuenta
Por Dante Martín
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Lo tuvo en su mano. Hasta la fecha, no se había realizado ninguna superproducción en pantalla sobre la historia del diluvio por lo que sonaba tentador y mas en manos del cineasta Darren Aronofsky, de quien me declaré fanático desde su inicio y me dejó totalmente enamorado con La Fuente de la Vida (The Fountain) para poco después poner la guinda con Cisne Negro. Sin embargo, cual es mi asombro cuando contemplo que Noé, esa película que antes de su estreno ya se había colocado la etiqueta de "polémica", poco tiene que ver con el relato bíblico. Es cierto que la historia del diluvio no ocupa mucho en las Santas Escrituras, pero había información suficiente para mostrar cada detalle en la película y tornarlo en superproducción. El amigo Aronofsky, acostumbrado a ser especial por el misticismo que rodea a su cine, el cual me encanta, ha tratado de integrar esa faceta en ésta historia, de forma que el resultado no es tan solo ficticio sino que se torna en una fantasía más cercana a El Señor de los Anillos que a la Biblia.

Hay que recordar que ésta película fue una historia en forma de espina que llevaba tiempo clavada el director. Con vistas a la película, plasmó su idea sobre la obra en un cómic que escribió junto a Ari Handel y dibujos de Henrichon. Os puedo decir que es un cómic espectacular y fantástico, alejado de la esencia bíblica y lleno de acción y gigantescas criaturas. Probablemente incluso sea mejor que la película. No obstante, Aronofsky ha cogido la esencia de su cómic y del relato bíblico y ha plasmado una amalgama compleja que como resultado se ha quedado en un triste intento por montar una superproducción. Noé no es una película épica y mucho menos es una superproducción. Pero lo peor de todo, es que lo que ha cogido de esencia bíblica lo ha hecho mal. Por ello voy a pasar a hacer, o intentar, un breve análisis sobre algunas incongruencias que han terminado de hundir, nunca mejor dicho, ésta película. Por lo tanto, ésto conllevará algunos spoilers. Estáis avisados.

En primer lugar, en la película tenemos a "Los vigilantes", unos ángeles caídos que como castigo fueron convertidos en piedras o gólems. En el relato bíblico, esos ángeles caídos eran los llamados Nefilim, quienes bajaron del cielo para transfigurarse en humanos y tener relaciones sexuales con mujeres. Como castigo, fueron condenados a vivir en la tierra, y éstos, hombres de forma gigante, abusaban de los demás, comiendo y violando a su paso. En la película, éstos gólems no solo están arrepentidos, sino que construyen el arca mano a mano con Noé y luchan en una batalla "épica" para finalmente morir y volver al cielo tras haberse arrepentidos al ser "buenos". Ya el simple hecho de ser condenados y luego perdonados, denota una falta de principios básicos con respecto al relato bíblico. Y si ya hablamos de los gólems, apaga y vámonos. Pero aun así, ésto podría resultar hasta representativo por el estilo de Aronofsky, algo visionario, por lo que incluso podríamos saltar ese detalle por alto. Lo que viene a continuación es aun más drástico.

Ha sido presentada en el 17 Festival de Cine de Málaga y es la última película en sección oficial a concurso. Torregrossa tiene en sus manos su mejor trabajo hasta la fecha, contando con un guión de la escritora Elvira Lindo, conocida por su Manolito Gafotas, residente en Nueva York y quien tras el estreno de Hable con Ella se encontró con Javier Cámara, quien no sabía inglés por entonces e hicieron muy buenas migas. Desde entonces, el actor ha progresado tal y como podemos comprobar en La Vida Inesperada, ya que gran parte de ella es hablada en inglés. La película ha puesto la guinda a un festival bastante desigual con bastantes historias poco interesantes por lo que la cinta de Torregrossa ha sido bienvenida con los brazos abiertos, no solo por su historia, también por su interpretación.

Ambos actores, Cámara y Arévalo, conectan a la perfección en pantalla ofreciéndonos unas interpretaciones de lujo. Gracias a ello la intensidad del film no decae, no por ello la trama que sí hace aguas en determinados momentos aunque logra salir con éxito finalmente. La vida inesperada es una película muy moralista que abarca diversos temas como la mala situación actual, la vida cara de Nueva York y los sueños a cumplir en un periodo de tiempo abultado. Con respecto a éste último tema, la película vuelca su peso con mayor empeño al mostrarnos a Juan, un hombre que no quiere volver a España para llevar la profesión de su padre, tendero. Prefiere seguir de actor de teatro, malviviendo con otros trabajos y durmiendo poco. Sin embargo, tendrá que bajar de la nube y decidir si quiere seguir abarcando los sueños que tenía de adolescente o tomar una decisión de una vez por todas. Para ello, la entrada de Jorge, su primo, será de mucha ayuda aunque de forma indirecta ya que observará cierto reflejo en él que lo animará a madurar de una vez. De forma inversa, Jorge sentirá la necesidad de despertar del estado que lo mantiene absorto, tal y como veremos de forma mas adentrada en la película.

La vida inesperada es, en palabras de Lindo, una comedia de las que te dejan cierta melancolía. No falla en eso y se agradece su tono agridulce, alejándose de las manidas comedias de buenas intenciones en las que sabes de sobra como va a terminar la trama. Por otra parte, la película tiene un punto a su favor cuando habla del gremio de actores, en los que en una gran mayoría, encontramos mucho talento en sitios pequeños que nadie conoce. "Se puede ser buen actor y tener mala suerte", decía Lindo en referencia al papel de Javier Cámara y su personaje. Personalmente me ha gustado su halo realista sobre la toma de decisiones en la vida de uno. A veces uno quiere ser actor, pero puede que su vocación sea la de ser tendero. Probablemente, haya que probar en la adolescencia para saber a que vamos enfocados, pero pasados los treinta no podemos seguir picoteando. Bravo por su reflexión.

La banda sonora corre a cargo de Lucio Godoy y Federico Jusid. Ambos han creado una composición orquestada que nada tiene que envidiar a las superproducciones de Hollywood. Repleta de orquesta, cobrando intensidad en su inicio al enseñarnos las calles de Nueva York y acertada en sus momentos menos intensos. Y regresando a la comedia, los mejores momentos son aquellos en los que Juan habla por su madre con Skype, una señora muy simpática y peculiar interpretada por Gloria Muñoz que nos hará llorar de la risa en mas de una ocasión. Y es que a modo general, la película nos deja una sonrisa en la boca y eso hoy es de agradecer
Por Dante Martín
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Presentada en el 17 Festival de Cine de Málaga, llega Purgatorio, una cinta con aires de terror aunque asentada con más firmeza dentro de thriller psicológico. La idea surgió de la primera edición del concurso de cortos y guiones, patrocinados por Orange y Atresmedia. La unión de director y guión sin un punto de unión entre sí, hizo que la historia de Purgatorio fuera efectiva con un presupuesto de 200.000 euros. A ésto se le une una revolucionaria idea para vender la película y tiene relación a su adaptación a los nuevos medios como las plataformas de móviles e internet. Aunque Purgatorio se estrenará en cines, hay de forma simultanea un cortometraje llamado Purgatorio Redux que será ofrecido por otras vías para los más curiosos, realizada en varios capítulos de cinco minutos cada uno. El método comparativo es el conocido aluvión de éxito creado por Netflix para la serie House of Cards, ofreciendo de forma íntegra todo el material sin necesidad de esperar semanas a un capítulo nuevo.

¿Pero qué hace una película de éste género en un festival como el de Málaga donde en su mayoría suele abundar el drama y alguna que otra comedia? Es un soplo de aire fresco y probablemente, su género abarque más que el terror, de ahí a que sea asequible a otro tipo de público y festivales.

Está rodada en Seseña, durante un periodo de diez días. Oona Chaplin es su máxima protagonista, contando con la presencia del joven Sergi Mendez como su aterrador vecino. Purgatorio hace referencia a esa simbología de la muerte, donde hay libertad para creer o no, algo que a día de hoy se ha condenado por ser una irrealidad. No obstante, hay mucha gente que cree aun en ese estado como si se tratase de una especie de limbo. En palabras de su protagonista, es una experiencia de la muerte en vida. Por ello no pueden faltar elementos comunes dentro del género de terror, como es la oscuridad, los golpes, el sonido (espectacular éste apartado) o un espejo. Este último es un gran protagonista, pues de forma indirecta es quien muestra el mundo del mas allá. Pero sin hablar mucho de su argumento, diremos que tiene algunos momentos en los que decae y nos hace preguntarnos si su material no quedaría mejor en un corto, como en éste caso, con la experiencia "Redux". También es cierto que hay algunos momentos de lucidez y algunos planos muy buenos como el momento en el que Marta se agobia y la cámara se centra en ella de frente, obteniendo de regalo un mareo conjunto para ella y el público.

Es una experiencia peculiar, sobretodo por ese sonido que citábamos, donde sus golpes y algunos ecos se convierten casi en protagonitas. Pero de forma mas acentuada me gustaría referirme a la banda sonora de Aaron Rux como una de las piezas mas agraciadas de la obra. Música ecléctica, envolvente y ambiental, de halo electrónico y que logra darle intensidad, no solo en sus momentos de suspense sino en su tema de introducción y cierre. Ha sido por mi parte todo un descubrimiento. Rux está relacionado con Canódromo Abandonado, una compañía de la que forma parte no solo haciendo música sino actuando y dirigiendo como en su último y peculiar proyecto La tumba de Bruce Lee, el cual tiene una pinta tremenda después de haber visto el trailer. En resumidas, y volviendo a Purgatorio, nos encontramos con una cinta que tiene sus mas y sus menos, que ejerce de thriller psicológico y que tiene a una Oona Chaplin en estado de gracia con una muy buena actuación.
Por Dante Martín
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Presentada en el 17 Festival de Cine de Málaga, llega el debut de Beatriz Sanchís con Todos están muertos, una película que recupera a la actriz Elena Anaya después de La Piel que Habito. Según Anaya, no buscaba un papel sino una buena historia, por eso no pudo resistirse ante la propuesta de su amiga Sanchís. En Todos están Muertos, se recupera la esencia, aunque levemente, de la música electrónica ochentera. Lupe fue estrella musical con su grupo, "Groenlandia". Tras un fatídico accidente, no se ve con fuerzas de salir de casa ni recibir visitas. Se levanta cada día para subsistir haciendo tartas de manzana. Por su parte, Paquita, su madre de origen mexicano, acude a la noche de los muertos, sabiendo que le queda poco de vida, para traer de la muerte un espíritu que por accidente, ella no verá, pero sí Lupe. Y aquí nos encontramos con el primer tropiezo de la película, y es que si realmente la trama se centra, o al menos esa era la intención, en que Paquita la haga despertarse de su rutina encerrada durante catorce años, finalmente el peso recae en el hijo, interpretado de forma bastante torpe por el joven Christian Bernal.

Y es que la situación que envuelve al menor es demasiado surrealista, bueno la película en sí juega con el surrealismo y eso es un punto a favor, pero en lo que se refiere a lo que rodea al personaje de Pancho y su amigo Víctor quien tiene un parecido enorme con Zac Efron, es bastante peculiar. Dos chicos de distintas edades donde uno parece estar enamorado de la madre, pero el otro, el mas pequeño, parece sentir cierta pasión por su amigo, y ésto no queda del todo claro aunque lo intuimos. Es demasiado evidente que el mayor no hace amistad con él pequeño por su simpatía sino porque es un fan del grupo de su madre. Ésta situación es la que hace que el personaje de Lupe comience a reaccionar en vez de hacerlo por su madre. Y es que parece que la "resurrección" de ese ser querido es más un estorbo y lo encontramos en el film casi de forma anecdótica, aunque mas anecdótico es ese momento en el que Paquita decide drogarse para verlo.

Es una historia cogida con pinzas en muchos extremos. Elena Anaya no tiene su mejor papel en ésta ocasión. Si la directora pretendía tocar varias temáticas como la dura adolescencia o el intento de ver la muerte como el fin de una etapa, se ha quedado muy corta. Al menos, como ha dicho en la rueda de prensa, ha tratado su historia como una fábula, y para un cuento no habría estado mal, pero desde luego el resultado podría haber sido mucho mejor. Por otro lado, destacamos la banda sonora del grupo Akrobats, quienes hacen la banda sonora y la gran mayoría de canciones con bastante acierto, reflejando la intensidad de un grupo electro-pop de los ochenta. No obstante, el estilo del grupo, reflejado en el álbum The Elvis Tree Orchestra me parece aún mejor en todo momento. En resumidas, y volviendo al film, su premisa pinta mejor de lo que es finalmente. Una verdadera lástima ya que podrían haber hilado mejor ese surrealismo citado y no en lo que finalmente se ha quedado, en una triste historia sin chicha ni nabo con una interpretaciones que dejan mucho que desear.

Por Dante Martín
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