La serie Cosmos del reputado astrónomo Carl Sagan es sin duda una (si no la mejor) de las mejores series de documentales que se hayan realizado jamás. Narrado de forma apasionada por ese niño-hombre llamado Carl, que nos llevará a un viaje a través de la imaginación para adentrarnos en un mundo aún totalmente desconocido y rico en misterios, donde el espectador no podrá evitar sentir un escalofrío al descubrir la infinita inmensidad del universo, la contemplación de un lugar tan inmensamente gigante perturba sin lugar a dudas, pero a la vez engrandece al ser humano. Ese, al menos, es el mensaje dado por Carl Sagan. Para comprender al ser humano, primero hay que entender el Cosmos.


El viaje no sólo es un recorrido por las galaxias y las estrellas, también lo es por la ciencia, el saber antiguo, la física, la astrobiología y la evolución, las vidas de grandes científicos de antaño son recreadas con suma efectividad, la música compuesta por Vangelis aporta una atmósfera idónea para la ocasión y las palabras de Carl elegidas con cuidado, permiten que la ciencia sea accesible para los no entendidos, aparte de ser testigos de una pasión tan infinita como el propio Universo. El espectador no puede menos que sentir una sensación entrañable cuando Sagan esboza una tierna sonrisa ante su disposición al descubrimiento del Cosmos o al hablarnos con tanto fervor de manera lógica y científica sobre la posible vida extraterrestre.


A pesar de los grandes avances científicos en materia de astronomía y descubrimiento del Universo, las lecciones aquí dadas no han dejado de estar vigentes, además de estar realizada en el marco de la Guerra Fría y con la constante amenaza nuclear, donde el presentador no tiene pelos en la lengua al señalar lo absurdo de una contienda que podría haber llevado a la desaparición a la mas bella conclusión de la evolución en La Tierra: La Humanidad. Señala también sin tapujos como hemos logrado superar los viejos prejuicios raciales, sexuales y religiosos para llegar a una mejor armonía entre los humanos y como podríamos superar los restantes para evitar una catástrofe.


Gracias Carl Sagan por recordarme mundos distantes y olvidados en la memoria, gracias por recordarme una pasión también olvidada, pues todos de niños soñamos alguna vez con viajes interestelares, gracias por recordarnos la importancia del ansía del saber y de investigar para conocer nuevas fronteras, característica indiscutible del ser humano en su empeño de superación, gracias por hacerme soñar con confines que ni siquiera había imaginado en mis mas locos sueños, pero sobre todo gracias, Carl Sagan, por recordarme que pertenezco a una especie descendiente de materia de estrellas, que son capaces de lo que sea con sólo proponérselo.

El mismo año en que se estrenó Uno de los nuestros de Martin Scorcese, Abel Ferrara dirigió la otra cinta mafiosa importante del momento, aunque esta es menos épica y pretenciosa es sin duda mas violenta y oscura. Retrata la caída de un capo de la droga llamado Frank White, interpretado por un magistral Cristopher Walken, con una moralidad ambigua que quiere recuperar el terreno perdido cuando sale de la prisión, buscando la expiación de sus pecados eliminando a sus rivales que según él ensucian la ciudad e intentando construir un hospital en el Bronx para los mas desfavorecidos.

Sus secuaces afroamericanos al mando del histérico Jimmy Jump encarnado por Laurence Fishburne, eliminan en una serie de guerras de motivación étnica a colombianos, italianos y chinos sucesivamente, pero esto acarrea que la policía -de origen irlandés en su mayoría- se centre en la detención del narcotraficante, estableciéndose así una serie de estereotipos que se dan en el mundo del crimen. Todos ellos confabulan para que White no saque adelante sus planes en la construcción del hospital. Como antagonista sitúan a un policía entregado e integro y hostil a los métodos de White, que a pesar de todo posee los mismos valores.

Abel Ferrara retrata la ciudad que nunca duerme como una trágica representación de lo peor que se puede convertir una urbe con el aliciente de que la Gran Manzana históricamente está envuelta en un halo de violencia. Una Nueva York infestada de drogas y prostitución, donde las mafias dominan el panorama, donde abundan las bandas callejeras y pululan las tribus urbanas en la noche. Como si de una Gotham City se tratara, Nueva York siempre está envuelta en tinieblas, bajo la noche, cuando el peligro acecha, representada dramáticamente con terceros planos desde el metro o el puente de Brooklyn que aportan un halo siniestro a la ciudad.

Con Teniente corrupto dirigida en 1992, Ferrara llevó mas lejos el tema de la redención personal, y El rey de Nueva York a pesar de no ser tan profunda es más sólida, entretenida y violenta hasta el punto de ser molesta.

Sin el beneficio de un gran presupuesto y sin apenas efectos especiales, Andrei Tarkovsky construyó una de las mejores obras de ciencia ficción, gracias a una música hipnótica y a un enigmático argumento bajo unos decorados sencillos, con referencias a la naturaleza y alternando secuencias bajo filtros de diferentes colores con el un uso de una cámara inquieta.


La investigación se basa en la desaparición de los tripulantes de una estación espacial a causa de un turbulento océano que explora la mente del ser humano y materializa sus deseos de forma retorcida, pero el director va mas allá y lo enfrenta ante una situación inimaginable que da mucho que pensar.


Kris, el protagonista de mirada triste y cansada, (con una mecha canosa que revela una traumática experiencia) recorre la estación espacial para descubrir el misterio que se le ha encargado investigar y al que ha accedido de manera escéptica. Entre las secuencias que van tejiendo la historia, asistimos a tomas largas que ralentizan la película pero que dan ocasión de reflexionar sobre lo ocurrido, finalizando, en planos lejanos dramatizados del perverso océano mostrando así su omnipresencia en la estación. La intensidad de la relación y de los diálogos contrarresta el ritmo pausado del filme.


Una visitante (compuesta por neutrinos en vez de átomos) que toma la forma de su ex-esposa Hary, establece una nueva relación amorosa con el investigador, su relación de intensifica y logran conectar sentimentalmente. Kris resulta ser el único que logra tener una relación afectiva duradera con un visitante, pero a la vez que va indagando y comprendiendo la solarística, irónicamente la relación se deteriora. La visitante es capaz de llorar, de sufrir y de amar y todo ello queda reflejado en su intento se suicidio al comprender que su relación con Kris es tormentosa e imposible a causa de la toma consciencia de la visitante. En contraste es víctima al mismo tiempo de la indiferencia de los otros tripulantes de la estación ante su sufrimiento.


Bajo un prisma político, la película es fácilmente identificada con la libertad individual del ser humano, de dar rienda suelta a los deseos, cosa que no debió gustar mucho a las autoridades soviéticas de la época y quizás sea la razón de la lentitud de la obra, así el director hizo manifiesto de sus deseos de filmar como deseara en un momento en que estaba perseguido por sus ideas, por lo tanto consiguió dormir a la censura y dar el mensaje que deseaba, estableciéndose así una relación mas íntima entre director y obra, convirtiéndose en un manifiesto único sobre la libertad.


Un final cíclico, original y abierto remata una obra que hoy en día está considerada como la respuesta soviética a 2001: una odisea en el espacio de Stanley Kubrick, y aunque sea difícil comparar estas dos obras maestras, sin duda el psicodrama del maestro soviético llega a ser mas profunda y a pesar de lo sombrío del argumento, es de mayor belleza.

James Gray nos ha regalado en un par de ocasiones dos buenas películas sobre la pequeña mafia rusa de Brooklyn, con un trasfondo de intrigas familiares y de atmósfera fatídica. Cuestión de sangre (Little Odessa) la realizó cuando el director solo tenía 24 años y consiguió la que quizás sea una de las películas mas creíbles sobre el mundo del delito.

El asesino Joshua encarnado por un soberbio y frío Tim Roth, debe volver al barrio ruso de Brooklyn donde se crió para realizar un encargo de quitar de en medio a un joyero iraní que está dando problemas. A pesar de querer pasar desapercibo, muchos en el barrio se enteran de su presencia y a partir de aquí la tragedia se pone en marcha, lo que lleva al protagonista a un enfrentamiento con su padre que ha tenido que luchar con un pasado que aún arrastra el frío asesino.


Las escenas de violencia están muy bien repartidas a lo largo de la película y a pesar de no ser extremas ni espectaculares son incómodas y duras: una paliza humillante con un cinturón en un pasillo, un tiroteo en un tendedero o un secuestro nocturno a una víctima ante los ojos de su esposa.


La tragedia familiar es latente en todo el film y la tristeza de las circunstancias de sus personajes pueden contagiar fácilmente al espectador. El hermano mayor convertido en frío asesino a sueldo que debe dejar su hogar porque le han puesto precio a su cabeza, el padre que tiene que lidiar con soportar la vergüenza de tener un hijo asesino y con los viejos valores traídos desde Rusia frente a la americanización de su hijo menor, que adora a su hermano y tiene que convivir con un padre muy mayor que no lo comprende y con una madre enferma en estado terminal. Todo bajo un tono gris que aporta desolación a unos personajes y a una historia envuelta en conspiraciones y hechos pasados que repercuten en el presente.


En definitiva y aunque el film carezca de sorpresas o giros argumentales, convence y conmueve a la vez por su dureza, la aspereza de los personajes y la fatídica representación de toda la trama, con largos silencios incómodos y con planos fijos que apenas se mueven cuando hay una escena violenta, haciéndolas aún mas frías y duras, terminarán por envolver al espectador en un film ni controvertido ni ágil, pero muy interesante.

Un sinfín de premios Emmy, Globos de Oro y demás galardones alaban esta grandiosa producción de David Chase -en su momento rechazada por la Fox- para la HBO, la obra definitiva sobre la mitificada mafia ítaloamericana que supuso un rotundo éxito de público y crítica y que en conjunto puede ser comparada sin reservas con la famosa trilogía de El Padrino, esta vez trasladada a la pequeña mafia de New Jersey posiblemente inspirada en la Familia mafiosa DeCalvante.

Una mezcla de tragedia griega, cine negro y culebrón donde un gangster melancólico, pragmático y con tendencia a la depresión pero además caprichoso, inmaduro y cínico llamado Tony Soprano, encarnado por un imperial James Gandolfini, tiene que lidiar con su familia, con su trabajo como líder mafioso y con sus ataques de pánico. Metafóricamente Tony habla de su trabajo como "consultor gerencial de deshechos" una manera de limpiar la verdadera tarea de su trabajo, dejando entrever que su verdadera ocupación es horripilante. La obra empieza con una visita a una psiquiatra encarnada en el papel de Lorraine Braco, y en su consulta se desarrollarán algunas de las escenas y diálogos mas memorables e interesantes de la serie, donde el personaje principal tendrá que aprender a convivir con un pasado decepcionarte que le ha llevado a un presente mafioso y un con un futuro incierto en el inestable mundo de la mafia. Además se desarrollan innumerables temas que van desde lo cotidiano hasta una profunda exploración psicológica de las situaciones a las que se enfrentan los personajes, como el asesinato, la infidelidad o la homosexualidad, tema tabú en el duro mundo que rodea a los rudos matones del crimen organizado . También se retrata la decadencia de la mafia italo-americana, con una pérdida de los "valores tradicionales" como la vieja ley del silencio, siempre rivalizando consigo misma y a la defensiva con otros grupos étnicos. La reminiscencia a los orígenes italianos y su aportación a la sociedad americana están presentes, la pérdida de identidad y de terreno que ha experimentado este grupo étnico, que ha sufrido una americanización irreparable frente a los valores y prejuicios tradicionales traídos desde Italia. Todo lo relacionado con el legado italiano como la comida, la música, la arquitectura, o la particular forma de expresarse que tienen sus descendientes, tiene su hueco en la monumental obra, haciendo así un grandioso homenaje a todo lo que tenga que ver con lo italo-americano.

Por su gran dimensión nos encontramos ante una serie compleja y profunda, por la multitud de personajes que aparecen y por todas las historias individuales que se desarrollan. Encontramos literalmente un sinfín de guiños a la cultura pop del siglo XX así como referencias a la historia reciente americana tanto en el plano urbano como en el político, así como a las cintas mafiosas mas conocidas, detalle con el cual el espectador familiarizado con dicha historia disfrutará. Todos los actores sin excepción están mas que notables y los personajes a los que encarnan son interesantes pero amorales, que sólo buscan su propio su propio beneficio, sin sentido de la verdadera amistad o del verdadero amor, sólo fieles a sus propios intereses, pero siempre en busca de la redención en un entorno violento del que no pueden renegar. Probablemente sea la única serie donde todos son villanos. Encontramos personajes tan ambiguos y desagradables como la harpía Livia Soprano, madre de Tony, la falsa víctima Yanise, la atormentada Carmela Soprano (posiblemente el mejor papel de la serie) el despreciable Ralph Cifaretto, los villanos Richie Aprile y Frank Leotardo (magnifico Frank Vincent) el excéntrico Silvio Dante, el desagradable Chris Moltisanti o el irascible Paulie Gualtieri. Tanto la violencia como el sexo es tema permanente en la obra y además las escenas son explícitas y se retrata con sutileza la corrupción policial y política, que sólo responden a intereses económicos. El espectador podrá ver escenas tan memorables e inolvidables como algunas de las mas conocidas de la historia del cine.

El hecho de que la reducida familia mafiosa sea de New Jersey y no de Nueva York añade un punto de estrés al robusto Tony Soprano, que debe lidiar sus negocios con los intereses de la familia Lupertazzy de Nueva York (posiblemente inspirados en la familia Gambino) siempre supeditados a ésta y que en ocasiones llegan a ningunear llamándolos "esa cosa minúscula de New Jersey" También deben hacer frente a los nuevos grupos étnicos que se quieren hacer con un hueco en el mundo del delito como las bandas negras y latinas, las prominentes mafias rusas o los grupos de motociclistas, estableciéndose así la relación entre la vieja escuela del gangsterismo italiano y una nueva forma brutal de violencia de entender el crimen organizado

En la obra vemos actores de las películas sobre la mafia mas importantes realizadas en los Estados Unidos como Uno de los Nuestros, Casino, Mickey ojos azules, El Padrino, El precio del poder, Pulp Fiction, El Rey de Nueva York, El Funeral, Érase una vez en America y otras menores como This things of ours o la película para la televisión Gotti así como claros homenajes a otras como Muerte entre las Flores o Una historia del Bronx además de cameos de la talla de titanes de la interpretación como Martin Scorcese, Ben Kingsley, Annete Bening, Lauren Bacal, Peter Bogdanovich o Sidney Pollack .

Como ha dicho la crítica constituye "una especie de meditación sobre la naturaleza de lo moral, la posibilidad de redención y el legado de Freud" Como último dato, en 2008 se reunió en la ciudad de Nueva York un grupo de expertos para debatir sobre la importancia de la famosa serie de la HBO. La conclusión a la que llegaron es que la obra está a la altura de las obras maestras "de Shakespeare, Picasso o Mozart" No creo que estén muy equivocados al afirmarlo.