Una película que te atrapa desde el minuto 1. Nada en ella es convencional. Es una cinta extrañamente seductora y de una aparente simplicidad, que funciona como una pequeña y precisa máquina de relojería. La cámara se mueve elegantemente al ritmo de la historia que se desliza implacable sobre la oscura y humeante noche de Navidad.Los protagonistas están magníficos. Con guión de Frédéric Darc (autor de la novela) y del propio director Robert Blüwal, esta película sería del agrado de Hitchcock - algo hay de él y de su brumoso Londres de la etapa británica- al que nada tendría que envidiarle.
Excelente cine francés.

Muchas cosas notables que resaltar de esta película: la ambientación, las escenas de acción bien resueltas, la tensión no decae en general, la música de Jean Marion (realmente interesante) y la hermosa y triste canción "Sous le ciel de Paris" interpretada por Jill Haworth que casa perfectamente con el espíritu que planea sobre el film.
Quizás los últimos minutos de metraje hacen que el final sea algo deslucido, y las actuaciones de algunos de los actores no hacen del todo creíble las visicitudes de alguno de los personajes, pero desde luego es un largometraje que entretiene y nos invita a reflexionar sobre la riqueza y la pobreza, a través de los intrincados caminos de la vida y del destino, como en la novela por entregas de Eugène Sue en la que se basa la cinta (obra romántica e influenciada ya por las ideas socialistas que el director de la película, André Hunebelle, sabe transmitir).
Estos valores los vemos encarnados en el Marqués Rodolphe de Sombreuil (Jean Marais) quien, a raíz de un incidente con su carruaje, irá tomando conciencia del sufrimiento de los más desfavorecidos, mezcándose entre ellos y viviendo así su lado altruista que le liberará de una vida que parecía no satisfacerle realmente.
A destacar la escena donde el protagonista lucha por no morir ahogado y acabar flotando en el Sena, la música recuerda algo al Bernard Herrmann acuático de "El Cabo del Terror" (del mismo año, por cierto, 1962).

Primera adaptación cinematográfica sonora de la novela de Robert Louis Stevenson. Este film fue la primera película proyectada en el Festival de Cine de Venecia en 1932.

El aire de "silent movie" de sus antecesoras, planea sobre esta cinta, especialmente en algunos primeros planos, y en algunas situaciones dramáticas muy exacerbadas (como la escena entre Jekyll y su prometida Muriel Carew hacia el final).
Película notable dónde la cámara se mueve con virtuosismo y en la que hallamos el uso de la cámara subjetiva (magistralmente usada al inicio), como un recurso narrativo muy acertado para contar la historia. Parece como si esa cámara subjetiva quisiera trasladarnos al interior del pensamiento del Dr. Jekyll y poner un foco de luz sobre las ideas que sobre la dualidad del ser humano bullen dentro de él y que va a proclamar con gran entusiasmo acto seguido en su conferencia ante un expectante auditorio.

Frederic March consiguió por este papel protagnosita el Óscar, dando vida al científico curioso, hombre caritativo y alma torturada, todo en uno. Espléndida, a mi entender, Miriam Hopkins, cuya mirada cautiva a la cámara en todos sus registros: es capaz de convertirse en la encarnación de la lujuria (con una alta carga erótica para la época en manos del director, Rouben Mamoulian) o en la desesperación y entrega más absoluta buscando la compasión del Dr. Jekyll para huir del malvado E. Hyde. (Transformación la de esta actriz, por cierto, que no requiere de ninguna pócima).

Un film que mantiene bien el pulso narrativo y nos hace permanecer expectantes hasta el final para ver a que callejón sin salida conducen los experimentos del vehemente Dr. Jekyll, su lucha maniquea planteada entre el bien y el mal de la condición humana y el choque frontal con los valores férreos de la sociedad victoriana de la época.

Película de Richard Fleischer que aborda la crueldad humana (volverá años más tarde sobre ella en su cruda "Mandingo" de 1975). La pareja masculina protagonista, heredera innegable de "La Soga" (A. Hitchcock, 1948), está formada por dos jóvenes de buena posición y oscuras intenciones, dónde uno ejerce una fuerte atracción personal e intelectual sobre el otro, arrastrando al más débil a descubrir y explorar la belleza del mal, argumentando la superioridad de su inteligencia. Crueldad gratuita, al fin y al cabo, malinterpretando a Nietzsche, que busca irritarnos desde el minuto uno.

Buenas interpretaciones de los actores: una Diane Varsi encarnando la bondad y la comprensión, y un Bradford Dillman más que convincente en su papel de impulsor de la acción, que halla en su compañero de reparto (Dean Stockwell) un excelente contrapunto, espejo totalmente necesario a su personaje. Diríamos que el fuerte requiere del débil para crecer y regodearse en su maldad; aunque le humille le necesita íntimamente. Grande Orson Welles en su papel de abogado defensor, haciendo que desde su aparición la película gire en torno a la reflexión de la pena de muerte y su inutilidad y grande el speech del actor frente a un juez, un jurado y un público enmudecidos ante tan magno gigante.

Aunque el pulso de la película está bien llevado por el director y el ritmo se mantiene hasta el final, el guión avanza en línea recta hacia lo previsible (especialmente desde el momento de la fatídica aparición de las gafas de pasta), haciendo que la cinta (a mi modo de ver) no dé más de sí ni pueda ir más allá. La historia está totalmente predeterminada, fuertemente trazada de antemano, haciendo que todo parezca algo encorsetado: los personajes (víctimas de sí mismos) y la investigación avanzan según lo previsto. Tal vez por ello sea éste un film algo sobrevalorado.

De lo mejor, sin duda, es la frase final que lanza un agudo Orson Welles a un aturdido Dean Stockwell: dardo directo y certero que supone un brusco descenso a la realidad haciendo que se rompa el encanto al que el joven estaba sometido.

Había leído críticas muy negativas sobre esta película, y unidas al desencanto que este director me ha provocado en los últimos años pensé que no valía la pena verla. Sin embargo creo que hay que valorar algunas cosas interesantes em ella. Está claro que es una comedia ligera (ligerísima jajaja) con un guión no del todo despreciable y unas actuaciones algo frías y sin alma, carentes de la chispa de las comedias inolvidables del creador manchego.

Bastante teatral en su concepto y puesta en escena, pienso que funcionaría mejor como guión televisivo. Indudablemente es una locura, una "ida de olla", una especie de broma, de pecado de senectud del director, (y así pienso que es como hay que entenderla) y sin embargo en el fondo, bajo esa capa de desidia con la que parece estar dirigida y que hace que el tono general del film sea anodino, es puro Almodóvar aunque a primera vista nos cueste asumirlo, tanto en sus tema (la explotación libre y gratuita de la sexualidad, las drogas, el desamor, el desencuetro, etc) como su humor tan personal e inconfundible que sigue inalterable .

No está a la altura de ninguno de sus trabajos en el género de la comedia, pero no deja un mal sabor de boca (nunca mejor dicho jajajaja).