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España España · Barcelona
Críticas de Víctor
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Críticas 29
Críticas ordenadas por fecha (desc.)
6
27 de marzo de 2024
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"La humillación" gira en torno a Marjorie Easton, una mujer que sobrevivió a un intento de violación por un hombre enmascarado mientras volvía a su casa. Marjorie consigue huir, pero el hombre se queda con su documentación. Cuando la protagonista intenta denunciar el delito a la policía, le dicen que no pueden hacer mucho al respecto. Unos días más tarde, cuando las compañeras con las que vive están fuera, el agresor vuelve. A partir de ese momento, se suceden una serie de actos que nos harán vivir varios momentos de tensión.

Se trata de un thriller minimalista, tenso y eficaz a pesar de las limitaciones de la localización. Se ha de subrayar que la mayor parte de la acción transcurre en el salón de una casa. La película contiene escenas muy duras, mucho suspense y crítica social puesto que refleja las lagunas de la ley en casos relacionados con las agresiones sexuales. Lo que hace que "La humillación" sea una película relevante incluso después de casi 40 años es que pocas cosas han cambiado respecto a la protección a las víctimas de violencia sexual.

Las conversaciones entre la protagonista y el antagonista derivan de un guión sugerente e inteligente. Farrah Fawcett interpreta uno de los mejores papeles de su malograda carrera y James Russo impresiona con su papel de violador sádico. Honestamente, es una pena que no encontrasen a un director más hábil que Robert M. Young para hacer esta obra.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
Víctor
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8
8 de septiembre de 2023
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
“Buenas noches, madre” presenta un drama punzante en torno al suicido, el sentido de la vida y la desgracia existencial, temas tabú en nuestra sociedad, con la historia de una mujer hastiada de la vida que está dispuesta a cometer un suicidio con su madre como testigo. Con ella, será con la que mantenga a lo largo de la película un duelo trepidante construido por un combate dialéctico de conversaciones valientes y coléricas y un desnudo moral de las propias protagonistas. Realmente, el director Tom Moore consigue penetrar en el alma del espectador al plantear un tema amargo y peliagudo y contarlo de manera íntima y amena, sin frivolidades, con un guión humilde y una narrativa armoniosa. En algún momento de la película, he sentido como si estuviera presente en aquella casa, viéndolas discutir y colmándome de compasión. Sin embargo, a pesar de los esfuerzos del director, querría destacar que el mayor peso de la película cae en sus actrices, con una magnífica Sissy Spacek y una Anne Bancroft que va de menos a más en un duelo interpretativo magistral.

Indudablemente, es una obra que dejará al espectador con más preguntas que respuestas y que, en mi opinión, consigue exponer de manera magnífica una profunda reflexión sobre los motivos que nos permiten vivir y sobrevivir. No obstante, me hubiera gustado que hubiera un enfoque mayor en la desazón interna y en la propia agonía de un ser humano que quiere poner fin a sus días y no tanto en la convulsa relación madre-hija o en los problemas cotidianos que podría tener una familia de clase media americana de antaño. Definitivamente, es un drama honesto con un estilo sencillo y ameno que probablemente no sea para todos los públicos, pero que a mi me ha sorprendido gratamente.
Víctor
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7
7 de abril de 2023
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Película británica de la década de los setenta que narra una genuina historia de amor entre dos personas con discapacidades físicas. Malcolm McDowell y Nanette Newman están verdaderamente brillantes en sus interpretaciones. McDowell es capaz de capturar el resentimiento, la rabia y la vulnerabilidad inherente de un personaje que, a la edad de veinticuatro años, se encuentra, sin previo aviso, abatido por una enfermedad degenerativa incurable. Newman, por su parte, aporta mucha dulzura y refinamiento a su personaje.

Personalmente, me ha gustado esta película porque el director, Bryan Forbes, ha conseguido provocarme empatía y hacerme sentir parte de un proceso duro con las distintas etapas que ello conlleva, así como ser testigo de la evolución de un hombre joven que trata de adaptarse a su nueva condición. El director nos muestra cómo el protagonista se derrumba de manera repentina tras la celebración de la boda de su hermano y, ya en la siguiente escena, le encontramos ingresado en el hospital con un diagnóstico no muy positivo. Comprensiblemente, esto supone un cambio de circunstancias que le resulta difícil aceptar, al igual que al espectador, que no se espera este giro de los acontecimientos. En cierto sentido, estamos con el protagonista en cada paso del camino mientras lucha con el hecho de que pasará el resto de su vida en una silla de ruedas.

Desde mi punto de vista, la trama avanza hacia una poderosa mirada al significado y propósito de la vida más allá de las dificultades y problemas que enfrentamos y, por tanto, considero que definir esta obra como una simple historia de superación sería algo vago e impreciso. El ritmo de la película es deliberadamente lento pero, sumado a la gran banda sonora de Stanley Myers, consigue que el factor sentimental esté equilibrado, que haya cierta resonancia emocional pero sin caer en la sensiblería o en el sentimentalismo empalagoso, lo cuál es bastante habitual en las películas de este estilo. No obstante, diría que la principal baza de "Amor es mi vida" es la humanidad, la verdad y la honestidad que el relato transmite y la ternura que muestra el tándem protagonista.
Víctor
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7
15 de marzo de 2023
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
La historia de Ruth Ellis, la última mujer ejecutada en el Reino Unido, le sirvió a Mike Newell para hacer un retrato ácido de la sociedad británica del momento, un mundo sórdido y amargo en el que el amor imposible entre dos personas de distintas clases sociales conduce a la inevitable tragedia. Una relación tempestuosa, marcada por violentas peleas e infortunios, que culminó el domingo de Pascua de 1955. El controvertido legado de Ruth Ellis avergüenza hoy a toda una nación.

Miranda Richardson está magnífica como Ruth Ellis, la madre soltera y glamurosa chica de alterne, ofreciéndonos una espectacular actuación en cada escena de la obra. Richardson consigue plasmar a las mil maravillas el tono emocional de una mujer enloquecida y obsesionada por su amante y transmitir la difícil situación como mujer atrapada por las circunstancias y castigada por una moral mezquina. Rupert Everett está más que decente en su interpretación de David Blakely, un joven apuesto que proviene de una familia acomodada. Everett captura la naturaleza autocompasiva y el esnobismo innato de Blakely, y nos presenta a un jóven petulante, inmaduro y egoísta demasiado acostumbrado a salirse con la suya y que nunca ha experimentado las duras realidades del mundo de la forma en que lo ha hecho Ellis.

Los protagonistas tienen una química que inunda la pantalla en esta historia en la que el amor todo lo consume. Afortunadamente, el director sabe sacar partido de esa química a la hora de exponer todos los altibajos emocionales de esta tóxica relación. La puesta de escena es elegante y fría y los diálogos, ingeniosos. La dirección de Newell es muy buena por su hincapié en las expresiones faciales de los protagonistas mientras mantiene esa atmósfera fastuosa y oscura. Newell transmite con precisión ese clima reprimido de la austeridad de la posguerra, que encontró una liberación de su tedio embrutecedor en el sórdido glamour y los malos modales. Entre otros aspectos técnicos, destacaría que la óptima fotografía en determinadas ubicaciones y en concretos momentos tensos y dramáticos se convierte en un elemento crucial que ensalza la obra.

No obstante, la belleza de esta película radica en un conjunto más amplio de cuestiones. Bailar con un extraño no trata únicamente sobre dos amantes miserables y desafortunados o sobre las relaciones tóxicas y lo rápido que descarrilan, sino que lanza una reflexión sobre el clasismo que incluso sigue inherente a la Inglaterra actual. Durante el metraje, podemos observar como a la protagonista le asusta y le paraliza constantemente su posición de clase baja y su reputación manchada, aunque sea perfectamente consciente de que el sistema está podrido. Cuando Blakely le presta tanta atención, ella sigue tratando de justificarse a sí misma como algo positivo. Realmente, lo que la impulsa a matar a su amante es la triste comprensión de que él nunca la ha visto como un ser humano igual.
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Víctor
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8
19 de febrero de 2023
30 de 53 usuarios han encontrado esta crítica útil
Película basada en la novela de Miriam Toews que muestra las heridas y dudas de un grupo de mujeres menonitas que son presas de temores divinos y humanos. Los hombres de su arcaica colonia religiosa llevan años colándose en sus habitaciones para agredirlas sexualmente y, posteriormente, echarle las culpas a Satán, a los castigos divinos o a las mentes fantasiosas de las propias víctimas. Ellas, pertenecientes a todas las franjas de edad y miembros de las familias Friesen y Loewen, se reúnen en el granero de la comunidad para urdir su plan mientras ponen sus creencias y costumbres en entredicho en esta especie de lucha contra la violencia patriarcal. Del planteamiento de esta conversación revolucionaria a contrarreloj nacen pocas opciones. En sus asambleas clandestinas, se plantean si deben quedarse y perdonar a estos desalmados para ganar el cielo, si tomarse la justicia por su mano y responder de manera violenta o si, por el contrario, abandonar ese lugar para siempre.

Sarah Polley dirige esta obra de protesta reivindicativa y feminista con austeridad en la ambientación y en la estética, pero con una voz firme y pasional que nos invita a reflexionar sobre la violencia patriarcal y otras realidades fácilmente reconocibles. Todo lo expuesto durante el metraje forma parte de la conciencia colectiva actual, lo que justifica el marcado simbolismo político de la película, hasta el punto de que ciertas situaciones mostradas en la película entristecen y sobrecogen al espectador por ser éste capaz de reconocer la violencia contra las mujeres en las situaciones cotidianas de la vida real. El metraje abarca el descubrimiento de la democracia, discusiones sobre familia y tradición, sobre la fe, el perdón y el arrepentimiento y carcajadas redentoras y catárticas bajo el yugo masculino sobre mujeres a las que creen dóciles y serviles como trasfondo. Todo ello puede resultar necesario si tenemos en cuenta el contexto político que vivimos hoy en día. A pesar de la temática triste, se ha de subrayar que el mensaje final tiene un cariz ilusionante y esperanzador respecto al futuro de la lucha de las mujeres.

En mi opinión, lo mejor de la película son las excelentes interpretaciones del reparto femenino, con mención especial a Jessie Buckley como Mariche Loewen. Probablemente, su personaje es el más complejo de entender pero tiene una fuerza que asombra. Claire Foy y Rooney Mara ofrecen también interpretaciones muy destacables. Desde mi punto de vista, el guión es ingeniosamente mordaz y machacón pero no cae en la redundancia o en la teatralidad. También me gustaría añadir que coincido con muchas de las opiniones escritas en las redes respecto a los colores apagados. Quizás este tono tenue ha podido restarle cierta solidez a la obra, pero igualmente se observa una fotografía muy medida y mucha precisión en la iluminación de caras, el brillo en los ojos o el resalte de contornos. En definitiva, recomendaría esta película a cualquiera que quiera pasar un rato entretenido y empaparse de un mensaje político más candente que nunca.
Víctor
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