¿El neo-fantaterror de Balagueró mezclándose con el J-Horror? Si la idea es sugerente, la ejecución del cineasta filipino Mikhail Red supera las expectativas. Y es que Eerie no es un relato sobrenatural cualquiera porque consigue trascender el cliché del fantasma como ente ofuscante hasta convertirlo en un personaje con anhelos, inquietudes y, en definitiva, definido por una personalidad compleja. Recuerda bastante a Kiyoshi Kurosawa por la cuidada gama de colores y su profundo pesimismo existencial, y ya en un plano mitográfico, a la leyenda urbana de Hanako, la niña de los baños. Pero lo realmente impactante de este film es su imaginería cristiana imbricándose con el folclorismo típicamente asiático, en una explosión visual apasionante para los que gozan de la semiología intercultural. Amantes del género, no os la perdáis

Comparar "Ad Astra" con "Interstellar" sería semejante a hacerlo con "Piratas del Caribe" y "Master & Commander". Y es que, lejos de la explosividad narrativa común a Nolan, James Gray rubrica un intimista tratado sobre la soledad en el mundo posmoderno, a través de un astronauta que viaja a las estrellas con el objetivo de salvar el planeta Tierra -desde luego- pero también su humanidad perdida. Realizando el ejercicio de sustituir al oficial McBride por el Coronel Kurtz serían más evidentes los paralelismos con Apocalypse Now, si bien dando paso a un contexto espacial en el que la ciencia ficción suave fluye con total verosimilitud. El resultado: un film áspero, frío y difícil de digerir, aunque también dotado de la elegancia y el minimalismo de los que el cine actual carece casi por completo.

La única casualidad en Magnolia es la actuación de Tom Cruise.
Según el 63% de las críticas en castellano en Magnolia se enfatiza el componente metafísico. Me refiero a toda esa clase de superchería defensora de que todo hecho más o menos improbable es culpa de algún geniecillo alterador de nuestros designios vitales hasta convertirlos en paradójicos. Sin embargo, las opiniones escritas en la lengua de Shakespeare no llegan a tanto. Tan sólo el 46% de ellas sostienen que el destino es el leitmotiv principal de la película.
Esto, aparte de extraer conclusiones sobre la pasividad emprendedora de los pueblos mediterráneo y anglosajón, habla mucho y mal a propósito de la predisposición del espectador medio a quedar influenciado por la primera escena del montaje. En efecto, el asesinato pertrechado por los tres vagabundos en Greenberry Hill, la grotesca muerte del buzo Derleem Darion, que acabó colgado en el extremo de un árbol, y que, por si fuera poco, provocó el suicidio del piloto de hidroavión, o el rocambolesco suicidio sin éxito acabado en parricidio con éxito protagonizado por los Barringer, provocan en el espectador un pensamiento tendencioso sobre la improbabilidad de las combinaciones y la magia de la casualidad.
En este sentido la lluvia de sapos es el acto refrendador de la casualidad hiperbolizada por encima de todo. Los sapos hacen que el final de los personajes se altere de diversas formas, siempre entendiendo que la lluvia de animales es un fenómeno improbabilísimo. Incluso diría que existe una malinterpretación de la lluvia de sapos por parte del director, pues la lluvia de animales se entiende siempre que éstos sean livianos, no sapos de dos kilos.
Yo, sin embargo, aludo al opening de otra notable película cuya temática es la arbitrariedad del destino; A serious man (2009, Coen bros.) donde por medio de un excelente corto independiente de la historia principal se nos indica que toda acción acaecida no tiene por qué tener explicación alguna; recibe con simpleza todo lo que te ocurra, rezaba una frase rotular al final de la escena. Al hilo de esto, recuerdo cómo pasé absolutamente todo el metraje de la película intentando acomodar ese principio con la narración formal. Al tiempo entendí que hice el estúpido; el principio tan sólo trata de explicar que en cualquier momento puede suceder cualquier cosa, y sobre todo, que no hay que sorprenderse por ello.
Magnolia es otra película coral donde personajes luchan según su escala de valores e intereses propios. El hecho de que sus historias interactúen sólo es el resultado de observarlas desde fuera, como ese duendecillo de antes pero sin poder influir en lo absoluto. De hecho, casi toda acción que nos ocurra, por cotidiana que sea, responde a una enorme sucesión de otras acciones que desembocan en el hecho observado. Tan sólo hay que reconstruir hacia atrás para percatarnos de ello. (Sigue en spoiler sin spoilers)

John Ford regresa a Monument Valley, escenario del que para mí sí es uno de los 5 mejores westerns de la historia, "La diligencia" (1939), para rodar una historia que andando el tiempo habría de convertirse en todo un clásico cinematográfico.
"Centauros del desierto" es, por derecho propio o no, una de las películas más recordadas de la historia del celuloide y cuenta entre sus fans más reconocidos a Spielberg, George Lucas, Scorsese, o el mismo Akira Kurosawa. Sin embargo, la película no nació con tan buena estrella, ya que si bien es cierto que funcionó gratamente en taquilla, fue vapuleada por la crítica formal en mayor o menor término. Imagináos que "El último samurai" fuera un film de culto dentro de 30 años. Pues eso más o menos ocurrió.
Ford nos narra la desesperada y, a ratos enfermiza, persecución de un soldado confederado, de modales toscos, que persigue a los apaches que han masacrado a casi toda su familia y que, a su vez, han raptado a su sobrina.
John Wayne dibuja, eso sí, uno de los personajes menos arquetípicos de toda su trayectoria al dar vida a un antihéroe que algunos críticos asemejan con Travis Bickle, el protagonista de "Taxi Driver" (Scorsese, 1976). Y es que, sin lugar a dudas, el aspecto más innovador y polémico de Centauros del desierto es el tinte racista con el que está impregnada toda la narración, fundamentado en la deshumanización de los indios.
El director de Mogambo se vuelve a apoyar en una fotografía vistosa, colmada de composiciones brillantes, y que sirven de telón de fondo para una narración épica salpicada en ocasiones por ciertos -y desacertados- toques de humor.
Lo indiscutible, y a pesar de que crea que está sobrevalorada, es que Ford fundamentó uno de los pilares del Western clásico al tiempo que creó una película imprescindible para todo aquel que se considere amante del Séptimo Arte. Porque ¿qué friki del western no ha imitado a Wayne con su andar apesadumbrado enmarcado por la puerta?. Ninguno que se precie espero.

Stuart Gordon ya nos demostró sobradamente su capacidad con sus dos ejercicios de Master of Horror: "Las ratas en las paredes" y "El gato negro".
Entonces debíamos suponer que el bueno de Stuart repetiría en Fear itself, aunque en esta ocasión para prescindir de los padres del terror literario e indagar en otro tipo de miedo más escatológico, el canibalismo, subgénero explotado con la saga de Hannibal Lecter y que Peter Medak ya rescató en sus "Washintongnianos".
No son, sin embargo, las únicas afinidades de este vibrante y entretenido capítulo. Son obvias las referencias a "Fallen", algún guiño estético a Carpenter y su "Comisaria del distrito 13", e incluso una fuerte impregnación de Resident Evil 2 (Psx, Capcom, 1998).
El director se anda avispado al desorientar al espectador con unos enfoques de cámara muy desasosegantes y una narración muy ambigua, al menos hasta el último tercio del capítulo. Bravo por el casting de personajes, muy apropiado y, por supuesto, la magnífica ambientación del mediometraje.
Si a ello le unimos mi admiración por los ritos mágico-animistas del Sur de los EE.UU, nos damos de bruces ante un episodio fresco, interesante, y que podría insertarse a pelo en la primera temporada de "Masters of Horror".