El autor canadiense David Cronenberg vuelve a la primera plana cinematográfica con una obra que incide en las mismas claves de su anterior trabajo, 'Una historia de violencia' (2005), aunque con una ambientación que varía a grandes rasgos.
El protagonista absoluto es, de nuevo, Viggo Mortensen, excelente en su papel de encarnar a un chófer vinculado a la mafia rusa radicada en Londres. La muerte de una inmigrante rusa en el momento de dar a la luz desencadenará una serie de acontecimientos cuyo protagonismo recae en una enfermera (Naomi Watts) y en un diario que habrá que descifrar.
Se trata de una trama argumental que sirve de excusa para proponer una reflexión recurrente en la trayectoria del director americano: la violencia como elemento inherente a la personalidad humana. Los personajes de Cronenberg recurren a la brutalidad para hacer frente a la intransigencia del individuo, única vía para hallar acomodo en una sociedad como la londinense. Su hábitat se encuentra al margen de la legalidad, un terreno dominado por la crudeza que guía la actitud, las relaciones personales de sus moradores; en este sentido, el buen trabajo de Vincent Cassel, visto en 'Irreversible' (2001), o Armin Mueller-Stahl, que empezó a darse a conocer a las órdenes de Rainer Werner Fassbinder allá por los años ochenta, contribuye a crear una atmósfera de decidida sordidez.
Nos encontramos con la dicotomía Oriente – Occidente en el sentido de una pugna por la preeminencia cultural, por el respeto a unas costumbres cuya invariabilidad responde a criterios regidos por la ambigüedad a la hora de demostrar un pretendido afán de supervivencia.
Cronenberg, pues, expone con acierto el desasosegante mundo del hampa, a modo de estudio de los inaccesibles rincones del alma humana. Obras como 'Inseparables' (1988) o 'Spider' (2002) ya pusieron de manifiesto la maestría del creador canadiense.

Como ganadora del Oso de Oro en el Festival de Berlín del año pasado, la obra del cineasta chino Wang Quan An se estrena ahora en las pantallas españolas acompañada de un halo de sencilla naturalidad. Y es que ‘La boda de Tuya’ presenta a unos personajes que demuestran la insólita perseverancia de aquel que no se pliega ante las leyes impuestas por el entorno; la cautivadora estepa mongola ejerce aquí su poder de fascinación para remarcar unas condiciones de vida regidas por el sacrificio y la reciprocidad de esfuerzos.
Tuya, la protagonista, personifica dichos valores: la incapacidad física de su marido le obliga a desempeñar un rol patriarcal, en atención a sus dos hijos. Una labor en continua interacción con la naturaleza, donde el agua reitera su categoría de bien preciado y donde la austeridad del contexto en el que se desenvuelven establece emotivas relaciones personales. Tuya ha de afrontar un papel abrumador, que le exige un sobreesfuerzo que, finalmente, le provoca lesiones cervicales: es ahora cuando se desencadena la acuciante necesidad de encontrar un hombre que lleve el peso de la casa.
El pastoreo de ovejas o la construcción de un nuevo pozo conforman un estilo de vida que choca frontalmente con otro guiado por pretensiones capitalistas; ahí se halla la encrucijada para Tuya, ser fiel a los principios que han regido su vitalidad o, por el contrario, emprender caminos hasta ahora ignorados.

"París no pertenece a nadie", dirían al inicio, contradiciendo este tránsito hacia la luz que compone Jacques Rivette, en el que recita las debilidades humanas para el placer de nuestros ojos. "Hay muchas posibilidades de que nos estrellemos", se confesarían esas parejas ahogadas por un suicidio al imaginar las metas por alcanzar, pero resaltando aquello de que uno falla hasta el día en que no, como una cuestión de perseverancia, animando a lanzarse hacia delante, frente a la "estrechez de miras" que lamentaría aquel americano exiliado, sin premeditación...

“¿Cómo te atreves a tocar a la reina así?”, gritaba Ana de Gran Bretaña, la última de los Estuardo, antes de poner de rodillas a su nueva favorita para que cumpliera con un servicio recurrente. La monarca querría perderse en los interminables pasillos de esa pecera en la que Lanthimos convierte a Hatfield House, desproporcionada y asfixiante, y buscaría olvidar aquello de que se estaba librando una guerra. Junto a la favorita de turno, siempre dispuesta a endulzar las miserias, y a la luz de unas velas a lo ‘Barry Lyndon’, veríamos que lo divino y lo humano se fundían en un abrazo ardiente y barroco. “-La despedirás. -No quiero hacerlo, me gusta cuando mete su lengua dentro de mí”…

En 'Ragtime', la Nueva York de principios del siglo XX se antoja áspera, incontrolable. Es la historia de cómo pasar a la acción cuando la paciencia llega a un límite, cuando la injusticia atenaza una existencia. Milos Forman dibuja varias vidas amarradas a una jungla de asfalto –de vedettes seducidas por el color del dinero, de migrantes rusos abrazados a la prosperidad– que acaban confluyendo en la cruzada imposible de un músico negro, Walken Coalhouse (Howard E. Rollins), figura reivindicativa en una sociedad racista que sólo se conmueve ante la violencia. «Prisioneros de un época», se dijo para definir la andadura vital de estos personajes, como si el discurso de Coalhouse no tuviera aplicación hoy. Pero bien que nos vendría en estos tiempos de cobardía y falta de compromiso.