Daniel Monzón es un habitual del festival de Sitges. Un director curtido con una extensa y sólida filmografía que regresa de visitar Toronto y Venecia con su “Celda 211” bajo el brazo y que ha dejado una estela de aplausos y ovaciones. Pero comenta que es en España donde se valorarán todos los flancos conceptuales y narrativos de su película aunque hable de temas universales. Junto con el brazo derecho de Alex de la Iglesia Jorge Guerrikoechevarría (“Los crímenes de Oxford”, “El día de la Bestia”, “Crimen ferpecto”, etc), Daniel ha seguido la historia de un motín en una cárcel de Zaragoza. Un filme enjaulado en el que la espuma va subiendo con el drama, la tensión, la acción y uno, agarrado a los brazos de la butaca, se caga en la ostia apretando los dientes y preguntándose de qué forma puede acabar todo. Respaldado por un catálogo de personajes apoyado por las mejores interpretaciones de nuestro cine en años, Lluis Tosar, Marta Etura, Antonio Resines y el novel Alberto Amann (¡vaya desvirgue que ha tenido el chaval después de hacer teatro!). Esto huele a goya(s), amigos. Y además, es un manual en práctica para “el buen guionista”; situaciones retorcidas, personajes en contraste, injusticias, contradicciones que hacen partícipe al espectador, ironías mortíferas y, sobre todo, un recorrido con el protagonista que comienza siendo un buen chico y que, por las circunstancias en las que se inmiscuye, acaba haciendo aquello de lo que renegaba. Joder, habiendo tenido en nuestras carteleras “Pagafantas”, comedia, “[REC]2”, terror adrenalínico, y “Celda 211”, drama monstruoso, a ver quién leches se atreve a cuestionar a la industria nacional, ¡y mucho menos a sus guionistas!

Una historia épica del escritor de Conan (Robert E. Howard) que, con el aspecto de una tv-movie currada y unos alucinantes efectos especiales, no sorprende sino por el continuo ejercicio de búsqueda de “referencias” durante su visionado (“Van Helsing” o “El señor de los anillos” están excesivamente presentes). Estupendas escenas de acción, un antihéroe carismático y un catálogo de imágenes inolvidables. Muy de agradecer la falta de trama amorosa.

Para los que no hayáis visto este clásico del horror nacional, Una vela para el diablo (Eugenio Martín, 1973) cuenta la historia de dos hermanas que regentan una pensión para viajeros en un pequeño pueblo de una sierra que podría estar en cualquier parte de España.

Dos hermanas muy peculiares con mucho pudor, mucha casta, y demasiado sentido de la “justicia”. Dos hermanas, que bien podrían ser todas las mujeres de la España de la transición (juventud perdida, identidad sexual enterrada, miedo al progreso, envidia al extranjero).

Tuvimos el privilegio de visionar una copia en 35 mm. (el único celuloide que hemos olido en toda la edición) con la presencia de Lone Flemming y el mismísimo director Eugenio Martín, que presentaron la cinta y se sentaron con nosotros a revisionarla.

Una vela para el diablo es un clásico mayúsculo por su uso del subtexto y de simbolismos a niveles alucinantes. Es una obra malsana, cargada de perversiones latentes pero nada explícitas. Cada vez que aparecen las dos protagonistas hay un tufo a cerrao, a casa del pueblo de la abuela que lleva años sin abrirse. Mucho de eso es mérito de una gran dirección: con un tempo hipnotizante, pausado, que provoca esa pesadez de estómago característica de la hora de la siesta. Pero, para mí, el principal mérito es de la sencillez y del original guión (escrito por el propio director y Antonio Fos).

Víctima del doctor Frankenstein, Carlos Gardel ha visto su tango “Volver” despiezado estrofa a estrofa en más de un título cinematográfico. El más representativo: la homónima “Volver” de Pedrito. Pero, sólo un año antes, febril la mirada, “Veinte años no es nada” del gironés Joaquim Jordá.
Primero fue “Numax presenta...”, un documental-testimonio de la heroica autogestión en una fábrica de electrodomésticos por parte de una serie de obreros de la antigua escuela. Dos décadas después, tarareando a Gardel, retomamos sus vidas. El idealismo y la utopía están ahora cobrando el paro.
Michael Apted realizó un experimento similar con su serie de documentales “The Up series”, en la que seguía desde los 7 hasta los 49 años a ingleses de diferentes clases sociales para demostrar que la condición social inicial es determinante en el crecimiento. Claro que del retrato personal de cada uno se extrapola la propia Historia del país en cuestión. Así, saltamos de la España de la transición al actual Estado del bienestar en una elipsis no filmada y, con la lectura de los últimos testimonios, completamos este proceso de metamorfosis único.
La capa que nos informa de la “secuela” narrativa del proceso Numax se queda en algo anecdótico. Lo verdaderamente importante es analizar el contraste, o no, entre los posicionamientos ideológicos de cada personaje, antes y después. Unos, como la montañesa, cumplen a rajatabla sus deseos y otros, como la propietaria de la cafetería, caen en la inercia del día a día. Es un estudio completo sobre la fuerza de los sueños y la inocencia de la juventud, desde la perspectiva del privilegiado que sabe el final.
Es curioso cómo la mayoría de las conversaciones entre los personajes está rodada en movimiento: trenes, autobuses, caminando, en coche, etc. ¿Sería la intención del autor movernos a través del eje cronológico que enlaza ambas cintas?
El grupo de trabajadores que luchó por tanto, acaba cediendo, se fragmenta como un puzzle que en su unidad no encontró más que un dibujo infantil. De esto se proyecta una de las conclusiones principales de la película: lo colectivo ha perdido importancia con el tiempo, ahora se es individualista. La generosidad da paso al egoísmo.
El celuloide mutó a vídeo.

Pequeña producción irlandesa de horror cósmico con la que nos lo hemos pasado pipa. Genial su tratamiento realista de los ritos cabalísticos y la batalla continua entre sus dos protagonistas. Tiene varios momentos de terror muy potentes y es, seguramente, el título más “lovecraftiano” de los vistos en esta edición.

Una pena su desenlace, que le juega a la contra al resto de la peli por ir en dirección opuesta al tono planteado y a la coherencia de los personajes.