Película pesimista y sin concesiones que retrata a una serie de personajes que sobreviven en los bajos fondos como pueden valiéndose de la prostitución o de comerciar con transfusiones de sangre.

El título de la película alude muy probablemente no sólo a Japón (el imperio del sol) sino también a esa generación de jóvenes conocida por entonces como la Tribu del Sol. Esos jóvenes que por aquella época se rebelaban contra los adultos y contra el Japón tradicional que sus padres intentaron inculcarles, un Japón (el Japón de Ozu) que cada vez parecía más arcaico y próximo a irse convirtiendo en una reliquia del pasado.

Así pues asistimos al entierro de un país y de una generación nihilista y perdida, que se encontró sin valores en los que creer ni un objetivo claro. Al final solo queda lo que vemos aquí, una serie de jóvenes aturdidos que se dedican a delinquir sin límites y a matarse entre ellos.

Harold Lloyd fue, junto a Oliver y Hardy, el cómico de slapstick que dio con más facilidad el salto al sonoro. De hecho, a diferencia de Chaplin, no solo no rechazó el invento sino que lo abrazó al instante dejándose incluso una gran cantidad de dinero en esta apuesta. Estaba a mitad del rodaje de "¡Qué fenomeno!" cuando el volumen de films sonoros empezó a ser demasiado elevado como para ignorarlo, así que decidió convertir la película en un talkie aún a costa de volver a rodar muchas escenas y doblar otras. La película sería uno de los mayores éxitos de taquilla de su carrera, de hecho sería su último gran éxito ya que a partir de aquí su carrera empezó a decaer.

Vista hoy día, se nota en varias escenas que "¡Qué fenómeno!" era originalmente un film mudo, de hecho el doblaje es en ocasiones bastante evidente. Por ejemplo, el personaje del policía (el inseparable Noah Young, un rostro recurrente en los films de Lloyd) resulta cuanto menos grotesco, ya que lo interpreta de forma claramente muda (con esas expresiones tan exageradas) y es doblado con un tono de voz excesivamente bobalicón.

Aparte de eso, el film es lamentablemente el largometraje más flojo hecho por Lloyd hasta la fecha y de hecho algunos de sus posteriores talkies ("Ay que me caigo" o "La vía láctea") son superiores. No hay apenas grandes gags y el ritmo es algo desigual para las dos horas de duración, aparte de que la historia no acaba de cuajar (chinos malos, un niño inválido que necesita ser operado, Lloyd obsesionado con recoger huellas dactilares... una combinación extraña).

Eso no quita que sea una obra agradable de ver y con algunos momentos a destacar. Yo diría dos: la forma como plantea el encuentro con la chica usando una fotografía, muy original, y la escena en que se quedan a oscuras a ratos mientras investigan en la guarida de los delincuentes, donde se sirve únicamente del sonido (puede parecer una tontería, pero para ser un actor de cine mudo incluir gags de este tipo en su primer talkie tiene mucho mérito).

Bien, pero solo para fanáticos de Lloyd.

Primera gran película de Chaplin donde se nota que el tipo en cuestión estaba convirtiéndose en un gran cineasta y no solo en un gran cómico. Aún no es tan redonda como algunas de sus obras posteriores, pero es irreprochable.

Chaplin se conocía ya de sobras el truco para cautivar a la audiencia, combinar risas con momentos terriblemente emotivos, y aquí lo explota a conciencia. No me apasiona la idea de un niño huérfano ni tampoco los actores infantiles en general, pero aún así me cautivó desde el inicio pese a ese estilo tan de melodrama dickensiano (la madre queriendo recuperar a su hijo perdido, el huérfano huyendo del orfanato...).

A destacar la impresionante escena onírica, para mí lo mejor del film, la escena en que Chaplin demuestra definitivamente que le interesaba hacer algo más que filmar simples gags.

La crítica en los últimos años se llena mucho la boca hablando de la postmodernidad y de esos sesudos autores que basan sus films en el continuo homenaje o reinterpretación de obras previas. Se ha hablado mucho de la muerte de la narrativa clásica convencional y de la necesidad de buscar nuevas vías de expresión. Se ha elogiado continuamente a Jean-Luc Godard por su megalómano proyecto "Histoire(s) du Cinema" formado por una recopilación de fragmentos de diversos films y citas que dialogan entre sí. Se ha hablado de todo esto durante décadas como si fuera algo nuevo, un camino inexplorado por recorrer, cuando no era así. Afortunadamente, la arqueología cinematográfica nos permite rescatar viejas obras de culto que habían quedado sepultadas en el olvido, y es por eso que a día de hoy podemos entender "Dünyayi kurtaran adam" como lo que realmente es: una de las películas más vanguardistas y adelantadas a su tiempo de la historia.

La propuesta del director Çetin Inanç no podría ser más apasionante: una crítica al comercialismo hollywoodiense mediante un remake libre de "Star Wars" compuesto por material propio, así como imágenes prácticamente al azar de la película de Lucas. ¡Habría que esperar años hasta que Godard empezara su "Histoire(s) du cinema" creando un collage de películas ya existentes y teniendo el mal gusto de adjudicarse el mérito sin siquiera citar su obra de referencia! "Dünyayi kurtaran adam" se le adelantó por su innovador uso del metraje existente, insertando fragmentos del film original prácticamente al azar y sin ninguna lógica narrativa, buscando sin duda crear esos diálogos entre películas que Godard intentó crear pedantemente entre planos suyos aporreando una máquina de escribir y pronunciando frases al azar.

Aquellos que quieran ver en "Dünyayi kurtaran adam" una simple parodia o una paupérrima versión del Star Wars americano no han captado el mensaje. Se trata de auténtico cine de guerrilla, una película que busca sabotear el cine dentro del cine hasta unos niveles a los que nadie se había atrevido a llegar.
En ese sentido el tramo final es absolutamente épico y espectacular. En los últimos minutos de film Çetin Inanç se desata por completo y decide mandar a la porra cualquier noción de lógica o narrativa (y luego el público alaba a un sobrevalorado David Lynch que no se atreve a llegar ni la mitad de lejos que Inanç); no solo saltándose todos los raccords que puede en el mínimo tiempo posible (algo simbolizado por los continuos saltos que realiza el protagonista durante todo el metraje) sino además haciendo aparecer todo los personajes que se le ocurren, sin importar de dónde vienen o si estaban ya muertos; haciendo explotar todo lo que ve (¡está literalmente "haciendo explotar" el cine tal y como lo entendemos!), e insertando fragmentos cada vez más incoherentes del "Star Wars" original y de otras bandas sonoras. Es un espectáculo desoladoramente bello.

(sigue abajo)

Magnífica película de Maurice Tourneur que hará las delicias de los interesados en el cine mudo.

Si por algo destaca "El Pájaro Azul" es por su impresionante imaginería visual, por esa cuidadísima recreación de los mundos fantásticos que exploran los dos niños protagonistas en busca del pájaro azul que da título a la película. Tourneur debió ser uno de los primeros directores en hacer pura poesía visual con el cine, y es que aquí el director de origen francés se recrea por completo en las posibilidades del medio dándole una estética de cuento de hadas deliciosa.

La historia no es gran cosa y quizás algunas metáforas son demasiado obvias, pero no hay que olvidar que se trata de un cuento. Lo principal no es el desarrollo del argumento sino dejarse llevar por la magia que desprende cada plano de la película y disfrutar de la conmovedora belleza de la historia.