"Cyrus" pertenece a aquel tipo de películas de las cuales te esperas otra cosa. Todo su envoltorio (trailer, cartel, sipnosis y la presencia de Jonah Hill en su reparto) hace pensar que nos vamos a encontrar con la típica comedia independiente que te va a dar unos cuantos gags algo conseguidos pero de la que no puedes esperar gran cosa más. La primera escena parece confirmar todas las sospechas, e incluso la escena siguiente reafirma la línea pero hay algo ya en esa fiesta que induce a pensar que la película va a tomar otros felices derroteros. Primeramente hay que advertir que "Cyrus" posee una serie de personajes más sólidos que los que acostumbran a pulular por este tipo de producciones. Aquí no se trata de apelar al chiste fácil y amenizarlo todo con cancioncitas de pop de autor. "Cyrus" va mucho más allá y apoyado en la espléndida interpretación de John C. Reilly, que carga con uno de los personajes más íntegros que uno ha tenido el placer de contemplar últimamente, destripa una relación a tres bandas en la cual salen a la superficia todas las miserias amorosas y sentimentales que marcan el devenir del ser humano de nuestra era. Desde los celos hacia la nueva pareja de tu ex, al miedo a la soledad y al daño emocional pasando el sentimiento de pertenencia madre-hijo. Los hermanos Duplass abordan la historia desde el convencimiento del que sabe lo que quiere contar y cómo lo quiere contar, haciendo un ejercicio de condensación narrativa en un ajustado metraje al que solo le falta algo más de intensidad dramática en algunos momentos y algo más de protagonismo por parte de una Marisa Tomei a la que se la encuentra algo desubicada. En todo caso una agradable sorpresa de dos directores a tener en cuenta que han sabido tratar al espectador como adulto alejándose de tópicos y de rasgos de género anquilosados,construyendo una historia que empieza como una comedia y acaba adquiriendo trazos mucho más dramáticos, y que culmina en una escena final de mágico sabor agridulce.

Lo mejor: John C. Reilly.

Lo peor: que la gente entre convencida de que va a ver una comedia sin más.

Estamos ante una película difícil de ver. Diría que incluso desagradable. En esta guerra no hay héroes, no hay honor ni gloria, no hay épica ni victoria. Al contrario, el director Robert Schwentke nos muestra el lado más oscuro del ser humano. El hambre, la desolación, la mentira, la traición, la tortura, el dolor, la crueldad, la muerte como resultado de la miseria humana. No encontraremos en su argumento ni un solo aspecto positivo, nada que nos alivie, a excepción de algún recurso estilístico, deudor sin duda de esa “lista de Schindler”, que aunque sin pretenderlo, revoletea en la historia, impregnada en la fotografía en blanco y negro de Florian Ballhaus. “El capitán” es una película que no engaña a nadie, una continúa huída hacia adelante que pone en evidencia el poder de los símbolos (espectacular, en este aspecto, el cambio que sufre el soldado protagonista con su nuevo uniforme, definido en el inspirado plano del espejo retrovisor) y la sinrazón de un conflicto que convierte a los hombres en meras alimañas. Un relato áspero al que su condición de estar basado en la realidad lo hace si cabe más perverso. Si acaso se advierte una leve indefinición narrativa que puede descolocar al espectador en algunos momentos, pero con sus virtudes y sus defectos, nadie podrá negar, una vez vista, que ha asistido a una de aquellas sesiones cinematográficas de las que revuelven conciencias y estómagos.

Lo mejor: su absoluta falta de concesiones.

Lo peor: narrativamente hablando se muestra irregular.

La última película de Santiago Mitre nos ofrece dos líneas argumentales. Por un lado tenemos la parte política sobre la que se asienta el relato, y por otro la intriga familiar establecida en la relación padre-hija. Antes que nada, hay que decir que la primera se presenta más interesante, aunque también más previsible y convencional. En cuanto a la segunda, si bien aleja al film del esquematismo retórico, no puede quitarse de encima cierta sensación de postizo, como si Mitre quisiera distraernos cual trilero de lo que realmente nos ha venido a contar.

No obstante, el director argentino cuida al detalle su película. El diseño de producción es espectacular, el reparto soberbio y el marco donde se desarrolla la acción, con ese hotel rodeado de montañas nevadas, le da a la película un tono intrigante que llega a incomodar. El problema es que Mitre va dejando por el camino demasiados cabos sueltos que en realidad no conducen a nada. Y el aspecto de denuncia es tan obvio, que la película parece realmente ir dos pasos por detrás de la realidad cotidiana. Sin encontrar en ningún momento las piezas que ajusten su mecanismo defectuoso, “La cordillera” acaba perdiéndose en su propia indefinición, dejando un regusto a vacío . Aunque siempre nos quedará el placer de reencontrarnos con Ricardo Darín, que no es poca cosa.

Lo mejor: Darín y Fonsi en el telesférico.

Lo peor: la falta de cohesión del conjunto.

No me parece nada extraño que “Bienvenidos al norte” haya batido records de recaudación en su país de origen, Francia, pues la película de Dany Boon tiene todos los ingredientes que caracterizan a las mejores comedias. Unos personajes entrañables y bien definidos, con los que el espectador se puede identificar fácilmente, una historia que no por previsible en muchos momentos deja de ser agradable y efectiva y pizcas de “slapstick”, comedia costumbrista y gotas de romanticismo hacen del film un producto de aquellos que salen de vez en cuando y que es apropiado para todo tipo de público. Diríamos que Dany Boon parece inspirado por la misma musa que en su día ayudó a Roberto Benigni a crear “La vida es bella”, película con la que “Bienvenidos al norte” comparte no pocas cosas. Sobre todo ese mensaje optimista, de superación de todas las dificultades que la vida va poniendo en nuestro camino, de la lucha al fin y al cabo por ser feliz sea cual sea el entorno en el que nos ha tocado vivir.

El problema que puede presentar esta película es su carácter eminentemente local, que juega constantemente con referencias al estilo de vida de la gente del norte de Francia y en concreto a su lenguaje, con lo cual es muy recomendable verla si es posible en versión original para intentar no perder ninguno de los matices en los que se apoyan algunos de sus mejores gags y disfrutar plenamente de la divertida actuación de Kad Merad y Dany Boon, su pareja protagonista, símbolo de la amistad y el buen rollo que preside todo el film y cuya mejor muestra es la serie de tomas falsas que acompañan los títulos de credito finales del film.


Lo mejor: no baja el tono en ningún momento.

Lo peor: que el doblaje seguramente la hará perder gran parte de su atractivo.

Realmente ha estado acertado Alberto Rodríguez en su nueva propuesta. Tanto a la hora de tocar un tema no demasiado frecuente en el cine español como en la manera de tratarlo. “After” es todo un canto nostálgico a una juventud que como mucho para algunos es ya solo un bonito recuerdo, un paraíso perdido al que es inútil intentar volver pues el viaje de regreso es un aterrizaje forzoso a la cruda realidad de una vida vacía. Mediante tres personajes con los cuales seguro que muchos de los que estamos rondando los cuarenta nos podemos sentir identificados, interpretados con solvencia por el trio protagonista (a destacar un grandioso Guillermo Toledo), Alberto Rodríguez construye un drama sobre la decadencia de una generación que se niega a madurar y que no acaba de encontrar su sitio en una sociedad que definitivamente les viene grande. Refugiados en el mundo de la noche, asistimos a la caída desesperada de unos personajes, retratados con cariño pero sin benevolencia, que intentan esconder en el abuso de las drogas y el alcohol una vida estancada ya sea en forma de matrimonio rutinario con hijo problemático, de trabajo insatisfactorio o de incapacidad para establecer una relación o dar afecto ni siquiera a un perro abandonado.

Se le puede reprochar a Alberto Rodríguez una cierta tendencia repetitiva a la hora de desarrollar la historia mediante los diferentes puntos de vista de los tres protagonistas, así como la concreción de alguna de las historias que deja más cabos sueltos de los deseados pero lo cierto es que el director sevillano logra un resultado aceptable y el retrato generacional que propone es más que convincente. Sin titubeos ni pretensiones discursivas , logra entrar en el alma de a los que solo les quedan las ganas de llorar.

Lo mejor: el tono desangelado que impregna la historia.

Lo peor: algunas subtramas prescindibles y mal desarrolladas.