En su debut ‘Gone Baby Gone’, Ben Affleck nos dejó bien claro, que posee talento para contar historias detrás de las cámaras. Un emocionante thriller, en el que la niña de una drogadicta (interpretada por Amy Ryan con una impresionante actuación) es secuestrada en uno de los suburbios más sombríos de Boston.

Es, una vez más, en esta ciudad donde se desarrolla la nueva historia de Affleck, en la que una banda de ladrones se dedica al atraco de camiones y sucursales bancarias; pero con una peculiaridad, van disfrazados. Les pisa los talones un agente de la FBI que es incapaz de atrapar al jefe de la banda (Ben Affleck). Aquí, Affleck, pone en evidencia al sistema policial americano. Doug terminará enamorándose de la manager del banco que atracaron.

Vibrante y entretenida cinta de acción, en la que Affleck toma como fuente de inspiración la película ‘Heat’ de Michael Mann, sin llegarse a comparar con el magistral cara a cara entre Al Pacino y Robert De Niro.

Lo mejor: Jeremy Renner y su dramática relación de amistad con Doug.

Lo peor: Su enmascarada historia de amor, que no seduce.

Un médico ha sido asesinado en su domicilio, y las culpas recaen sobre dos hermanas gemelas, Terry y Ruth Collins, que parecían estar relacionadas sentimentalmente con la víctima. Pero ¿cuál de ellas lo hizo? Un psicoanalista atraído por las gemelas y un inspector de policía se encargarán de resolver el difícil caso.

Extraordinaria, intrigante e interesante cinta de cine negro perteneciente a la llamada "corriente psicoanalítica" de los años 40, basada en una historia de Vladimir Pozner y dirigida por todo un exponente del género como es Robert Siodmak. 85 minutos del mejor suspense e intriga, que son esculpidos con moderadas dosis de romanticismo y asequibles gotas de psicoanálisis. El suspense está más que servido, gracias a la doble interpretación de una soberbia Olivia de Havilland. Un filme de atmósfera claustrofóbica, donde las luces y sombras de la psique son diseccionadas por un auténtico especialista en el género. No se la pierda.

Un plano nocturno de una calle de Los Ángeles en la que podemos ver una pancarta publicitaria totalmente en blanco, esperando su anunciante, para que todas las miradas de los transeúntes terminen posándose en ella, así da comienzo la afilada e inquietante Nightcrawler del hasta ahora guionista Dan Gilroy, hermano menor de Tony, director de Michael Clayton. Un estimulante debut con claros ecos a El gran carnaval de Billy Wilder que se trata de una hiriente crítica a esos buitres que como Lou Bloom salen por la noche en busca de carne fresca, al mismo tiempo es una ácida sátira sobre el periodismo criminalista de hoy. Bloom es una visión actualizada del personaje de Travis Bickle de Taxi Driver, un personaje solitario, cuya miseria es alimentada espiritualmente por la televisón y el ordenador, marcado por el pasado «aunque aquí estemos tratando con un auténtico demente». Un brillante Jake Gyllenhaal pone rostro demente a este apasionante personaje, que fascina y que provoca empatía y rechazo a partes iguales, un sociópata del siglo XXI que vive, o mejor dicho, sobrevive gracias a la carroña que deja la sociedad actual. Bloom, al igual que su plantita, riega cada día su demencia con horror cotidiano: accidentes de coche, tiroteos, asesinatos.

Nightcrawler es, sin duda, una de las propuestas más impactantes del año que consiguen crear una perturbada atmófera y una inusual incomodidad mental, y logra extremar tanto el periodismo que alcanza un nivel visual y narrativo nunca visto en el cine.

Las posibilidades del éxito son infinitas, el sueño americano está al alcance de cualquier mediocre mentiroso y demagogo. Hoy día el que no consigue lo que quiere, es porque no quiere. Por desgracia, el mundo está lleno de Lou Blooms.

No seré yo el primero en decir que pocas «tan pocas que se pueden contar con los dedos de una mano» adaptaciones de un videojuego han alcanzado el éxito. Una de ellas «por mencionar una» es la simpática ¡Rompe Ralph!, la cual rinde un más que digno homenaje al mundo de los videojuegos, sobre todo, los arcade. Ahora llega a nuestras pantallas Angry Birds, la película, una sosa y fallida aventura carente de chispa, que así como conseguirá divertir al público infantil, al público adulto no le hará gracia ni lo más mínimo.

Antes de nada muestro mi más sincero respeto al doblaje en otros idiomas, sobre todo en castellano «aunque en algunas ocasiones éste no haga justicia», pero en este caso y aunque sea una opción respetable, las voces de Santiago Segura (Red), de José Mota (Chuck) y ni siquiera la del mismísimo Álex de la Iglesia (Leonardo) «cuya voz se le echa tanto en falta, que hasta ahora sólo recordaba que hubiera hecho una breve intervención en la genial Los increíbles» logran insuflar algo de vidilla y salero a esta insustancial adaptación del videojuego.

La fórmula del dinamismo funciona solo al principio, que consigue que todo se vuelva más digerible, pero cuando el espectador se acostumbra a ella ésta se agota con notable rapidez. Angry Birds, la película ofrece lo que demandan los más pequeños: golpes, porrazos, caídas y mucha verborrea gamberra y algo atrevida, pero eso sí, sin saltarse nunca lo inofensivo y el lenguaje moderado. Recomendable para el público que se conforma con poco.

J.A. Bayona hace lo imposible, porque no es fácil adaptar la novela del mismo título de Patrick Ness, pero claro, hay que restarle algo de dificultad «por no decir toda» cuando nos damos cuenta de que es el propio autor el encargado del guion. Un cuento infantil que mezcla perfectamente melodrama y fantasía. Un monstruo viene a verme habla sobre la muerte, la niñez, el matonismo escolar, la dura realidad y la incompresible imaginación. Trata de un niño que es demasiado mayor para ser un niño y demasiado joven para ser adulto. Un niño como cualquier otro, con sus miedos y sus atrevimientos, su realidad y la indeseable realidad que no quiere ver, sus actos de locura y de cordura, su mentira y su verdad. Un niño que para evadirse de la realidad usa la imaginación como válvula de escape de una ficción terrible, inevitable, pero terapéutica: crea un monstruo que representa su rabia, pero capaz de abrirle los ojos y ver que la impotencia y la culpabilidad son los causantes de su estado psicológico. Decir la verdad es un indicio de estar pasando a esa fase del ser humano en la que sus propios miedos se le aparecen en forma de Groot gigante.

En un momento, el niño traza sobre un papel en blanco un rectángulo inacabado, que el cerebro del espectador termina cerrándolo. Simboliza así una etapa que se cierra. Se trata de un límite o de una puerta de acceso. La línea delimita el umbral que separa el mundo real del imaginario.

Bayona realiza una película bellamente dolorosa y visualmente excesiva, con una narración asombrosa, que juega con la realidad y la ficción de manera que el espectador sabe en todo momento en cuál está. Una impresionante puesta en escena, unas preciosas ilustraciones, unos irreprochables efectos especiales y una cuidada ambientación «el tratamiento de la luz y los ambientes son una maravilla».

Un monstruo viene a verme no es sensiblera. Es una fascinante e inolvidable obra de arte capaz de tocar la fibra sensible a cualquiera, una película que logra crear un lugar donde la espectacularidad dota de alma a lo supuestamente intrascendente. Una conmovedora demostración de que el cine sana.