Largometraje polaco centrado en Eo, un burrito que “trabaja” en un circo presentándose en su espectáculo al lado de su cuidadora Kasandra (Sandra Drzymalska), al llegar a una nueva ciudad las autoridades lo decomisan de acuerdo a las nuevas políticas de prohibir que haya animales en exhibiciones de este tipo.

A partir de ese momento comienza el periplo de Eo, que lo lleva por una variedad de escenarios topándose en el camino una gran variedad de situaciones y personajes variopintos, en toda su travesía encontrara personas que le ayudarán y otras no tanto, mientras va divagando ¿en la búsqueda de su cuidadora?

Luego de siete años de su último largometraje, el experimentado Jerzy Skolimowski presenta esta hermosa y triste película, donde comparte guion con Eva Piaskowska, presentando una obra de escasos diálogos, cosa que no es de extrañar cuando el protagonista es un burro, donde se tiene un enorme poderío visual.

Para Skolimowski la imagen es el medio para comunicar al espectador con Eo y hacer que se siente empatía por lo que este va viviendo, utilizando el ingenio, cambiando el enfoque de la imagen, en un gran trabajo del director de fotografía Michal Dymek, que además filman constantemente en la hora mágica (amaneceres o atardeceres), lo cual deja varias postales para el recuerdo.

Obra sencilla pero realizada de forma excelsa y que deja claro que cuando hay talento se sabe explotar los recursos para contar una historia, parte del legado que dejará Skolimowski, uno de los referentes de la generación de los sesentas denominada Tercer cine polaco, término que se les dio a los cineastas que crecieron en el contexto pos Segunda Guerra Mundial.

Haider (Ali Junejo) está casado con Mumtaz (Rasti Farooq), ha estado desempleado durante largo tiempo mientras su esposa trabaja, Aman (Salmaan Peerzada) su anciano padre vive un tanto desilusionado por esta situación y porque la pareja aun no ha concebido un hijo, mientras su hermano Saleem (Sohail Saber) ya va por cuatro hijas.

El protagonista logra encontrar trabajo como bailarín en un teatro erótico, a pesar de no serlo decide esforzarse por cumplir, en este lugar coincide con Biba (Alina Khan), una artista transexual que está preparando un espectáculo, ella será la persona que lo contrata y con quién comienza a tener una aventura.

Primer largometraje para el director pakistaní Saim Sadiq, que escribió el guion en conjunto con la estadounidense Maggie Briggs, una historia donde aunque parece que el protagonista es Haider, su pareja es igual de importante para la trama, su vida está sumida en una cultura con particularidades que le impiden desarrollarse como persona.

El peso de la pareja por tener hijos, y varones, es cada vez más grande, además de la situación laboral, donde Mumtaz hace lo posible por seguir trabajando para valerse por sí misma, mientras es presionada por una sociedad que dice que la mujer debe estar en casa luego de contraer matrimonio y cuidando a los hijos.

De esta forma, Sadiq desarrolla su filme, mientras desde la perspectiva de Haider se observa como se va involucrando con Biba, entendiendo también el contexto de la familia y del lugar donde se encuentran no es del todo abierto, el realizador logra manejar de forma acertada los hilos narrativos explorando incluso algún detalle más, por ejemplo con Aman y la vecina.

Joyland sirve para que el director explore esas particularidades represivas en la sociedad de su país, las expone y crítica pero sin caer tampoco en lo panfletario, además que la historia está muy bien contada y se sostiene bien, siendo el final bastante fuerte, para dejar finalmente una obra donde se anhela la libertad en sus múltiples formas.

El Diablo (Stig Järrel) tiene un ojo inflamado y todo parece indicar que es un orzuelo provocado por la castidad de la joven Britt-Marie (Bibi Andersson), ante esto e impulsado por sus dos mejores asesores, opta por enviar a la Tierra a Don Juan (Jarl Kulle), un galante joven de mirada seductora que se encuentra pagando penitencia en el infierno.

El plan es que este logre seducir a Britt-Marie y hacer que caiga en pecado, Don Juan pide lo acompañe su asistente Pablo (Sture Lagerwall), alivio cómico con el que emprende la misión, así mismo, Satanás desconfiado envía a la tierra a su mejor demonio (Allan Edwall) para que les de seguimiento y no se desvíen del trabajo.

Djävulens öga fue escrita por Ingmar Bergman, un filme de corte cómico que aun hoy en día tiene una comedia incisiva muy acertada, a pesar de que no fue una obra bien apreciada por su realizador, además ofrece al espectador algunas ideas respecto a la religión así como la concepción de Dios, el diablo, el cielo y el infierno siempre tan latentes en la filmografía del maestro sueco.

Además de lo divertida, la contextualización que se hace del infierno y sus personajes deslumbra en inventiva, es sencilla pero efectiva y nada terrorífica, presentando a sus personajes con una moda victoriana despampanante, así mismo, la naturalidad como se presenta la penitencia y por ende sufrimiento de don Juan, todo de forma muy fluida y orgánica.

Película sencilla y atractiva donde como es de esperarse, todo sale mal o al revés en la misión de este par en la Tierra.

Una de las tantas obras cumbre del expresionismo alemán que tuvo especial auge durante la década de los 20 del siglo pasado, para Murnau, Nosferatu es una de sus principales obras y por la cual es más reconocido, el filme cuenta con guion de Henrik Galeen y como es conocido es una adaptación no autorizada de Dracula (1897) de Bram Stoker.

La película se centra en Hutter (Gustav von Wangenheim), un joven que movido por la ambición y el impulso del misterioso agente de bienes raíces Knock (Alexander Granach), se dirige a los Cárpatos para venderle una casa al conde Orlok (Max Schreck), un misterioso personaje que vive en un castillo y que llevará la peste y la muerte a la ciudad de Wisborg.

Una obra con más de cien años que ha alcanzado un gran culto a su alrededor, donde Murnau explota al máximo los recursos disponibles, con una filmación sombría donde sin duda lo mejor es la caracterización del personaje de Orlok, o Nosferatu, con el cuerpo fino y delgado de Schreck, además del trabajo de maquillaje y prótesis.

Siempre al ver un largometraje de esta época, silente, en blanco y negro, hay que contextualizarse en el momento, pensar en las actuaciones y como se actuaba en ese entonces, no se puede pretender otra forma, además de lo expresivos que debían ser en los filmes mudos, ni que decir algunos momentos que en este momento pueden ser señalados como “inocentadas” dentro de la trama.

Aun con esos detalles, Murnau y su Nosferatu deja momentos desesperanzadores y algunas secuencias que claramente se quedan en la mente del espectador, no tanto por temor pero si por el poderío visual que estas dejan, prácticamente todas donde aparece Orlok. De visión obligatoria para cinéfilos.

Miniserie de seis capítulos distribuida por Netflix, creada y dirigida por Nicolas Winding Refn, realizador danés que ya había trabajado con este formato con la miniserie Too Old to Die Young (2019), Refn ha afianzado un estilo muy particular que no dejará a nadie impávido, desde el aspecto visual, pasando por las historias que cuenta y cómo las cuenta y las actuaciones de su elenco.

Copenhagen Cowboy cuenta con guion trabajado por Sara Jønsson, Johanne Algren y Mona Masri, el trío de mujeres laboran los episodios en ocasiones solas y en otras acompañadas, aunque la serie fue creada por el realizador y ahí es donde deja su marca, con personajes que aparecen uno cada vez más despreciable que el anterior, en un contexto criminal y moralmente caído.

La serie tiene como protagonista a Miu (Angela Bundalovic), una chica pequeña, con el cabello corto y delgada, que se muestra frágil ante la cámara, su rostro es limpio y su mirada penetrante, detrás de esa imagen se esconde una gran fuerza, Miu es una especie de heroína con poderes psíquicos, que también puede enfrentarse mano a mano con cualquiera tipo en una pelea aunque le doble la estatura o le triplique el peso.

Ella recorrerá un oscuro Copenhagen en la búsqueda de venganza, un espacio que la trama la llena de sucios traficantes y proxenetas, como se hizo mención anteriormente, cada personaje que aparece en escena parece más despreciable que el anterior, son seres ofensivos y detestables, por eso no es complicado ponerse del lado de la protagonista, ante un contexto tan agreste, y claro, ella tiene las armas con que hacerle frente.

La serie se desarrolla con un ritmo calmo, parte de la marca de este realizador, que no corre prisas, un ritmo que puede ser aburrido para una parte del espectador, acompaña esto con un poderío visual y con esa onda neón que sabe manejar también, a esto se le suma la música de colaboradores constantes tanto en etapas iniciales de su trabajo como más actuales: Cliff Martínez, Peter Kyed, Peter Peter y Julian Winding.

Una excelente selección musical, que se acompaña también de buena forma con algunos sonidos estridentes que se van utilizando, incluso con las propias peleas, alejándose de sonidos de golpes y demás cambiándolos por otros, como ocurre en la pelea de Miu contra Chiang (Jason Hendil-Forssell), formula que puede resultar algo anti-climática y sosa, como en general se ven las peleas.

Copenhagen Cowboy es una serie para personas que ya se hayan acercado a la obra de Winding Refn, o bien, aquellos con la mente bastante abierta para ver algo diferente, porque se está ante un thriller criminal pero realizado con aspectos muy alejados de los convencionalismos que estos géneros pueden traer consigo, eso sí, se construye una protagonista fuerte con un contexto amplio y con un final abierto, Refn confirma que ya tiene escrita la segunda temporada.