Al leer su argumento, siente uno curiosidad por ver este film y cómo está hecho. Las críticas dejadas por los usuarios de Filmaffinity no dejan lugar a dudas. Todo es cierto.
No esperen una maravilla de arte. Cercana al documental, a veces su desarrollo es torpe y lento, pero estrenece y de qué manera. No en vano, la película cumple su cometido de sobra: denuncia unos hechos terribles y sensibiliza, poniendo los pelos de punta como pocas veces.

En la II Guerra Mundial, Japón invadió una parte del territorio chino e instaló, de manera secreta, una base (el escuadrón 731 de Harbing) donde se experimentaba con personas chinas (auténticas cobayas humanas) todo tipo de pruebas inhumanas para la llamada guerra biológica o bacteriológica. La película recoge varios de estos experimentos, algunos de un realismo tan atroz que, de verdad, cuesta verlo (he leído algún comentario que la compara con una `snuff movie´). Por supuesto, el film va de menos a más, aunque habría que decir que es la barbarie la que va de menos a más.

El realizador tiene el detalle de dedicar la película a todas las víctimas, castigadas de manera indescriptible, aunque no sirva de mucho consuelo. Al parecer, en su estreno, el film fue rechazado por un sector del público japonés. Se puede criticar más o menos, por ejemplo su enfoque un tanto gore (aunque si la peli se da a conocer es por esto mismo), pero los hechos reales están ahí y lo bueno es que alguien los haya contado.

Hay muchas similitudes con el ejército nazi. Podría decirse que el maquiavélico doctor Mengele tiene aquí su espejo en esta sección del ejército japonés. Incluso en un momento del film se dice que los nazis van más atrasados que los japoneses “tecnológicamente hablando”, con equipos e instalaciones muy anticuadas. Por momentos, parece una película de terror. Su realismo, pensar que todo ello pasó, da miedo.

Una frase que dice el general japonés, escalofriante, para la reflexión: “Tenemos suficientes virus como para exterminar a la humanidad”.

Espectadores sensibles, absténganse de verla.

Comedia romántica al uso sin demasiada trascendencia, que supone el debut de Vicente Villanueva en el largo, tras varios cortos premiados en diferentes festivales, como Almería en corto.

Tiene el gancho de Hugo Silva, actor de moda con amplio respaldo entre el público femenino. Interpreta a un bombero adicto al alcohol, las drogas blandas y con un trauma al fuego. Lo mejor del film es Adriana Ugarte, joven actriz de talento, bella y fotogénica, que transmite espontaneidad y naturalidad a la cámara, en un papel de chica indecisa y exigente en las relaciones de pareja.
Comprende otras dos subtramas. Por un lado, la de la hermana, antigua cantante en decadencia, bastante lograda, con algunos de los mejores momentos cómicos (buena labor de Guadalupe Lancho). Por otro lado, la muy deficiente historia de los dos compañeros bomberos, que resta agilidad a la narración.

Así pues, es otra vez la historia de chica-conoce-chico, con el juego del gato y el ratón, sin demasiada originalidad, a pesar de que su director busque lo contrario, con algún golpe de humor, y sólo ligeramente entretenida, pero con bastantes bucles de insípida monotonía.

Puede resultar entretenida para los que quieran ver una simpática, con toques agridulces, búsqueda de la media naranja ideal sin otro horizonte que el de pasar el rato.
Como su pareja protagonista, la aceptación de “Lo contrario al amor” sólo es posible si se aceptan sus limitadas virtudes y sus cuantiosas limitaciones.

“El crimen de Cuenca” es una de las películas históricas del cine español, no tanto por su calidad cinematográfica como por su carácter de denuncia y su carrera extracinematográfica.

A pesar de estar rodada en 1979, tuvo numerosos problemas de exhibición, y casi se puede afirmar que fue la última película que sufrió censura, a pesar de haber desaparecido ésta a principios de 1977, prohibiéndose su estreno durante año y medio, aprobada ya la Constitución, es decir, la única película española prohibida durante la democracia, aunque Pilar Miró finalmente pudo estrenarla (después de ser objeto de un proceso militar) a mediados de agosto de 1981, convirtiéndose en un éxito.

Cumple doblemente la función de documento histórico. Por un lado, la propia trama argumental, de gran interés, y por otro lado, las trabas que tuvo en un momento tardío de la Transición española para llegar a las salas de cine.

Personalmente, me parece que el film sufre deficiencias técnicas importantes, adolece de una narración confusa y el paso del tiempo le ha afectado bastante, aunque prevalece el mensaje y la rotundidad de su denuncia, que es lo que realmente ha trascendido.

Hay un importante reparto de actores españoles destacados de la época, con la colaboración especial de Fernando Rey, al que los papeles de hombre ilustrado o aristócrata le sientan tan bien y en los que brilla especialmente. Destaca también, entre otros, Amparo Soler Leal, en su rol de esposa sufridora.

Aunque los saltos en el tiempo son un tanto bruscos y se añora una mejor presentación inicial y descripción de los personajes, la directora de “Beltenebros” consigue dibujar una magnífica ambientación de la España rural de principios de siglo XX, tan precaria y lastimosa. La cámara de Pilar Miró capta con gran verismo las duras condiciones de vida de entonces.

Su mirada realista se detiene de manera excepcional en el abuso de autoridad y el desamparo de los pobres, reflejando la crueldad y villanía, hasta el punto de ser esto último quizá lo más recordado, por sus impactantes imágenes y lo que asustó al gobierno de UCD, que puso la película a disposición militar, de ahí que fuera secuestrada durante más de año y medio.

En definitiva, una película que tuvo gran repercusión por su historia e intrahistoria, y en la que la importancia reside en lo que cuenta, más que en su factura técnica.

Uno de los estrenos más esperados de los últimos meses, ayudado por toda la polémica que ha levantado: espectadores que se marchan antes de su finalización, críticos que se preguntan si esta película era necesaria, escenas que rozan la frontera de lo permisible,…
Sin duda, lo mejor para los espectadores inquietos, es verla y opinar por uno mismo, sin embargo no es recomendable para almas susceptibles y detractores de Von Trier.
Rodada en Alemania, en el más absoluto secreto, la película se divide en cuatro capítulos más un prólogo y un epílogo.
Los polémicos momentos de “violencia visual explícita” (algunos doblados por actores porno, como ya hiciera con “Los idiotas”) son pocos, pero muy impactantes, no aptos para todo el mundo.
Un matrimonio que ha perdido a su pequeño hijo, se traslada a Edén, una cabaña perdida en medio del bosque, para llevar a cabo la terapia de Ella (Charlotte Gaingsbourg) por parte de su marido, El, que es psicólogo (Willem Dafoe). El dolor, el descontrol y la tortura son los escenarios en los que transitan.

Es un film muy crudo, tanto en la forma (con apenas tres personajes humanos, en donde sólo interactúan dos) como en el fondo. Trier entra de lleno en sus obsesiones personales (religión, sexo, mujer, muerte, etc).

Creo que la opinión generalizada, la cual comparto, es que no es, ni de largo, la mejor película de Lars Von Trier. Sabemos por experiencia que cualquier cosa es posible en su cine si previamente ha sucedido en su palpitante mente (y esta película la rodó en pleno estado depresivo).
Posiblemente se den cita aquí, lo mejor y lo peor de su cine: un impecable comienzo, rayando lo sublime, en perfecto blanco y negro, con una plasticidad absorbente. También está lo peor: una primera hora tras el prólogo bastante anodina en donde la trama va deshojándose lentamente, hasta el capítulo tres. Todo lo relevante está muy condensado en los últimos minutos, con la llegada del clímax, pero para entonces, junto con las espantadizas imágenes, muchos espectadores se hallan fuera física o mentalmente.

Vuelta al cine de Manuel Gómez Pereira tras casi cuatro años desde su último estreno, la irregular "Reinas". Se desmarca de nuevo de la comedia (ya lo hizo en "Entre las piernas"). La película está basada en la primera novela de Inma Turbau. La compleja adaptación rescata lo esencial de la novela y se centra en mostrar el paso de la adolescencia a la madurez en pleno proceso de ebullición de hormonas dentro de un misterioso asunto que dejará "marcados" a ambos protagonistas.

La historia se sitúa en Gerona a lo largo de los años ochenta y principios de los noventa. David (Álvaro Cervantes) y Sandra (Clara Lago) son dos adolescentes, amigos muy unidos desde temprana edad. Un duro suceso imprevisible les sacudirá a ambos por lo que decidirán mantenerlo en secreto. Un secreto que cada vez será más difícil ocultar y que ejercerá en ambos una irregular relación de amor-odio. Esto último es lo más convincente del film.

Los actores jóvenes dan el do de pecho en una narración que funciona a impulsos y en donde se mezclan la intriga, el drama y la pasión. Álvaro Cervantes, nominado al Goya como actor revelación (el galardón fue para El Langui, de “El truco del manco”), realiza un proceso de transformación prodigioso, pudiendo resultar encantador o temerario, difuminando una estrecha línea entre amor y obsesión. Clara Lago, cuya belleza, fuera de toda duda, es ensalzada, realiza también un estupendo trabajo y la química con Álvaro es evidente.

A ratos entretenida, la peli adolece de un ritmo más vigoroso y un montaje más dinámico. Si bien se mantiene la intriga, la mezcla de géneros pintan un collage poco claro en una historia que se desarrolla a impulsos. Lo más destacado es la relación entre ambos y sus interpretaciones.

Pese a todo, se deja ver y, aunque en otro estilo, está por encima de “Reinas”. Lástima que en ciudades como Almería sólo dure unos pocos días en cartelera ya que, aunque está lejos de ser una obra maestra, seguro que hay películas peores.