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España España · Cinecittà
Críticas de Xavier Vidal
Ordenadas por:
633 críticas
4
30 de abril de 2012
19 de 28 usuarios han encontrado esta crítica útil
Siguiendo la tradición de films de terror nipones como La maldición o The Ring, Babycall es una historia en la que cuesta entender algo, o en la que directamente no se entiende nada más que lo necesario para seguir pegados a la pantalla durante su hora y media de duración. Lo que para unos será un misterio para quien escribe es un agujero argumental de mucho cuidado. Así que Babycall cae en saco roto. La historia, a priori, es muy previsible: una madre huye con su hijo a un nuevo piso en una nueva ciudad lejos de su marido. Obviamente la cosa no se acaba aquí, ni tan siquiera empieza aquí. Pero más vale no desvelar lo que sigue porque se perderían lo mejor de Babycall: ver a Noomi Rapace enloqueciendo, yendo de arriba para abajo en su bloque de pisos con su escuchador de bebés. Es innegable que Babycall tiene cuerpo y atmósfera, pero a la hora de pedir la resolución de los interrogantes todo se desploma con la facilidad de un castillo de arena. Los que ya tengan la mano curtida en el thriller del 'nada es lo que parece' se reirán al ver que todo discurre según lo indicado en el manual de instrucciones... salvo por un final que puede entenderse como un volver a empezar, un 'what a fuck!', un '¿tanto rollo para esto?', un 'el guionista se ha quedado con nosotros', un 'pero si no había guión' o un 'no la entiende ni su madre'. Resumen: lo de Rapace no es ser madre en el cine (vean Daisy Diamond o Beyond para más datos), pero sus cualidades actorales merecen mejores películas. Y posdata: ¿al final quién era el amigo del hijo de Noomi? Lío total. Quedan avisados...

Xavier Vidal, Cinoscar & Rarities
Xavier Vidal
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10
1 de mayo de 2011
19 de 28 usuarios han encontrado esta crítica útil
No sabemos su nombre. Trabaja de 'director', a secas. Con su cochazo recorre unos paisajes fríos en blanco y negro. A modo de mimo callado, nuestro protagonista viaja hasta la locura tomando la carretera del absurdo. No hay atajos ni otros medios de transporte posibles para zambullirse en una de las películas más extrañas jamás realizadas. Puede que al final no entendamos nada, pero difícilmente olvidaremos la cara de este Tony tan particular. Un film que podría ser el prólogo visual del Apocalipsis del Nuevo Testamento. Y puestos a presuponer, puede ser la mayor tontería jamás contada o la obra maestra más sorprendente en años.

Al principio es inevitable pensar 'qué hago aquí viendo esto', pero pronto los fotogramas de The temptation of St. Tony actúan como drogas, su sonido se vuelve anestesia, la atmófera puede a cualquier lógica, y la fascinación se confirma cuando al salir de la sala uno hubiera deseado unos minutos más de paranoia, alguna estampa más para guardar en el recuerdo. Es comedia, terror, tragedia y thriller. Una de zombis, una de mafiosos y otra de policías. Experimental o existencial, o ambas al mismo tiempo. Una crónica de pesimismo, soledad y agonía en tiempos de crisis tanto económica como de valores. Una experiencia religiosa. Cinéfilos que crean haberlo visto todo: ¡vais a flipar!

Xavier Vidal, Cinoscar & Rarities http://cachecine.blogspot.com
Xavier Vidal
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6
7 de julio de 2011
13 de 16 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cracks recuerda de forma evidente e inevitable a Las vírgenes suicidas. Ambas son las óperas primas de dos directoras jóvenes, hijas de dos símbolos del cine norteamericano como son Ridley Scott y Francis Ford Coppola. En ambas películas los padres han ejercido de productores ejecutivos. Tanto en Cracks como en Las vírgenes suicidas hay un uso impecable de la música. Una y otra película conectan al describir un grupo de chicas adolescentes unidas por vínculos muy profundos, la pérdida de la inocencia y el despertar sexual. Las historias están contadas como un microcosmos femenino de lolitas diabólicas que discurre en paralelo a dos grandes conflictos bélicos: en Las vírgenes suicidas planea la sombra de la Guerra del Vietnam, mientras que la Segunda Guerra Mundial es crucial en las vidas de las niñas de Cracks.

De la mojigatería picarona de estas Cracks a la voluptuosidad festiva de las chicas de Coppola, la línea que forman casi sin querer dos películas contadas en femenino y con un aplomo inusual para tratarse de proyectos primerizos. Cracks, como Las vírgenes suicidas, destaca por su sensibilidad, la medidísima dirección de actrices (quizás porque Scott y Coppola han trabajado como intérpretes) y la capacidad de crear una atmósfera entre preciosa e irrespirable (quizás porque ambas han escrito su guión apoyándose en una novela de éxito).

Cracks puede describirse como una trama elegante de conflictos entre féminas. Scott encierra a sus personajes en una especie de internado y todas, excepto la estudiante española recién llegada, saben y han asumido que nunca saldrán de las aulas, el bosque y el lago de su colegio. La profesora Miss G. que interpreta Eva Green (su mejor papel tras Soñadores) es el corazón de la cinta, un personaje que vamos conociendo poco a poco: primero, fascinados por su vestimenta y desparpajo; y al final, por ser el vértice más potente de un triángulo lésbico que no podemos desvelar. Pese a todo, Scott sugiere demasiado y se arriesga poco en las escenas que requieren mayor intensidad, un narrador más explícito. Reconozco que a veces el ritmo es un tanto tedioso y a veces dan ganas de darles dos guantazos a las niñitas. Aunque quien vale, vale: el camino para convertirse en una crack del séptimo arte será largo, pero Jordan Scott apunta maneras con una primera película más que sólida. Seguro que a Sofia Coppola, ya consagrada, le encantará Cracks.

Xavier Vidal, Cinoscar & Rarities, http://cachecine.blogspot.com
Xavier Vidal
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7
16 de febrero de 2014
11 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
Una bonita reivindicación de las coristas que hemos escuchado en infinidad de temas y cuyos nombres desconocemos. Una exposición apasionada de la industria musical, con sus éxitos, sus injusticias y sus 'reglas marcadas': Bowie, Sting, Jagger, Wonder o John aparecen en una película que respira música por los cuatro costados. Y de paso, un repaso por esos hits que hemos escuchado miles de veces y una revisión de las últimas décadas de música, de la explosión de la música negra a la electrónica actual que requiere cada día menos de las singulares 'black voices' de antaño. A 20 pasos de la fama habla del éxito, de sus peligros y de las dificultades que existen para conseguirlo. Monumento mayúsculo a la música norteamericana, una de esas películas que se ven pero que sobre todo se escuchan (y cantan). Película de imágenes de archivo y entrevistas, pero montado de tal forma que es imposible no sentirse en mitad de una ópera apasionante.

@Xavicinoscar, Cinoscar & Rarities
Xavier Vidal
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6
20 de octubre de 2014
10 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Si hay una temática que recorre transversalmente la corta pero fructífera filmografía de Pernille Fischer Christensen es la incomunicación entre personas: de ahí que todas sus películas, en mayor o menor grado, puedan considerarse una exploración de 'el otro' en la Dinamarca bienestante de nuestros días (aunque descrita en términos de frialdad y de hieratismo emocional) y apelen a una empatía tanto interna como externa (los personajes se conocen entre ellos al mismo tiempo que los espectadores van familiarizándose con las vidas magulladas que retrata Fischer Christensen, una fórmula realmente efectiva que explica, entre otras cosas, por qué el cine de la cineasta danesa es uno de los pocos que siempre tiene presencia asegurada en las carteleras y en los certámenes de todo el mundo).

En 'Alguien a quien amar', Fischer Christensen recurre a una figura cargada de mística cinematográfica: el cantante que tras una vida de excesos y de éxitos regresa a su país de origen para saldar cuentas pendientes. Persbrandt dota de fuerza a un personaje inepto en todos los aspectos: su carrera discográfica depende casi por entero del trabajo de su mánager y de algunas amistades del pasado, y en su vida personal es un individuo incapaz de gestionar el dolor que recibió en su día por parte de su padre y el dolor que él mismo infringe a sus más allegados. Afortunadamente, el trágico bagaje del personaje nunca se explicita ni da pie a escenas de factura tremendista: el director prefiere contar por omisión, y en este sentido es muy interesante comprobar cómo los pequeños contactos físicos entre los personajes, los casi imperceptibles amagos de complicidad entre el protagonista y su reducido círculo íntimo (la mano que posa sobre el brazo de su hija drogadicta, las leves caricias que hace a ese nieto que no conoce, las miradas que lanza a su compañera de grabación, etc.), cuentan mucho más del protagonista y sus interioridades que otras escenas donde Fischer Christensen se comporta como una narradora más tradicional (por ejemplo, el momento en que el protagonista se sincera con el pequeño con respecto a su padre alcohólico).

'Alguien a quien amar', por lo tanto, se debate entre dos frentes (la elegancia frente al drama descarnado, la sutileza frente a la tragedia explícita), y aunque el cómputo final reúne bastantes trampas (sobre todo en el segundo tramo de metraje), el film termina convenciendo por la capacidad de la directora por tocar la fibra sensible de la platea sin que ésta se sienta violentada o asaltada según las fórmulas habituales de cierto cine norteamericano (incluso en sus tramos más discutibles, la película nunca apela a la lágrima fácil). Un mérito ya presente en las anteriores obras de la directora y que en este nuevo título se multiplica gracias al gran trabajo de Persbrandt y Dyrholm: a su comprobada solvencia como intérpretes, cabe sumar el hecho de que en el film cantan sin playback, como si las fronteras entre el actor y el personaje fuesen muy finas, casi irreconocibles. Un film, en resumen, lleno de contrastes que se suma a la notable listas de grandes obras que nos llegan últimamente desde el norte de Europa.

@Xavicinoscar, Cinoscar & Rarities
Xavier Vidal
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