Ozu fue director que creó uno de los universos cinematográficos más interesantes de la historia. Fiel reflejo de la cultura de su país. Ozu diseccionó con la precisión de un cirujano los cambios y contradicciones que estaban aconteciendo en Japón.
Flores de Equinoccio, el primer filme de Ozu a color, nos muestra la preocupación y temor de un padre hacia el deseo de su hija mayor de contraer matrimonio. Las nuevas generaciones reclaman el derecho a tener voz propia y a tomar sus propias decisiones, pero sus mayores siguen anclados en las tradiciones. Choque entre las vieja y nueva generación. El Japón de la pre y pos guerra. El padre, a pesar de adoptar ciertas costumbres occidentales, no puede evitar que su hija se case sin su autorización, y con un hombre que él no conozca. Ozu en este filme nos muestra el cambio en las tradiciones y el gradual rompimiento de la sociedad patriarcal.
Flores de Equinoccio está meticulosamente realizado. Ozu fue un maestro del detalle y este filme no es la excepción. Las emociones surgen con gran naturalidad como agua en manantial, contrario a la manipulación recurrente al otro lado del océano.

Como he comentado en otras ocasiones, La Unión Soviética ha legado numerosos obras cinematográficas de gran calidad, pero la mayoría de estos filmes no tiene reconocimiento suficiente. "Ascensión" muestra la odisea de dos hombres al salir buscar alimento, después de que un grupo de partisanos sufrieran destrucción por parte de los nazis. Apoyado en un sólido guión, somos testigos de las transformaciones que sufren los personajes durante su trágica travesía. El miedo a la muerte, el preservar los ideales y la traición, son temas presentes en este filme. Es cine anti-bélico porque muestra la degradación, a causa de la guerra, que sufren tanto las víctimas como los ejecutores. Obra realizada de forma directa y realista, dejando que la historia fluya. Este filme tiene escenas de gran carga emocional. Nos sentimos involucramos con los personajes y sus vivencias. Boris Plotnikov y Vladimir Gostyukhin se meten de lleno en sus personajes. Excelente filme que merece mayor reconocimiento.

Satyayit es el director más reconocido de India. Es imposible, en cuanto cine se refiere, no asociar la India con el nombre de este director. Satyajit centró su cine en el lado menos agradable de la India. Una India sumida en la probreza y que tenía que afrontar las manchas dejadas por la colonización inglesa. Satyayit es reconocido especialmente por la trilogía de Apu, pero tuvo una extensa filmografía.
El cobarde es de los filmes menos conocidos de este director. Un cine sencillo y cuya ambientación está en su mayoría centrada en una casa. La historia trata sobre Amitabha, un joven guionista que sale en busca de una nueva historia, quien termina varado es un remoto pueblo. En el pueblo se encuentra con un hombre rico, que le da posada en su hogar. Sorpresivamente, en el hogar, Amitabha encuentra a un antiguo amor. Todos los recuerdos aparentemente olvidados de su pasado salen a la superficie.
Satyajit Ray nos trae un filme que, en mi opinión, va más allá de ser una simple historia de amor. Ray hace un retrato sobre la diferencias sociales en la India. Una obra que a pesar de su cortar duración, se le puede sacar varios temas. Un filme que pesar de su aparente sencillez, llega al espectador gracias a la fineza de la dirección de Satyajit Ray. Un filme notable.

Rififi se aleja de la típica película sobre un atraco. Se distingue por su extraordinaria narración y por lograr captar la atención del espectador, sin la necesidad de recurrir a medios fáciles.
En el filme se presentan a seres humanos humanos comunes y corrientes que por diversas circunstancias encuentran en la criminalidad una forma de mejorar su posición social y económica. No hay secuencia fuera de lugar. La historia está construida de manera escrupulosa. El ritmo está bien manejado y el montaje es excelente. El silencio es parte importante del filme; ayuda a generar expectativa en el espectador. La larga escena del robo en la joyería es estupenda, todo un ejemplo de hacer cine. La actuaciones en general son muy buenas, destaca Jean Servais en el papel principal.

La sociedad niega las diferencias y somos participes de eso. Teshigahara nos entrega un desgarrador filme que muestra el impacto que produce el rechazo en una persona. El protagonista tiene el rostro desfigurado a causa de un accidente y pide la ayuda de un psiquiatra para que le reconstruya el rostro. Sin embargo, el nuevo rostro se va apoderando poco a poco del individuo, y este empieza a adoptar una nueva identidad. El Rostro Ajeno retrata a una sociedad donde todo aquello que es considerado extraño es excluido. El espectador siente la desesperanza, la soledad y el miedo del protagonista. Teshigahara se introduce en el mundo del protagonista gracias a un muy bien manejados de los recursos cinematográficos, y lograr introducir al espectador dentro de él. No solo se limita a mostrar la vida del protagonista; la crítica también se dirige hacia la sociedad en general. Cada persona porta una máscara y trata de mostrar una imagen apropiada. Rechaza a quien es diferente, aunque ellos mismos se sientan diferentes. La fotografía es excelente y el filme está bien construido. Está abierto al debate, y deja numerosas interrogantes en el espectador. Un filme que hay que ver.