Terminando de ver “Roar” (1981) de Noel Marshall con Tippi Hedren, Noel Marshall, Melanie Griffith, John Marshall, Jerry Marshall, Kyalo Mativo, entre otros. Película de aventura y terror, sobre una familia que va al encuentro del padre en la selva africana; pero el equilibrio existente entre la familia y los animales salvajes, se ve interrumpido por la irrupción de cazadores que alteran a las fieras. La película ha sobresalido por la producción de pesadilla, pues sufrió retrasos por incendios, inundaciones, hipotecas, ataques de animales, renuncias del equipo, enfermedades y tiempo de curaciones, tanto que tardó 11 años en filmar, aunado al comportamiento impredecible de los grandes felinos; por todo ello, fue convertida en objeto de culto, de admiración, y por la osadía de los responsables: Noel Marshall y su esposa Tippi Hedren, que también era su mánager, que antes se habían convertido en activistas por los derechos de los animales, e intentaron generar consciencia sobre los problemas de cazar animales salvajes, o de mantenerlos en cautiverio. Así que decidieron hacer una película al respecto, y comenzaron a adoptar y criar grandes felinos en su hogar, durante 6 años. La familia estaba formada por Noel Marshall y sus 3 hijos de otra pareja, y por Tippi Hedren y su hija de otro matrimonio, Melanie Griffith. Pronto, la familia poseía más de 100 grandes felinos, entre leones, tigres, leopardos, guepardos, pumas y jaguares, por lo que decidieron crear una reserva natural a 40 millas de Los Ángeles, llamada Shambala. El concepto del director, era permitir que los felinos hicieran casi lo que quisieran, con una metodología de técnica científica discreta, encuentran la expresión más natural y verdadera de su personalidad y comportamiento. Pero todos los involucrados sufrieron múltiples heridas por trabajar junto a los felinos, y hay documentados más de 70 ataques brutales; de hecho, gran parte del material que capturó las lesiones, se incluyeron en el corte final, lo que resultó en sangre real en la pantalla. Así las cosas, se ha considerado la filmación más peligrosa de la historia del cine, y por increíble que parezca, el interés en Roar fue prácticamente nulo, siendo un rotundo fracaso, de un total de $17 millones, se recaudaron apenas $2 millones; además que para inicios de los 80s, el interés por cintas sobre ataques de animales ya había desaparecido; y como resultado de muchas inversiones personales de variada naturaleza, aproximadamente 1 año después del estreno, Hedren y Marshall se divorciaron. Como dato, los actores, que no podían ser otros que los mismos que criaron a los animales, tienen los nombres de sus personajes; y en el fondo, la locura del protagonista, de dudoso y criticable conservacionista, que crio animales en un lugar no natural, y que en cantidades extremas, aboga por la prohibición de cazar, pero no dice nada sobre el circo y los zoológicos, tiene paralelo existencial con “Grizzly Man” (2005), compartiendo esa mezcla de la frialdad e indiferencia de la naturaleza que contrasta con la ingenuidad humana. Pues: ¿Cómo negar el extraño encanto del director, explicando lo maravillosos que son los leones mientras atacan a su familia? Por tanto, tratar de hablar de la supuesta trama, es tan inútil como esperar que un león no se comporte como una fiera salvaje, y trate de devorarte, sin importar cuánto tiempo hayas pasado “domesticándolo”, y eso que las fieras son los mejores actores que los humanos; porque los Marshall-Hedren no paran de correr, esconderse, gritar, vamos: ¡salvar la vida!, sin guión. Por lo que la ingenuidad hippie abraza-árboles, raya en la locura del peyote, con su pretendida moraleja de protección a las especies que queda perdida en una cinta profundamente confundida en su interior, demasiado reiterativa en el horror que supone enfrentarse a esas criaturas, y con los mensajes que quiere transmitir, que tanto de inicio como al final, quedan en nada, porque ellos caen en el mismo juego de manipulación y beneficio. Además, la insistencia de Marshall, de que estas criaturas pueden sentir afecto por presas potenciales, choca una y otra vez con las miradas de indiferencia de las fieras, pues la madre naturaleza siente cero empatías. Aun sin proponérselo, Roar es un testamento fílmico, respecto a estos elementos caóticos, sobre esta complicada relación entre el hombre, aún ignorante de varias cosas que lo rodean, y la bien aceitada maquinaria mortífera de la naturaleza. Pero hay que reconocer que nunca hubo una película como esta, ni lo habrá jamás, simplemente no hay forma de tener controlados a tantos animales, y filmar un despropósito argumental como este, es básicamente una sentencia de muerte, aunque se diga con cinismo que “ningún animal resultó herido en la realización de esta película, sí lo fueron 70 personas”
NO RECOMENDADA.
NO tendrá nota en Lecturas Cinematográficas.
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Terminando de ver “Last Days In The Desert” (2016) de Rodrigo García Barcha con Ewan McGregor, Tye Sheridan, Ciarán Hinds y Ayelet Zurer. Drama sobre un periodo en el tiempo que Jesús estuvo en el desierto, mientras es tentado; cuyo capítulo narrado en Mt 4, 1-11, y en el pasaje paralelo de Lucas 4:1-13 es re imaginado, y coloca al “Hombre Santo” frente a una familia: Padre, Madre e Hijo, presenciando y participando en momentos de reflexión bastantes silenciosos sobre las relaciones entre ellos en plan alegórico. El hijo de Gabriel García Márquez escribió la historia queriendo darle un punto de vista más humano a esa parte de la mitología cristiana, pero lamentablemente no logra cautivar. Aquí no hay aura cristiana, recogimiento, ni religiosidad, ni el paralelismo al Evangelio de Juan que se espera de un filme de temática, y todo se siente muy frío y distante. Puede que hallan cortes de edición por ahí, que evitaron convertirla en una historia sólida. Aquello de los 40 días de Jesucristo en el desierto antes de comenzar su ministerio, y las expectativas mesiánicas quedaron en sonrojo, vaya a usted a saber realmente cómo fue… Me hubiera gustado más detalles sobre qué sucedió con el hijo; Satanás daba para más juego, ¿Era Satanás o un “Alter Ego/Cristo”, Hombre/Divinidad? Faltó más juego, insisto; y claro está, re imaginar cómo fue ese episodio de convertirse en Jesucristo. Del reparto, creo que esta es la primera vez que vemos a un pelirrojo escoses como Jesús, Ewan McGregor queda muy lejos del personaje y su naturaleza divina, muy europeo, pero es un hecho que actúa bien, sobre todo en los silencios; nada que reprochar a Ciarán Hinds siempre correcto; una silente Ayelet Zurer, y la promesa: Tye Sheridan, un joven actor con mucho futuro, hasta tiene escena roba corazones para la chiquillada adolescente. Queda la muy buena fotografía, de esperar del 3 veces ganador consecutivo del premio OSCAR, Emmanuel Lubezki; y el sonido es tremendamente bueno, te hace sentir el desierto, el ambiente, hasta el viento… El final: El esfuerzo no valió la pena, “El Hijo del Hombre” murió, y todo ha quedado igual.
NO RECOMENDADA.
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Terminando de ver “Free Solo” (2018) de Jimmy Chin & Elizabeth Chai Vasarhelyi con Alex Honnold, Sanni McCandless, Jimmy Chin, Tommy Caldwell, entre otros. Documental producido por NATGEO, ganador del Premio OSCAR al Mejor Documental, que sigue el proceso y la hazaña de Alex Honnold, de 33 años, al escalar sin ningún tipo de ayuda, la formación rocosa vertical llamada “El Capitan” con una altura de unos 900 metros, ubicada dentro del Parque Nacional Yosemite, en Mariposa County, Estados Unidos; siendo el primer escalador en lograrlo. La película sirve también como una biografía del escalador, pues llegamos a conocer su infancia y adolescencia, y así la película nos ayuda a crear una imagen de su personalidad y su mentalidad aventurera de alto riesgo. Al tiempo que el filme pone en evidencia la importancia de la salud física, el vegetarianismo, la amistad, la familia y el amor. Técnicamente asombrosa, pues al principio la idea era mostrar la escalada con cámaras y drones a la par… pero todo lo planeado se vino abajo, pues en realidad, molestaba en la concentración, y no aplicaba en aquello del “estilo libre y solo” del título. Así vemos toda la trastienda de la preparación, las lesiones provocadas por los intentos, “los fallos y el error” en Las Leyendas del Alpinismo que intentaron la escalada “Free Solo” pero que fallaron y murieron, muchos de los cuales, la película homenajea y rinde tributo al dedicársela a ellos. Así como también vemos imágenes asombrosas, de vértigo, inquietantes que ayudan a que la proeza de este meta-humano, logre con éxito una hazaña sin precedentes, literalmente, con habilidades no adquiridas por cualquiera, sino por aquellos que tienen una preparación mental, física, de salud y emocional, pues también conocemos el amor y las decisiones que toma ante retos que no son precisamente alpinistas. En lo personal, Alex Honnold se nos muestra ido… casi como si “estuviera en otro planeta”, no es casual que sea una persona excepcional, reservada y decidida, con dudas y temores, pero con una determinación inquebrantable que es digna de elogio, pues no hay obstáculo ni temor, cuando la voluntad es más grande. Pero no todo es suspenso, hay momentos de comedia, como el camarógrafo que no puede mirar las escaladas porque le da terror, o románticos como la relación que tiene Alex con su novia; como verán, la película es muy completa, para todos los gustos, y está narrada de manera convencional, pero muy amena y fluida, siendo un filme familiar, de esos “de vencimiento a la adversidad” algo que gusta mucho en los EEUU. Nos queda: “La vida más allá del miedo”
RECOMENDADA.
PRONTO una nota en el blog de Lecturas Cinematográficas.
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Terminando de ver “The Shape Of Water” (2017) de Guillermo del Toro con Sally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon, Octavia Spencer, Richard Jenkins, Michael Stuhlbarg, entre otros. Película de fantasía sobre la relación que entabla una joven y un monstruo. La película ganó El León de Oro/Mejor Película en El Festival de Cine de Venecia, 2 Globos de Oro de 7 nominaciones, y tiene 14 nominaciones a los premios de La Crítica Cinematográfica. No cabe duda que el filme será uno de los nominados en los Premios OSCAR, y cabe la pregunta: ¿Se lo merece? ABSOLUTAMENTE SÍ. Guillermo del Toro, fiel a su género, muestra un TRIBUTO a Hollywood y a los filmes y programas de TV que muchos vimos de pequeños, mezclando historias griegas como Orfeo y Eurídice, mitologías, y literatura como Romeo y Julieta de Shakespeare, así como adapta la trama a los tiempos actuales, como la inclusión, la batalla contra el racismo, la xenofobia, la homofobia, el machismo y la violencia; desde una ambientación más que correcta que refleja todos escenarios como si viéramos miles de peceras o ambientes acuáticos; también logra hacer reflexionar sobre el conflicto humano, entre la ciencia y la política militar. Pero lo que más me llamó la atención es el punto de vista femenino: Del Toro muestra el descubrimiento sexual y posterior realización como mujer de una joven común, una heroína que busca desesperadamente el amor, que no es una “princesa” frágil, sino todo lo contrario, una mujer de poder, y que encuentra lo que busca en uno de los monstruos más hermosos vistos jamás en el cine. Los personajes TODOS son entrañables, en un desarrollo que se cuida en no caer en lo pasteloso, ni en la lágrima fácil, sino más bien, logra extraer del espectador el lado más humano y que probablemente hemos perdido: La empatía y el amor; en especial hacia las personas diferentes y a los seres de diferente especie, por lo que el film también se muestra ambientalista y ecologista. La película es riquísima en lecturas cinematográficas, que un solo visionado no basta para sacarle todo el provecho. La dirección es muy buena, narrada como un cuento, con un gran ritmo que no decae jamás. Los actores, todos tremendos: Sally Hawkins crea un personaje para la historia del cine que bien llega a homenajear al cine mudo, literalmente; Michael Shannon siempre correcto como villano, tan amenazador como efectivo; Octavia Spencer es otro personaje para el recuerdo, la empatía personificada, como Richard Jenkins es la amistad incondicional; sigo pensando que a Michael Stuhlbarg va a llegar el reconocimiento como actor muy pronto, en un personaje que simboliza que las apariencias engañan; y finalmente: Doug Jones como el monstruo, que sin hablar, con su mirada ya nos tiene ganado el corazón. Cuando pensaba que del Toro no iba a tocar el tema religioso, lo logra meter como una de las muchas alegorías y metáforas hermosas que veremos en todo el metraje, que muy sin embargo, no es un filme para menores de edad, debido a los desnudos y a la violencia gráfica, marcas muy propias del director. No nos queda aquello de “Cenizas a las cenizas” sino que “Todos regresaremos al agua” un elemento tan preciado, que se puede ver en todas las escenas; y que del Toro valora como el leitmotiv de su Obra Maestra.
RECOMENDADA
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Terminando de ver “Judy” (2019) de Rupert Goold con Renée Zellweger, Rufus Sewell, Finn Wittrock, Michael Gambon, Jessie Buckley, Bella Ramsey, entre otros.
Drama que sigue a la estrella Judy Garland mientras va de gira de conciertos a Londres, al tiempo que recuerda su inicio memorable en MGM con “The Wizard Of Oz” (1939)
El filme, que celebra los 50 años de su desaparición, es una clara muestra crepuscular de la otrora actriz infantil cuyos mejores momentos se han ido, y no solo como artista sino como mujer y como madre.
El filme es un golpe duro al Sistema de Estrellas, a la fama, a la vida desperdiciada por algo que no nos hace feliz… sin olvidar el arribismo, la vejez, la salud mental, la familia, la soledad, etc.
El filme no tiene grandes logros técnicos, aun cuando todo lo referido al espectáculo de los conciertos es glamuroso; sino que es más un estudio de personaje, pues TODO el filme gira en torno a Renée Zellweger, en uno de sus mejores papeles en años.
El gesto, el silencio, la mirada perdida, un movimiento de cabeza, la postura… eso no es imitación, es la esencia y el método que un actor comprometido y respetuoso puede hacer al encarnar a un artista tan admirado, querido y entrañable como Judy Garland sin caer en el ridículo y la mofa.
Vamos, es un gran estudio sobre una mujer que lo dio todo sobre el escenario, para consolar y entretener a los demás, pero nadie hizo lo mismo por ella, de ahí el doble simbolismo que se le da a la pareja gay que la acoge afuera del teatro…
El filme tiene muchos guiños al “Star System”, al Hollywood Dorado y claro está a Judy.
El final es uno de esos que se agradece, y te hace sentir que has visto un gran filme sobre una mujer que ha sido considerada una de las más grandes artistas que han existido “más allá del arcoíris”
RECOMENDADA.
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