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Críticas de burton
25 de junio de 2006
203 de 218 usuarios han encontrado esta crítica útil
Una obra MARAVILLOSA, se mire por donde se mire. La última vez que Chaplin nos deleitó con su mítico personaje de Charlot en pantalla.
En plena época de crisis de los años 30, en un contexto de crisis capitalista enormemente deprimente y opresivamente insoportable para el trabajador standard, el de las fábricas que habían adoptado ya el teórico sistema de distribución Tayloriano del trabajo en cadena, donde los trabajadores formaban parte de un proceso de alienación rayante en el paroxismo más exasperante(ovejas que salen de la boca del metro para posteriormente incorporarse agolpadamente en sus respectivos puestos de trabajo), llegando incluso a adquirir lo característicos tics del autómata más mecanizado..., Chaplin uno de los artistas más socialmente posicionados en el lado del derecho laboral digno y no vejatorio ni denigrante como se estaba convirtiendo gradualmente, nos presenta esta ENORME cinta con unos méritos innegables no sólo desde una perspectiva socialmente comprometida, sino también del lado de las loas artísticas, basadas en su mayoría en su incuestionable poder y habitual maestría narrativa en el contexto del antiguo cine mudo(y ello apesa de que hacía ya casi una década que el cine hablado estaba en voga), y de una fotografía en blanco y negro poderosamente tenebrista y expresionista a cargo de sus habituales; Ira H. Morgan y Roland Totheroh.
A buen seguro que esta obra serviría de inspiración a Orwell para sus obras "Rebelión en la granja" y sobre todo "1984", con esas pantallas de televisión vigilantes e intimidatorias para los trabajadores relajados.
Cada uno de los fotogramas de esta épica cinta forman ya parte por derecho propio y con mayúsculas de las OBRAS MAESTRAS más sorprendentes e influeyentes en la historia del celuloide.
En plena época de crisis de los años 30, en un contexto de crisis capitalista enormemente deprimente y opresivamente insoportable para el trabajador standard, el de las fábricas que habían adoptado ya el teórico sistema de distribución Tayloriano del trabajo en cadena, donde los trabajadores formaban parte de un proceso de alienación rayante en el paroxismo más exasperante(ovejas que salen de la boca del metro para posteriormente incorporarse agolpadamente en sus respectivos puestos de trabajo), llegando incluso a adquirir lo característicos tics del autómata más mecanizado..., Chaplin uno de los artistas más socialmente posicionados en el lado del derecho laboral digno y no vejatorio ni denigrante como se estaba convirtiendo gradualmente, nos presenta esta ENORME cinta con unos méritos innegables no sólo desde una perspectiva socialmente comprometida, sino también del lado de las loas artísticas, basadas en su mayoría en su incuestionable poder y habitual maestría narrativa en el contexto del antiguo cine mudo(y ello apesa de que hacía ya casi una década que el cine hablado estaba en voga), y de una fotografía en blanco y negro poderosamente tenebrista y expresionista a cargo de sus habituales; Ira H. Morgan y Roland Totheroh.
A buen seguro que esta obra serviría de inspiración a Orwell para sus obras "Rebelión en la granja" y sobre todo "1984", con esas pantallas de televisión vigilantes e intimidatorias para los trabajadores relajados.
Cada uno de los fotogramas de esta épica cinta forman ya parte por derecho propio y con mayúsculas de las OBRAS MAESTRAS más sorprendentes e influeyentes en la historia del celuloide.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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3 de junio de 2006
190 de 237 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sin lugar a dudas una de los mejores comedias de todos los tiempos dirigida por el genial Kubrick quien nunca dejó de sorprendernos con cada nuevo mastodóntico proyecto que iniciaba.
En este caso, si bien la obra fue inicialmente concebida como algo serio, finalmente Kubrick decidió imprimirle el carácter de comedia justo en el último momento, para destensar el ambiente ya de por sí enrarecido dentro del contexto de plena guerra fría en el que por aquel entonces el mundo entero estaba sumido, y más aún con el difícil y angustioso tema de la amenaza de guerra nuclear entre los dos bloques antagónicos que tanto acongojó a John Fitgerald Kennedy poco tiempo antes de rodarse el film...
Luego, ¡manda los huevos que tuvo Kubrick de satirizar y comediar sobre un tema de tanta actualidad y tan candente por aquel entonces!.
Así pues y contando inicialmente con que la película no era más que una locura-tomadura de pelo de Kubrick intentando con ello distendir el ambiente, uno va ya predispuesto a tomar el asunto como lo que es, esto es, a parte de un broma de la factoría Kubrick, todo de lo que de ello se deriva, es decir, una obra maestra de la comedia satírica de todos los tiempos. Algo así como la Vida de Brian de los Monty Pyton.
Peter Sellers está sencillamente genial, y la cinta en sí es todo una joya cinematográfica por estilo narrativo, decorados, diálogos, puesta en escena y en definitiva y en conjunto por el incisivo perfeccionismo que caracteriza en general cada uno de los proyectos iniciados por este genio entre los genios.
El reparto coral es simplemente devastador, y cada una de sus interpretaciones roza la perfección.
La mítica sala de guerra, el disparatado consejo de guerra en ella celebrado, los intentos del capitán Mandrake por evitar la catástrofe frente a la loca tozudez de un fanático anticomunista como el personaje interpretado por Sterling Hayden ( recuperado por Kubrick para la ocasión),y el discurso de éste a Mandrake sobre la esencia de la vida, ...así como sobre todo la maravillosa construcción del personaje que da título a la película, Dr Strangelove, y que Sellers diseña con mimo y esmero son ingredientes justos y necesarios para catalogar a esta obra de Kubrick como la gran obra maestra del humor satírico de la historia cinematográfica universal.
A DISFRUTAR.
En este caso, si bien la obra fue inicialmente concebida como algo serio, finalmente Kubrick decidió imprimirle el carácter de comedia justo en el último momento, para destensar el ambiente ya de por sí enrarecido dentro del contexto de plena guerra fría en el que por aquel entonces el mundo entero estaba sumido, y más aún con el difícil y angustioso tema de la amenaza de guerra nuclear entre los dos bloques antagónicos que tanto acongojó a John Fitgerald Kennedy poco tiempo antes de rodarse el film...
Luego, ¡manda los huevos que tuvo Kubrick de satirizar y comediar sobre un tema de tanta actualidad y tan candente por aquel entonces!.
Así pues y contando inicialmente con que la película no era más que una locura-tomadura de pelo de Kubrick intentando con ello distendir el ambiente, uno va ya predispuesto a tomar el asunto como lo que es, esto es, a parte de un broma de la factoría Kubrick, todo de lo que de ello se deriva, es decir, una obra maestra de la comedia satírica de todos los tiempos. Algo así como la Vida de Brian de los Monty Pyton.
Peter Sellers está sencillamente genial, y la cinta en sí es todo una joya cinematográfica por estilo narrativo, decorados, diálogos, puesta en escena y en definitiva y en conjunto por el incisivo perfeccionismo que caracteriza en general cada uno de los proyectos iniciados por este genio entre los genios.
El reparto coral es simplemente devastador, y cada una de sus interpretaciones roza la perfección.
La mítica sala de guerra, el disparatado consejo de guerra en ella celebrado, los intentos del capitán Mandrake por evitar la catástrofe frente a la loca tozudez de un fanático anticomunista como el personaje interpretado por Sterling Hayden ( recuperado por Kubrick para la ocasión),y el discurso de éste a Mandrake sobre la esencia de la vida, ...así como sobre todo la maravillosa construcción del personaje que da título a la película, Dr Strangelove, y que Sellers diseña con mimo y esmero son ingredientes justos y necesarios para catalogar a esta obra de Kubrick como la gran obra maestra del humor satírico de la historia cinematográfica universal.
A DISFRUTAR.
Argylle
30 de julio de 2006
220 de 302 usuarios han encontrado esta crítica útil
Porque esencialmente del perdón y la redención es de lo que trata esta gran película del director de "Boogie Nights".
El relato azaroso de varias historias aparentemente inconexas pero hilvanadas sutilmente con un poderoso ritmo narrativo, y una temática conmovedora.
A medida que avanza el metraje nos damos cuenta de que sí hay mucho en común en cada uno de los relatos paralelos narrados.
Una sorprendente película ésta, llena de intensos y emotivos momentos que desde su estreno ya han engrosado la lista de maravillosas películas que en el cine actual de vez en cuando se dejan visionar.
Con unas interpretaciones poderosísimas, empezando por un moribundo Jason Robards interpretando el papel de Big Earl Partridge, pasando por la espléndida y portentosa Julianne Moore haciendo de segunda esposa de Earl, Tom Cruise haciendo el papel de Frank Maggey, John C. Reilly como el policia Jim Kurring, el recientemente oscarizado Phillip Seymour Hoffman haciendo de Phil Parma y sobre todos ellos un espléndido y arrebatador William H. Macey interpretando el papel de Donnie Smith...
Todo en esta película rezuma buen cine de ahora, de siempre e incluso del pasado...
Una espectacular lluvia de ranas anticipa el clímax final. Es el momento de la revelación, el arrepentimiento y ...el perdón.
"...ese pasado con el que quizá nosotros hallamos terminado, pero que aún no ha terminado con nosotros...".
La gente no se cree esas historias sobre casualidades, como la del tipo que se tira por una ventana y muere por un disparo fortuito de su madre en la caída, la historia del buzo encontrado muerto en la copa de un árbol en mitad de un bosque incendiado, o la lluvia de ranas...
Pero éstas cosas pasan, y esta película se encarga de demostrárnoslas.
E S P L É N D I D A.
El relato azaroso de varias historias aparentemente inconexas pero hilvanadas sutilmente con un poderoso ritmo narrativo, y una temática conmovedora.
A medida que avanza el metraje nos damos cuenta de que sí hay mucho en común en cada uno de los relatos paralelos narrados.
Una sorprendente película ésta, llena de intensos y emotivos momentos que desde su estreno ya han engrosado la lista de maravillosas películas que en el cine actual de vez en cuando se dejan visionar.
Con unas interpretaciones poderosísimas, empezando por un moribundo Jason Robards interpretando el papel de Big Earl Partridge, pasando por la espléndida y portentosa Julianne Moore haciendo de segunda esposa de Earl, Tom Cruise haciendo el papel de Frank Maggey, John C. Reilly como el policia Jim Kurring, el recientemente oscarizado Phillip Seymour Hoffman haciendo de Phil Parma y sobre todos ellos un espléndido y arrebatador William H. Macey interpretando el papel de Donnie Smith...
Todo en esta película rezuma buen cine de ahora, de siempre e incluso del pasado...
Una espectacular lluvia de ranas anticipa el clímax final. Es el momento de la revelación, el arrepentimiento y ...el perdón.
"...ese pasado con el que quizá nosotros hallamos terminado, pero que aún no ha terminado con nosotros...".
La gente no se cree esas historias sobre casualidades, como la del tipo que se tira por una ventana y muere por un disparo fortuito de su madre en la caída, la historia del buzo encontrado muerto en la copa de un árbol en mitad de un bosque incendiado, o la lluvia de ranas...
Pero éstas cosas pasan, y esta película se encarga de demostrárnoslas.
E S P L É N D I D A.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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30 de enero de 2007
137 de 155 usuarios han encontrado esta crítica útil
Ya en 1961 los rusos llevaron a la gran pantalla la vida de este peculiar cazador (Dersú Uzalá) nómada, animista, de aspecto simiesco y piernas arqueadas, perteneciente al pueblo nanai, antiguamente conocidos como "golds" de la taiga plagada de bosques de coníferas, entre cedros y pinos del Lejano Este Ruso, entre Siberia y el océano pacífico de la mano del cineasta ruso Agasi Babayan y basada en los libros del científico y explorador soviético Vladimir Arsenyev durante sus viajes (1902-1907) con fines cartográficos a la región de Ussuri, bañada por el río del mismo nombre que transcurre entre el noreste de China y la citada región del Lejano Este Ruso.
Con el prestigio un tanto tocado sobre todo en su país natal, el extraordinario cineasta, productor y guionista nipón Akira Kurosawa retoma esta maravillosa epopeya por los edénicos paisajes de la taiga siberiana, azotados de forma inmisericorde en las duras estaciones del otoño e invierno por unas cruentas condiciones atmosféricas, en donde los expedicionarios rusos comprobaron en carne propia la verdad universal que el entrañable cazador gold se encargó de demostrarles al paso de los días; que el ser humano es un grano de arena en el esquema del cosmos.
Kurosawa alterna planos cortos con planos largos a su entero antojo, elimina el uso de varias cámaras e incluso el zoom y se centra en visiones panorámicas, haciendo uso en el estudio de diversos ángulos que dieran el aspecto de composición fragmentada, abusando del teleobjetivo como en él era costumbre y narrándonos de manera magistral, elíptica y sin nigún tipo de alarde barroco en formato 70mm, con diálogos concisos y lacónicos las maravillosas enseñanzas animistas de este humilde ser humano; espíritus que habitan seres animados e inanimados.
La Bamba, el señor de la jungla es el poderoso y amenazante tigre a quien él cree haber importunado justo cuando era habitado por el espíritu del Bosque, y en sus últimos días, antes de caer ciego y regresar a morir a su querida Primorsky Krai, vivió obsesionado y crispado (al clasificar el género humano entre gente buena y gente mala) con la idea de la venganza de aquel espíritu omnímodo.
Nos enseñaba además que el fuego de la hoguera al crepitar nos susurra cosas al oído, que cuando los pájaros cantan la tormenta amaina y se anuncia el sol.
Dersu aprende constantemente, es de naturaleza buena ("sal, cerillas y arroz para los que vengan detrás...").
Causa empatía y conmiseración contemplar a Dersu en sus días finales incómodo en la habitación de una confortable casa de ciudad ("La ciudad asfixia"). Y esa fría habitación de huéspedes en casa de su íntimo amigo Arsenyev nos parece aún más fría que esas gélidas noches de ventisca en la taiga siberiana, cuando uno debía apresurarse a construir una morada inmprovisada a base de hojarasca.
Dersu nos recuerda a un ser tan inadaptado como el E.T posterior de Spielberg.
P R E C I O S A.
Con el prestigio un tanto tocado sobre todo en su país natal, el extraordinario cineasta, productor y guionista nipón Akira Kurosawa retoma esta maravillosa epopeya por los edénicos paisajes de la taiga siberiana, azotados de forma inmisericorde en las duras estaciones del otoño e invierno por unas cruentas condiciones atmosféricas, en donde los expedicionarios rusos comprobaron en carne propia la verdad universal que el entrañable cazador gold se encargó de demostrarles al paso de los días; que el ser humano es un grano de arena en el esquema del cosmos.
Kurosawa alterna planos cortos con planos largos a su entero antojo, elimina el uso de varias cámaras e incluso el zoom y se centra en visiones panorámicas, haciendo uso en el estudio de diversos ángulos que dieran el aspecto de composición fragmentada, abusando del teleobjetivo como en él era costumbre y narrándonos de manera magistral, elíptica y sin nigún tipo de alarde barroco en formato 70mm, con diálogos concisos y lacónicos las maravillosas enseñanzas animistas de este humilde ser humano; espíritus que habitan seres animados e inanimados.
La Bamba, el señor de la jungla es el poderoso y amenazante tigre a quien él cree haber importunado justo cuando era habitado por el espíritu del Bosque, y en sus últimos días, antes de caer ciego y regresar a morir a su querida Primorsky Krai, vivió obsesionado y crispado (al clasificar el género humano entre gente buena y gente mala) con la idea de la venganza de aquel espíritu omnímodo.
Nos enseñaba además que el fuego de la hoguera al crepitar nos susurra cosas al oído, que cuando los pájaros cantan la tormenta amaina y se anuncia el sol.
Dersu aprende constantemente, es de naturaleza buena ("sal, cerillas y arroz para los que vengan detrás...").
Causa empatía y conmiseración contemplar a Dersu en sus días finales incómodo en la habitación de una confortable casa de ciudad ("La ciudad asfixia"). Y esa fría habitación de huéspedes en casa de su íntimo amigo Arsenyev nos parece aún más fría que esas gélidas noches de ventisca en la taiga siberiana, cuando uno debía apresurarse a construir una morada inmprovisada a base de hojarasca.
Dersu nos recuerda a un ser tan inadaptado como el E.T posterior de Spielberg.
P R E C I O S A.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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6 de diciembre de 2006
152 de 189 usuarios han encontrado esta crítica útil
Paradigma del cine neorralista de Fellini, refleja pues el desolador y esperanzador al mismo tiempo periodo de postguerra italiano, donde la cámara del cineasta se adentra en las miserias de una sociedad depauperada, resignada, miserable y desposeída siquiera de un mínimo de dignidad humana que les sirviera de aliento en el decurso vital de una nación golpeada por el infortunio y el desengaño...
Donde precisamente aquella miseria generalizada servía de nexo de unión de las conciencias colectivas suficiente para impulsar nuevos bríos en la tradicionalmente alegre península mediterránea...
Junto con sus dos obras anteriores e iniciáticas, exponentes del neorralismo felliniano; “Lo sceicco bianco(El jeque blanco)” y mi admirada “I vitelloni(Los inútiles)”, son las dos películas más accesibles en la filmografía del cineasta de la Romagna, lejos de aquella por momentos maravillosa perspectiva irónica-onírica de su particular universo creativo de obras posteriores...
Con una estupenda banda sonora a cargo de Nino Rota, su colaborador habitual en estas lides hasta 1979, fecha de su muerte, con la colaboración póstuma de “Ensayo de orquesta”... aquella maravillosa sintonía que la desgraciada Gelsomina (espléndida Giulietta Masina) tocara con su trompeta, el unico instrumento junto con el tambor que aprendiera a tocar durante su periplo por la vetusta Italia de la mano de su protector, el forzudo Zampanò (un no menos soberbio Anthony Quinn)...
Una bella fotografía en blanco y negro a cargo de Otello Martelli retratando la miseria de un país destruído y abatido, en pleno proceso de reconstrucción, y en mitad de una miseria devastadora... retrato sórdido y realista de un país en descomposición-deconstrucción...
Desde los primeros momentos, cuando Zampanò compra a Gelsomina por 10000 míseras liras, vagando en aquella destartalada motocicleta con chiringuito y carpa detrás incorporados a modo de caravana, con la inscripción de su nombre, una sirena y un búho...durante aquel maravilloso periplo por la Italia de postguerra en espectáculos ambulantes y formando parte de aquella colección de personajes resignados, que combatían a duras penas la miseria y la pobreza con la alegría de la ingenuidad, los más pequeños y con la dura y diaria supervivencia, los mayores...
La Masina, la mujer de Fellini, compone una de las interpretaciones más fascinantes en la historia del celuloide, con claras reminiscencias del Chaplin de “La quimera del oro” por mucho que otros la hayan comparado INJUSTAMENTE con la Lina Morgan de “La tonta del Bote” por el histrionismo de sus ademanes...
Para Anthony Quinn será junto con “Zorba, el griego” su actuación más convincente y cautivadora...
Una verdadera O B R A M A E S T R A.
Donde precisamente aquella miseria generalizada servía de nexo de unión de las conciencias colectivas suficiente para impulsar nuevos bríos en la tradicionalmente alegre península mediterránea...
Junto con sus dos obras anteriores e iniciáticas, exponentes del neorralismo felliniano; “Lo sceicco bianco(El jeque blanco)” y mi admirada “I vitelloni(Los inútiles)”, son las dos películas más accesibles en la filmografía del cineasta de la Romagna, lejos de aquella por momentos maravillosa perspectiva irónica-onírica de su particular universo creativo de obras posteriores...
Con una estupenda banda sonora a cargo de Nino Rota, su colaborador habitual en estas lides hasta 1979, fecha de su muerte, con la colaboración póstuma de “Ensayo de orquesta”... aquella maravillosa sintonía que la desgraciada Gelsomina (espléndida Giulietta Masina) tocara con su trompeta, el unico instrumento junto con el tambor que aprendiera a tocar durante su periplo por la vetusta Italia de la mano de su protector, el forzudo Zampanò (un no menos soberbio Anthony Quinn)...
Una bella fotografía en blanco y negro a cargo de Otello Martelli retratando la miseria de un país destruído y abatido, en pleno proceso de reconstrucción, y en mitad de una miseria devastadora... retrato sórdido y realista de un país en descomposición-deconstrucción...
Desde los primeros momentos, cuando Zampanò compra a Gelsomina por 10000 míseras liras, vagando en aquella destartalada motocicleta con chiringuito y carpa detrás incorporados a modo de caravana, con la inscripción de su nombre, una sirena y un búho...durante aquel maravilloso periplo por la Italia de postguerra en espectáculos ambulantes y formando parte de aquella colección de personajes resignados, que combatían a duras penas la miseria y la pobreza con la alegría de la ingenuidad, los más pequeños y con la dura y diaria supervivencia, los mayores...
La Masina, la mujer de Fellini, compone una de las interpretaciones más fascinantes en la historia del celuloide, con claras reminiscencias del Chaplin de “La quimera del oro” por mucho que otros la hayan comparado INJUSTAMENTE con la Lina Morgan de “La tonta del Bote” por el histrionismo de sus ademanes...
Para Anthony Quinn será junto con “Zorba, el griego” su actuación más convincente y cautivadora...
Una verdadera O B R A M A E S T R A.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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