Aitor Arregi, Jose Mari Goenaga y Jon Garaño presentan en la 67 edición de cine de San Sebastián, su tercer largometraje, La Trinchera Infinita, tras las aclamadas, Loreak y Handía. Su nueva propuesta, supone un cambio de escenario, desde la zona de confort de su paisaje natal hacia el universo andaluz. Su creación se hace con la Concha de Plata a la mejor dirección, el premio Fipresci de la crítica internacional y el Feroz. El guionista José Mari Goenaga, suma, además el Premio del Jurado al mejor guión.

La trinchera Infinita nos propone un viaje interior, enclavado en las cuatro paredes de una casa, en un pequeño pueblo andaluz, en los primeros compases de la guerra civil. Antonio de la Torre interpreta a Higinio, concejal republicano, que decide esconderse, mientras dure el peligro, en un agujero de su casa, con la complicidad de su mujer, una magnífica Belén Cuesta, que dota al personaje de fortaleza y humanidad.

En el viaje que nos proponen Aitor Arregi, Jose Mari Goenaga y Jon Garaño acompañamos a Higinio, cámara en mano, en sus primeros intentos de libertad, en su confusión, su angustia, compartimos sus compases acelerados al sentirse acorralado, sus esfuerzos de huida, sus reticencias a esconderse, sus intentos por escapar. Después con más calma, con más profundidad, desde el interior, transitamos por la frustración, la resignación, y la humillación por verse embargado por el miedo.

La aproximación sobre la guerra civil de los directores vascos logra que el espectador comparta 33 años de encierro, de asfixia, y se penetre en el miedo, en la incertidumbre, en la incomprensión, en el odio, pero también en el amor y en la lucha por sostener la vida.

Emotiva propuesta, una historia para ser contada y un verdadero viaje emocional, desde el miedo a la esperanza.

Magnífica adaptación de la novela de Tatiana de Rosnay que ya cosechara un buen éxito de público.

A través del conflicto de la pequeña Sara reviviremos uno de los episodios más controvertidos de Francia durante la segunda guerra mundial : el papel activo de la policía francesa y el silencio de parte de la población ante deportaciones masivas de judíos en el centro de París.

Con una narración que sabe omitir lo superfluo y plasmar lo más relevante de la novela, superponiendo de manera inteligente las diferentes líneas argumentales, el director nos conducirá en un viaje apasionante por el periplo vital de un ser desde la infancia hacia la edad adulta. Su inocencia se verá pronto trastornada por el horror, la culpa y la lucha desesperada por lograr un cometido.

Julia Jarmond, periodista americana afincada en París desde hace veinte años, será el personaje encargado de rescatar esta historia del olvido y retornarla al presente para poder enfrentar un futuro que repercutirá en su propia historia personal. Encarnado por Kristin Scott Thomas, en un acierto de reparto, la actriz sabe dotar al personaje de la distancia requerida, su perspectiva está muy en sintonía con la conciencia del espectador: la verdad tiene un precio que hay que saber enfrentar. Ante el horror no hay nada peor que el silencio, que el olvido. Valga la historia aunque sea ficticia para apelar al no olvido ante la infancia oprimida en cualquier conflicto del mundo.

Bicicleta, cullera, poma es capaz de mostrarnos, sin recurrir al victimismo, la lucha de un personaje conocido por todos y de su familia por enfrentar una enfermedad incurable y devastadora.
Carles Bosch inteligentemente pone en el centro a un lúcido Maragall, y abriendo varias líneas narrativas trata de explicarnos incluso científicamente a qué nos enfrentamos. La cámara se aproxima a un personaje desde su vertiente más humana y a un entorno que asume el reto de alentar su autonomía sin dudar en protegerlo aunque sea de sí mismo. Es en estos momentos cuando la película se torna cálida, cercana e intensa.
Es la historia de un hombre que se resiste a que unos enredos de proteínas le roben su bien más preciado: sus recuerdos, y de una familia que no duda por amor en exponerse con fortaleza para apoyarlo y acompañarlo en su empeño.
Recuerdan las palabras mencionadas al inicio. ¿No? Pues recuérdenlas. Bicicleta, cullera, poma permanecerá como testimonio imperecedero de un lucha y de un empeño por preservar la libertad, el recuerdo de una vida intensamente vivida y ojala del inicio por aunar esfuerzos por preservar la de generaciones venideras.

Asíer Altuna presentó esta película en la sección oficial de la 63 edición de cine de San Sebastián.
Amama hunde sus raíces en la tradición de la tierra, los bosques, el entorno rural, y la esencia del arte, la sensibilidad, la música, para acercarnos la historia de una familia, y de dos mundos enfrentados. Es la historia de años de silencio, incomprensión, de un choque temido, anunciado, y de las vías que se abren para aproximarlos, y tratar de reconciliarlos.

Amama describe dos maneras de entender el mundo, de posicionarse frente a él, que se ven forzadas a equilibrar fuerzas. Es una historia otras veces contada, pero lo hace con un lenguaje totalmente cinematográfico, con imágenes poderosas. Árboles etiquetados que sin palabras nos hablan de la incomunicación, la desconfianza, el destino que coarta la libertad, inmoviliza y determina; cuerdas que atan a la tierra, o brotes de ramas que vuelven a nacer soñando con extenderse, desplegarse y alcanzar la plenitud.

The Wife clausula la 65 edición del Festival de Cine de San Sebastián, poniendo un notable broche de oro al certamen. 

Con guión de Jane Anderson, basada en la novela homónima de la escritora estadounidense Meg Wolitzer, el director sueco Bjorn Runge dirige a Glenn Glose y Jonathan Pryce, para acercanos la historia de un matrimonio, que comparte con inicial entusiasmo la concesión del Nobel de Literatura a uno de los conyuges. Todo es perfecto, en las muestras de amor mutuo de esta pareja, que parece haber encontrado el secreto para congelar a Eros, en base a una vida de intensa complicidad. A partir de este momento, se desencadena un juego de miradas, de sutiles reproches, que  nos adentrarán en los entresijos de la dedicación de esta abnegada esposa, que se aparta del foco, para dar toda la  luz a su ególatra esposo.

Como las buenas obras la narración va ganando en intensidad dramática, en matices de grises y complejidad, para dar paso a una profunda reflexión sobre la simbiosis en la pareja, la creación artística, el ego, la fama y la necesidad de cada persona de expresar su propia voz.

Magnífica interpretación de personajes, espléndida Glenn Close, que dota de humanidad, complejidad, realismo y vitalismo, a una película que va mas allá de la anécdota para incidir en la reivindicación social.