Película que dibuja el ambiente de la Ámerica de finales de los 60 -Vietnam, racismo, hippies, desigualdad, infidelidades, beisbol, LSD, esperanzas, sueños rotos...- por medio de un retrato de personajes que habitan el hotel Ambassador de Los Angeles el día que Robert Kennedy fue asesinado.

Bobby es un homenaje a dos Robert: en primer lugar Robert Kennedy, pues la película es una oda a sus ideas, y a la esperanza que transmitió al sector más humilde de los Estados Unidos; y también a Robert Altman, fallecido este año, pero cuyo legado se percibe en las "short cuts" que componen esta obra de Emilio Estévez, mediocre actor, que se rebela como excelente narrador, buen director de actores -un contenido Anthony Hopkins, una sorprendente Lindsay Lohan o unas perfectas Sharon Stone y Demi Moore- y logra dotar al filme de un ritmo perfecto y un tono nostálgico que añora un tiempo en el que Ámerica creía en el cambio.

El filme intercala en su ágil narración discursos de Bobby Kennedy, cuyo contenido resulta de sorprendente vigencia (cambien Vietnam por Irak, sustituyan Nixon por Bush...) y pone sobre la mesa -de manera menos enfática que un Oliver Stone- el oscuro tema de los magnicidios que han salpicado a la democracia estadounidense. Una buena película.

Quizá usted disfrute de la parsimoniosa belleza de "Bailando con Lobos" pero le achaque a este filme su larga duración. Quizá le encanta "Mad Max" pero ésta cinta le parece delirante. Quizá creyó que la historia era obra de un par de tarados sin reparar en que sus guionistas son Eric Roth (Munich, El buen Pastor, Forrest Gump) y Brian Helgeland (Mystic River, L.A. Confidential). O quizá la vio con lógicos prejuicios debido a unas críticas injustamente crueles.

Pero quizá pueda darle una segunda oportunidad -como yo hice- a este "Mensajero del futuro" y quien sabe, incluso encontrar tras algunos excesos (de metraje, de grandilocuencia, incluso de cierto patrioterismo) y varios defectos (la plana interpretación de Costner) una agradable historia ingénuamente romántica, un espectáculo de aventuras disfrutable y hasta un canto a la lucha incondicional por la libertad, no mucho más afectado que el de la muy celebrada "Braveheart".

Instrucciones para disfrutar de una película como "Passengers":

1) Olvidar que su director es Rodrigo García y no exigir la sensibilidad de "9 vidas" y "Cosas que diría con sólo mirarla" o la carga de profundidad psicológica de la excelente serie "In Treatment (En terapia)" de la cual es creador.

2) Resignarse a observar un thriller pseudo-psicológico con giro final y no tanto una reflexión profunda sobre la aceptación de la pérdida, la tragedia, o la muerte (vamos, que estamos lejos del espíritu de 'Gente Corriente' u otras cintas con traumas psicológicos como desencadenantes del drama)

3) Perdonar un guión (que por supuesto no firma Rodrigo García) generoso en lugares comunes del género fantástico-paranoico (no estamos tan lejos de títulos como "Plan de Vuelo: Desaparecida" u "Ojos que te acechan" por citar dos ejemplos recientes) a cambio de disfrutar con la delicadeza de algunas escenas íntimas o de corte melodramático, donde el director si puede dejar su impronta.

4) No esperar que nombres ilustres del reparto como Dianne Wiest o David Morse eleven el nivel medio del filme, pues cargan con personajes no ya secundarios sino casi anecdóticos.

5) Ser capaz de admitir sin rubor que Anne Hathaway ha crecido notablemente como actriz desde "Princesa por sorpresa" y es capaz de elevarse sobre las limitaciones de su plano personaje para lograr una interpretación notable que mantiene el interés del espectador en la pantalla.

En definitiva "Passengers" es un un paso en falso para un cineasta como Rodrigo García que apuntaba mucho más alto en sus primeros trabajos y se merece encargos con más enjundia que esta irregular intriga psicológica, aunque los fans del género pueden disfrutar moderadamente con un thriller funcional y eficientemente rodado, pero sin la suficiente solidez, profundidad o interés para constituir una película que perdure en la memoria del espectador.

Hay películas, especialmente en un género como el melodrama, en las que o bien uno entra de lleno y se deja empapar por sus emociones, o se queda al margen y aguanta como puede un chaparrón de sensibilidad que le resulta ajena. 'Héroes' de Pau Freixas es en ese sentido paradigmática.

Todo ese baño en nostalgia y sentimientos (ese valor que como ya he dicho otras veces, cotiza últimamente a la baja) que el filme ofrece sin disimulo, es tan arriesgado como legítimo. De la misma manera que en la reciente y magnífica 'La red social' David Fincher extirpa de raíz cualquier componente emocional, creo igualmente respetable que Freixas y Albert Espinosa opten aquí por disparar directos a la fibra sensible y al lacrimal del espectador, más aún cuando lo hacen con mayor pudor y elegancia de lo que se ha dicho por algunos mentideros.

'Héroes' no es contenida, ni lo pretende. Pero tampoco carga las tintas en exceso, no llega a ser cursi, ni afectada, ni a sonrojar con blandenguería modelo Nicholas Sparks, porque el guión es sensible, pero también hace gala de un sentido del humor extraordinario (confieso reírme mucho con un actor habitualmente tan serio como Alex Brendemühl, divertidísimo en su dulce duelo con una encantadora Eva Santolaria) y unos diálogos de conmovedora gracia a la que sin duda contribuye el gran acierto en la elección de unos jóvenes actores con desparpajo de sobra para dotar de vida a la entrañable pandilla protagonista.

Entre sus infravalorados activos ya he apuntado la sencillez y el encanto de su historia, una comicidad tan blanca como efectiva, la extrema sensibilidad de su guión y un reparto estupendo, a los que hay que sumar una ambientación y un ritmo envolventes, evocadores de un tiempo, un lugar y una manera de entender la vida en peligro de extinción no sólo para los adultos sino incluso para los que son niños hoy, pues 'Héroes' apela a la exaltación de la amistad y a una visión idealizada, casi mágica, de una infancia inocente a punto de colisionar con la cruda realidad adulta; la tierna historia de un verano tan caluroso como decisivo en las vidas de los personajes, como veremos en el epílogo, marcados para siempre por su recuerdo.

Uno ha de ser muy áspero para que la propuesta no le resulte cuando menos simpática, y en cuanto a sus limitaciones (los lugares comunes, la visión totalmente idealizada de los 80, el escaso peso de algunos secundarios o el discutible golpe de efecto dramático en el último tercio, que sin embargo da un agradecible giro a una historia que hasta entonces camina por senderos tan resultones como previsibles) son evidentes, pero unos ojos empapados en lágrimas durante los últimos minutos de metraje, proporcionan una perspectiva infinitamente más tolerante hacia ellas. Y es que ese loco invento llamado cine, a veces nos hace pensar, nos provoca, nos inquieta, nos reta, nos asusta, nos incomoda, o nos enseña. Y otras, sencillamente, nos emociona. Y a algunos eso nos gusta. Mucho.

Cuenta una historia bastante previsible, y no demasiado novedosa: la del enamoramiento de un veterano actor de teatro de una joven lolita, que se encariña de su carisma y ternura. Lo hace, no obstante con un tono perfecto: con sensibilidad -pero no cursilería- y muy buen humor, especialmente acertado en los diálogos, y atreviéndose a tratar un tema casi intocable, el del sexo en la tercera edad.

Peter O´Toole compone magistralmente un personaje entrañable, y lo dota de un enorme carisma. Su química con la joven Jodie Whitaker no puede ser más evidente, y tanto Leslie Phillips como Richard Griffiths ejercen de estupendos secundarios. Se agradece a Roger Michell su contención en un desenlace no tan llorón como podría intuirse y como en Notting Hill, la música es un elelmento indispensable para acompañar el relato: aquí suena mucho y bien, Corinne Bailey Rae.