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Críticas de vircenguetorix
9 de febrero de 2009
94 de 96 usuarios han encontrado esta crítica útil
1. Porque disfrutará de un estratosférico George C. Scott, ganador del Globo de Oro por esta interpretación, el que ha sido uno de los mejores actores norteamericanos de la historia.
2. Porque podrá apreciar el mejor trabajo desde “El exorcista” de un director sin suerte como William Friedkin, que recupera aquí su mejor nivel.
3. Porque sale Jack Lemmon, el hombre por enésima vez bueno, que nos hace ser mejores con el prójimo.
4. Porque comprobará que la televisión, cuando quiere, puede ser no sólo el hermano pobre del cine, sino su alumno aventajado.
5. Porque sale Armin Mueller-Stahl, un señor que nació en un país que ya no existe, pero que siempre existirán en cambio sus personajes, en una filmografía envidiable y formidable.
6. Porque veremos una vez más la historia original de Reginald Rose, un hombre que demostró que el guión es el pilar esencial de todo buen cine.
7. Porque te servirá de excusa para volver a visionar la obra maestra de Sidney Lumet y comparar.
9. Porque homenajea a Descartes y a su duda metódica, y nos demuestra que hay que dudar de los sentidos, de la razón y de la misma duda.
8. Porque nos recuerda que un hombre puede cambiar a los demás de parecer, no venciendo, sino convenciendo.
10. Porque te ayudará infinitamente cuando en tu vida te toque ser jurado sin llegase el caso.
11. Porque durante dos horas no querrás acordarte del teléfono móvil, ni de los políticos, ni de las facturas, ni del jefe, ni siquiera de bajar al estanco; porque estarás más pendiente de la suerte de un chico hispano al que no conoces, al que unos hombres tienen en sus manos.
12 Porque cuando oigas a alguien que critica de forma global los “remakes”, usted pueda decirle que conoce uno y muy bueno.
Nota: 8,3.
2. Porque podrá apreciar el mejor trabajo desde “El exorcista” de un director sin suerte como William Friedkin, que recupera aquí su mejor nivel.
3. Porque sale Jack Lemmon, el hombre por enésima vez bueno, que nos hace ser mejores con el prójimo.
4. Porque comprobará que la televisión, cuando quiere, puede ser no sólo el hermano pobre del cine, sino su alumno aventajado.
5. Porque sale Armin Mueller-Stahl, un señor que nació en un país que ya no existe, pero que siempre existirán en cambio sus personajes, en una filmografía envidiable y formidable.
6. Porque veremos una vez más la historia original de Reginald Rose, un hombre que demostró que el guión es el pilar esencial de todo buen cine.
7. Porque te servirá de excusa para volver a visionar la obra maestra de Sidney Lumet y comparar.
9. Porque homenajea a Descartes y a su duda metódica, y nos demuestra que hay que dudar de los sentidos, de la razón y de la misma duda.
8. Porque nos recuerda que un hombre puede cambiar a los demás de parecer, no venciendo, sino convenciendo.
10. Porque te ayudará infinitamente cuando en tu vida te toque ser jurado sin llegase el caso.
11. Porque durante dos horas no querrás acordarte del teléfono móvil, ni de los políticos, ni de las facturas, ni del jefe, ni siquiera de bajar al estanco; porque estarás más pendiente de la suerte de un chico hispano al que no conoces, al que unos hombres tienen en sus manos.
12 Porque cuando oigas a alguien que critica de forma global los “remakes”, usted pueda decirle que conoce uno y muy bueno.
Nota: 8,3.
22 de mayo de 2007
126 de 164 usuarios han encontrado esta crítica útil
Ya dije en mi critica de “Las montañas de la luna” que el cine no es un medio útil para conocer la historia del hombre; sí es atractivo –que no es poco- pero no es desde luego riguroso para acercarse medianamente a un conocimiento serio de nuestro pasado. Es más por mi experiencia puedo decir que de las cien creencias más importantes históricas totalmente erróneas de la gente, por lo menos noventa se deben al cine.
No se preocupen “Carros de fuego” no es una de ellas, precisamente porque no deja de ser un tema menor que sólo importa a los especialistas del asunto, por lo tanto los continuos errores y mal intenciones en la película carecen de importancia al gran público.
Empezaré comentando que en 1981 la gente tenía mono de Juegos Olímpicos. El bluff de 1980 en Moscú debido al boicot norteamericano y de sus aliados había dejado un sabor de amargura y sobre todo de ganas de barrer en la obtención de medallas en Los Ángeles 1984. Dentro de la promoción de búsqueda de éxitos y medallas de los británicos se inserta “Carros de fuego”.
Para su historia chauvinista Hugh Hudson escoge obviamente unos juegos muy atrás en el tiempo –para evitar la guerra fría y los años del nazismo de los años 30 y que no parezca que es política-. Se trata de los Juegos olímpicos de París de 1924 que comenzaré diciendo que supusieron un gran fracaso para los británicos. Eso para empezar aunque Hudson venda otra cosa. Desde la creación de los juegos suponen el primer momento en que el Reino Unido no estuviera ya presente entre los mejores del medallero, y fue ampliamente derrotado por los norteamericanos, la gran revelación que fueron los finlandeses y por los anfitriones franceses. A partir de París Reino Unido comienza su declive olímpico y perderá cantidad de medallas tras medallas hasta hoy –con la excepción curiosa de la última de Atenas-.
Para que se hagan idea del fiasco no ganaron una sola medalla en deportes típicamente británicos como fútbol, hípica o rugby y ninguna de oro en otros como vela, esgrima, tenis, polo...Y de las 30 medallas posibles en tiro solo se llevaron tres.
En atletismo la cosa no fue tampoco muy bien y sólo respondieron como excepción los velocistas. Curiosamente es de quien trata la película y sólo de ellos. La impresión que me transmite Hudson es que le importa más bien poco el deporte y el atletismo. Es más para hacer la película parte de un resultado: Una victoria británica. Si esta hubiera sido en otra distancia o en otra disciplina o en otros juegos lo hubiera escogido en vez de los 100 metros de París si allí no hubiera ganado uno de los suyos.
Y es que la película tiene decenas de disparates sacados de la manga del director y guionista, entre ellas su fancofobia. Plantear que un corredor francés empuja a Eric Lidell en un encuentro amistoso internacional es una vergüenza, -para empezar fue en un Escocia-Irlanda- y se cayó el sólito.
No se preocupen “Carros de fuego” no es una de ellas, precisamente porque no deja de ser un tema menor que sólo importa a los especialistas del asunto, por lo tanto los continuos errores y mal intenciones en la película carecen de importancia al gran público.
Empezaré comentando que en 1981 la gente tenía mono de Juegos Olímpicos. El bluff de 1980 en Moscú debido al boicot norteamericano y de sus aliados había dejado un sabor de amargura y sobre todo de ganas de barrer en la obtención de medallas en Los Ángeles 1984. Dentro de la promoción de búsqueda de éxitos y medallas de los británicos se inserta “Carros de fuego”.
Para su historia chauvinista Hugh Hudson escoge obviamente unos juegos muy atrás en el tiempo –para evitar la guerra fría y los años del nazismo de los años 30 y que no parezca que es política-. Se trata de los Juegos olímpicos de París de 1924 que comenzaré diciendo que supusieron un gran fracaso para los británicos. Eso para empezar aunque Hudson venda otra cosa. Desde la creación de los juegos suponen el primer momento en que el Reino Unido no estuviera ya presente entre los mejores del medallero, y fue ampliamente derrotado por los norteamericanos, la gran revelación que fueron los finlandeses y por los anfitriones franceses. A partir de París Reino Unido comienza su declive olímpico y perderá cantidad de medallas tras medallas hasta hoy –con la excepción curiosa de la última de Atenas-.
Para que se hagan idea del fiasco no ganaron una sola medalla en deportes típicamente británicos como fútbol, hípica o rugby y ninguna de oro en otros como vela, esgrima, tenis, polo...Y de las 30 medallas posibles en tiro solo se llevaron tres.
En atletismo la cosa no fue tampoco muy bien y sólo respondieron como excepción los velocistas. Curiosamente es de quien trata la película y sólo de ellos. La impresión que me transmite Hudson es que le importa más bien poco el deporte y el atletismo. Es más para hacer la película parte de un resultado: Una victoria británica. Si esta hubiera sido en otra distancia o en otra disciplina o en otros juegos lo hubiera escogido en vez de los 100 metros de París si allí no hubiera ganado uno de los suyos.
Y es que la película tiene decenas de disparates sacados de la manga del director y guionista, entre ellas su fancofobia. Plantear que un corredor francés empuja a Eric Lidell en un encuentro amistoso internacional es una vergüenza, -para empezar fue en un Escocia-Irlanda- y se cayó el sólito.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
Ver todo
Desconocidos
4 de abril de 2007
104 de 120 usuarios han encontrado esta crítica útil
Reconozco que tengo debilidad por Peter Weir, el que es para mí el mejor director australiano de todos los tiempos y que su filmografía es casi perfecta y me gustan la practica totalidad de ellas. Pero hay una a la que tengo un cariño y aprecio especial por ser de su primera etapa y ser una de las favoritas de mi infancia. Se trata de la maravillosa “Gallipoli”, una de las mejores películas sobre la Primera Guerra Mundial con diferencia donde vamos a vivir momentos de una belleza artística altísima y sentir la amistad, el miedo y el destino como pocas veces lo hemos visto.
La película desprende sencillez y a la vez ternura por los cuatro costados y le hace tener una cercanía al espectador muy impropia del cine bélico. Aquí nos encontramos con la verdadera desilusión de la guerra y de la juventud truncada de miles y miles de jóvenes en todo el mundo que perdieron lo poco que tenían en aquella horrible guerra que la PGM.
La verdad es que la química entre la pareja protagonista Gibson-Lee es perfecta y hace que la historia vaya creciendo por momentos teniendo un fabuloso desenlace con unos veinte minutos de auténtico cine.
Es una pena lo de un actor como Mark Lee, porque el chico tenía un futuro prometedor y sin embargo acabó haciendo bodrio tras bodrio y escribiendo cosas tan horribles como “Karate Kid 3”. De Mel Gibson señalar que es una de sus mejores interpretaciones sin lugar a dudas.
Agradecer al productor, Robert Stigwood, que sobre todo le interesan los musicales, que se decantara en su día por apoyar esta pequeña joya del cine australiano y sobre todo por arropar a Peter Weir que escribe –junto con David Williamson que no aporta nada interesante- y dirige esta extraordinaria película que ya es legendaria para muchos amantes del cine, pero que sin embargo sigue sin ser del todo conocido por el gran público algo que nunca he comprendido bien, ya que tiene suficientes elementos comerciales (para empezar dos caras bonitas de protagonistas) para tener otro status a nivel cinematográfico.
Hay que destacar especialmente la música que acompaña a la película porque es de lo mejor, desde un Brian May (“Mad Max” o “Los inmortales”) que está enorme, a un Jean Michel Jarre que es una apuesta arriesga y queda maravillosamente bien en las escenas donde suena. Pero sin lugar a dudas es ese Tomaso Albinoni (para los puristas digamos Remo Giazotti) el que nos roba el corazón con una de las melodías más bellas de todos los tiempos.
También hay que aplaudir esas bellas imágenes en el desierto conseguidas de la mano de Russell Boyd, que después de muchos años a la deriva con subproductos fue rescatado por el propio Weir para fotografiar “Master and Commander” consiguiendo un trabajo perfecto.
La película desprende sencillez y a la vez ternura por los cuatro costados y le hace tener una cercanía al espectador muy impropia del cine bélico. Aquí nos encontramos con la verdadera desilusión de la guerra y de la juventud truncada de miles y miles de jóvenes en todo el mundo que perdieron lo poco que tenían en aquella horrible guerra que la PGM.
La verdad es que la química entre la pareja protagonista Gibson-Lee es perfecta y hace que la historia vaya creciendo por momentos teniendo un fabuloso desenlace con unos veinte minutos de auténtico cine.
Es una pena lo de un actor como Mark Lee, porque el chico tenía un futuro prometedor y sin embargo acabó haciendo bodrio tras bodrio y escribiendo cosas tan horribles como “Karate Kid 3”. De Mel Gibson señalar que es una de sus mejores interpretaciones sin lugar a dudas.
Agradecer al productor, Robert Stigwood, que sobre todo le interesan los musicales, que se decantara en su día por apoyar esta pequeña joya del cine australiano y sobre todo por arropar a Peter Weir que escribe –junto con David Williamson que no aporta nada interesante- y dirige esta extraordinaria película que ya es legendaria para muchos amantes del cine, pero que sin embargo sigue sin ser del todo conocido por el gran público algo que nunca he comprendido bien, ya que tiene suficientes elementos comerciales (para empezar dos caras bonitas de protagonistas) para tener otro status a nivel cinematográfico.
Hay que destacar especialmente la música que acompaña a la película porque es de lo mejor, desde un Brian May (“Mad Max” o “Los inmortales”) que está enorme, a un Jean Michel Jarre que es una apuesta arriesga y queda maravillosamente bien en las escenas donde suena. Pero sin lugar a dudas es ese Tomaso Albinoni (para los puristas digamos Remo Giazotti) el que nos roba el corazón con una de las melodías más bellas de todos los tiempos.
También hay que aplaudir esas bellas imágenes en el desierto conseguidas de la mano de Russell Boyd, que después de muchos años a la deriva con subproductos fue rescatado por el propio Weir para fotografiar “Master and Commander” consiguiendo un trabajo perfecto.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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6 de febrero de 2010
102 de 117 usuarios han encontrado esta crítica útil
Para el que suscribe estas líneas “La roca” se encuentra en el top five del cine de acción norteamericano de los años noventa junto con “Terminator 2”, “Le llaman Bodhi” o “La jungla de cristal III”.
Todo en ella es tan desmesurado como una hamburguesa o un perrito gigante, y como tal hay que tomarlo, como un día de carnaval donde todo vale y donde todo está en función del entretenimiento más lúdico y desfasado.
Es también un perfecto catálogo de buenos actores, en especial de un Sean Connery que homenajea en cierta forma toda su carrera de papeles de James Bond. En realidad es lo que hubiera pasado si a James Bond le hubiesen detenido los americanos treinta años antes al intentar robar unos valiosísimos documentos.
Es una película en la que además destacan otros muchos parámetros como la banda sonora, los efectos, la fotografía y curiosamente el guión, elaborado con un gusto estético de la acción poco abundante.
Y aunque todo es opinable creo que es la mejor película de Michael Bay, un director que no nos gusta a casi nadie pero aquí cumple siendo parte de la orquesta.
Por cierto, si algún día sois víctimas de un ataque químico con VX, lo último que tenéis que hacer es la salvajada de inyectaros la atropina en el corazón, moriríais al instante, con hacerlo en el cuádriceps es suficiente.
Nota: 6,7.
Todo en ella es tan desmesurado como una hamburguesa o un perrito gigante, y como tal hay que tomarlo, como un día de carnaval donde todo vale y donde todo está en función del entretenimiento más lúdico y desfasado.
Es también un perfecto catálogo de buenos actores, en especial de un Sean Connery que homenajea en cierta forma toda su carrera de papeles de James Bond. En realidad es lo que hubiera pasado si a James Bond le hubiesen detenido los americanos treinta años antes al intentar robar unos valiosísimos documentos.
Es una película en la que además destacan otros muchos parámetros como la banda sonora, los efectos, la fotografía y curiosamente el guión, elaborado con un gusto estético de la acción poco abundante.
Y aunque todo es opinable creo que es la mejor película de Michael Bay, un director que no nos gusta a casi nadie pero aquí cumple siendo parte de la orquesta.
Por cierto, si algún día sois víctimas de un ataque químico con VX, lo último que tenéis que hacer es la salvajada de inyectaros la atropina en el corazón, moriríais al instante, con hacerlo en el cuádriceps es suficiente.
Nota: 6,7.
6 de abril de 2007
129 de 172 usuarios han encontrado esta crítica útil
Está claro que nos encontramos con uno de los western más significativos e importantes de toda la historia del cine, y es normal, entre otras cosas porque desde el último hasta el primero de los componentes de la película se encuentran en su mejor momento artístico y técnico, desde productores, músicos, actores, guionistas, fotógrafos... y por supuesto John Ford que está en un instante ya de sapiencia y madurez irrepetible. Lo que vemos en la pantalla es una orquesta que no desafina y que toca como los ángeles.
Otra cosa es que el género en aquellos primeros años 60 se estaba agotando y que la gente quería ver otras cosas. Ford lo comprendió y con esta película se despide de dicho género el que más le agradó, iniciando el western crepuscular que luego tanto sería imitado a finales de los sesenta, en la década de los setenta y hasta en “Sin perdón”. Porque aunque hizo dos más del oeste, no debemos olvidar que “La conquista del Oeste” sería una manera de presentar un recopilatorio homenaje al género y con “El gran combate” tendríamos una especie de nunca digas nunca jamás que todos los grandes tienen. Pero es aquí, en “El hombre que mató a Liberty Valance” donde tenemos su testamento sobre el western.
Me gustaría centrar mi exposición sobre todo en el mensaje y moraleja de esta película porque es contradictoria, compleja y extraña. Por un lado es una película progresista (sí, y es de John Ford), cree en la evolución de las sociedades, del hombre y por lo tanto que la civilización se impone a la barbarie; pero al mismo tiempo la película tiene una idea que muchos no pueden compartir pero que es evidente: El Estado al margen de las leyes y los políticos siempre tendrá que tener hombres como Tom Doniphon (John Wayne) para poder combatir a ciertos elementos de la sociedad que no respetan las normas y la convivencia. Sin ese tipo de hombres no hubiésemos tenido ni tendríamos la paz de la que ahora disfrutamos.
Hace tiempo leía en una página web que Liberty Balance sería la representación del terrorismo de nuestros días y que para luchar contra estos individuos que no respetan nada, no vale sólo el Estado de Derecho, sino un John Wayne que sería una especie de G.A.L. Quizá pudiera parecer excesiva esta afirmación pero creo que en realidad no va muy desencaminada del mensaje de Ford.
Particularmente la historia de amor me parece preciosa; quien sabe, probablemente Vera Miles siempre quiso a John Wayne pero se casó con Ranse Stoddard (James Stewart) por seguridad como hacen la mayor parte de las mujeres. Esa flor de cactus en su ataúd y la pregunta del Senador a su mujer con la mirada perdida es una prueba de ello. Por cierto, extraordinario Lee Marvin.
Otra cosa es que el género en aquellos primeros años 60 se estaba agotando y que la gente quería ver otras cosas. Ford lo comprendió y con esta película se despide de dicho género el que más le agradó, iniciando el western crepuscular que luego tanto sería imitado a finales de los sesenta, en la década de los setenta y hasta en “Sin perdón”. Porque aunque hizo dos más del oeste, no debemos olvidar que “La conquista del Oeste” sería una manera de presentar un recopilatorio homenaje al género y con “El gran combate” tendríamos una especie de nunca digas nunca jamás que todos los grandes tienen. Pero es aquí, en “El hombre que mató a Liberty Valance” donde tenemos su testamento sobre el western.
Me gustaría centrar mi exposición sobre todo en el mensaje y moraleja de esta película porque es contradictoria, compleja y extraña. Por un lado es una película progresista (sí, y es de John Ford), cree en la evolución de las sociedades, del hombre y por lo tanto que la civilización se impone a la barbarie; pero al mismo tiempo la película tiene una idea que muchos no pueden compartir pero que es evidente: El Estado al margen de las leyes y los políticos siempre tendrá que tener hombres como Tom Doniphon (John Wayne) para poder combatir a ciertos elementos de la sociedad que no respetan las normas y la convivencia. Sin ese tipo de hombres no hubiésemos tenido ni tendríamos la paz de la que ahora disfrutamos.
Hace tiempo leía en una página web que Liberty Balance sería la representación del terrorismo de nuestros días y que para luchar contra estos individuos que no respetan nada, no vale sólo el Estado de Derecho, sino un John Wayne que sería una especie de G.A.L. Quizá pudiera parecer excesiva esta afirmación pero creo que en realidad no va muy desencaminada del mensaje de Ford.
Particularmente la historia de amor me parece preciosa; quien sabe, probablemente Vera Miles siempre quiso a John Wayne pero se casó con Ranse Stoddard (James Stewart) por seguridad como hacen la mayor parte de las mujeres. Esa flor de cactus en su ataúd y la pregunta del Senador a su mujer con la mirada perdida es una prueba de ello. Por cierto, extraordinario Lee Marvin.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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