Película de Reinaldo Marcus Green sobre la vida y la música de un personaje icónico que influyó e inspiró a generaciones con canciones cuyo mensaje central era el del amor y la unidad. La primera vez que podemos ver en la gran pantalla la historia de riesgo y superación de Bob Marley (Ben-Adir).

A lo largo de su breve vida, Bob Marley logró mucho sin lugar a duda. Trajo a la música el reggae como corriente principal, grabó álbumes con más de setenta y cinco millones de copias vendidas, se convirtió en una súper estrella reconocida mundialmente y difundió un mensaje en aras a la unidad y a la paz.

Marley era seguidor de Haile Selassie (Rey de Etiopía) a quien consideraba el profeta del movimiento Rastafari, por ser descendiente directo de Salomón y descendiente directo de Jesús en la tierra: un mensajero de Dios. Este es el fundamento de la vida cristiana de Marley que nunca fue apegado al dinero y sí a convertirse en una guía para sus seguidores.

Con apenas treinta y seis años Marley murió en la cima de su fama. Corría el año 1981. De manera que su figura, a estas alturas, ya estaba madura para esta película del director Reinaldo Marcus Green, que consigue una obra interesante, respetuosa y seria, contando elementos principales de la vida de Marley, aunque sin profundizar en exceso.

Comienza el filme en 1976 cuando Marley desea dar un concierto en su país, incluso tras un intento de asesinato. Marley, un músico que además tiene una carga espiritual y carisma para unir a la gente, que ofrece su vida para enriquecer la vida de los demás.

Esta obra es ante todo una cronología de aconteceres bien rodada, buena puesta en escena y efectos especiales digitales para las grandes multitudes en los grandes conciertos, un bonito espectáculo en pantalla.

El guion adapta la biografía de Bob Marley escrita por Winter y Flowers, un libreto que apuesta por el dinamismo y pierde en hondura. Apenas roza las partes más complicadas de la vida de Marley.

En el reparto es magnífica la actuación de Kingsley Ben-Adir como Marley, una presencia tranquila y una personalidad eléctrica en el escenario; además, acierta a capturar los gestos, el habla y la presencia del músico. El trabajo de Ben-Adir es motivo por si solo para ir a ver el filme.

Acompañan en el reparto la rotunda Lashama Lynch, muy bien como la señora Marley (Nia Ashi como Rita adolescente); Lynch alterna el cariño y la paciencia con la ferocidad y la iracundia en sus ojos; James Norton bien como Chris Blackwell; y otros artistas secundarios hacen de miembros del grupo The Wailers, todos bien y conjuntados.

Kris Bowers compuso la banda sonora de la película, después de trabajar con Green y King Richard, aunque el grueso y lo más llamativo de las notas musicales y la letra pertenecen a Bob Marley y sus muy conocidas y eternas canciones tipo reggae: “No Woman No Cry”, “Concrete Jungle”, “One Love/ People Get Ready”, etc. Música conmovedora, como si al oírla fuera la primera vez.

Obra bien confeccionada que ofrece una experiencia visual bonita, impulsada por la música y la actuación sobresaliente de Adir-Marley.

Publicado en revista ENCADENADOS: https://encadenados.org/criticas/bob-marley-one-love-2/

Por sus características geográficas frágiles y un exceso de turistas, Venecia se resiente en lenta agonía, y ese deterioro invasivo desata la ira entre los venecianos. Para frenar la turbamulta turística provocada por un alborotado grupo de jóvenes turistas, algunos venecianos se han organizado, guiándose por cierto instinto de supervivencia.

Los protagonistas, el grupo de visitantes españoles que viaja a la ciudad de los canales para divertirse, están ajenos a los problemas que les rodean y, finalmente, ante la ofensiva de los oriundos se verán obligados a luchar para salvar sus propias vidas.

Acierta Álex de la Iglesia en su manera de llevar esta especie de thriller de terror divertido, colorista y excitante. Tiene su importante carga de malicia y, haciendo honor a su título, presenta un esquizofrénico ejercicio de amor al mal, y de villanos que van de lo razonable a la locura asesina.

No faltan las víctimas propiciatorias, y los dilemas morales y sociales que más bien corren de cuenta del espectador, no de un guion explicativo o pretencioso, tal el que firman el propio De la Iglesia junto a Jorge Gerricaechevarría.

Hay asesinatos creativos y sangrientos en escenarios ultramodernos, como ruidosas discotecas y fatales carnavales turísticos, que devienen puro divertimento de horror y suspense.

Reparto equilibrado y coral con artistas como Ingrid García Johnsson, Silvia Alonso, Alberto Bang o Cosimo Fusco, entre otros. Música de Roque Baños que envuelve el enigma y ayuda a crear la atmósfera suspense y sangre de la cinta, y una sensacional fotografía de Pablo Rosso luminosa y de colores estridentes.

Crece y se disfruta esta celebración del cine cuando pierde el control, cuando a De la Iglesia se le ve disfrutar por el vértigo que produce verse en mitad del canal agarrado a un poste de madera; y cuando se le aclara la idea de dar la vuelta sin pudor a todos los tópicos venecianos: su pomposo carnaval, sus paseos en góndolas y el glamur de su festival de cine.

Un granjero californiano tiene dos hijos, Cal y Aron, dos seres antitéticos, con caracteres muy diferentes. Ambos rivalizan por el cariño del padre, siendo este conflicto la encarnación del relato bíblico de Caín y Abel: un mito universal.

La situación de Cal se complica cuando averigua que su madre está viva, contrariamente a lo que pensaba, y que regenta un local de alterne.

Dirigida con excelencia por Elia Kazan, es adaptación de la novela homónima de John Steinbeck. Es considerada una de las obras maestras del cine cincuentero y una de las mejores películas de Kazan.

La película ha recibido numerosas críticas positivas por su realismo, su intensidad y el estudio de los personajes, una historia visceral, un intenso drama en el que podemos observar cuán poco han cambiado los conflictos familiares y sociales.

Es de resaltar igualmente el estupendo guion de Paul Osborn (novel de Steinbeck) y la sensacional fotografía atmosférica de Ted D. McCord. Todo lo cual subraya la importancia en la trama de la búsqueda de las raíces, la influencia genética en la conducta (la madre), la apreciación subjetiva de la bondad y la maldad, la necedad del maniqueísmo o la redención en un contexto alienado.

En el reparto destaca un buen James Dean (siempre sobrevalorado), que se convirtió en el ícono juvenil de su generación, junto a Raymond Massey (padre), Richard Davalos, Julie Harris, Jo Van Fleet o Burt Ives. Grandes interpretaciones y un certero sentido de la época y de su entorno.

La película es adaptación del cuento clásico homónimo francés, de Charles Perrault, escrito en 1694, en el cual un padre que enviuda, ante el consejo de su esposa, quien antes de morir, aconseja al esposo casar con una mujer más hermosa e inteligente que ella. Tras buscar entre princesas candidatas, el rey decide que ninguna es tan bella y lista que su hija y decide contraer casamiento con ella.

Pero como es sabido, la consanguinidad, la endogamia, es peligrosa y desaconsejable. Aunque en el filme este tema apenas se aborda de forma directa, es sensato que el cuento de Pierrot, siguiendo a Bruno Bettelheim, el famoso psicoanalista y autor del libro, “Psicoanálisis de los cuentos de hadas”, desdramatice la perversa idea del padre y busque una salida alternativa a ese pérfido matrimonio. Y así será para regocijo final.

La cinta fue dirigida por Jacques Demy ("Las señoritas de Rochefort", 1967), es su tercer musical, con notas muy lindas de Michel Legrand, bonita y colorista fotografía de Ghislain Cloquet y protagonizada nada menos que por una bellísima Catherine Deneuve, un estupendo Jean Marais en su última película y Jacques Perrin.

Se trata de un bonito y fantástico musical romántico, que recrea un mundo mágico y colorista, lleno de humor, poesía y homenajes a Jean Cocteau y a otros autores.

Finalmente se trata narra la historia de una princesa que huye de su padre, el rey azul, que quiere desposarse con ella tras enviudar. Con la ayuda del Hada de las Lilas, la madrina de la princesa, esta se disfraza con una piel de asno y se refugia en una granja, donde conoce al príncipe rojo, que se enamora de ella y ella de él.

La película es una obra original y encantadora, que mezcla elementos realistas con otros surrealistas e imaginativos. Los vestidos, los escenarios, los colores y las canciones contribuyen a crear una atmósfera única y fascinante.

Muy recomendable y se puede ver con entusiasta emoción a pesar del tiempo transcurrido. Recomendable para padres e hijos.

Esta estupenda película de la directora Carla Simón (guion suyo y de Arnau Vilaró), destaca por ser cine que parte del convencimiento de que el lenguaje organiza el mundo, le da sentido, lo ordena, localiza puntos de encuentro y sostiene la enorme importancia del hecho mismo de existir y de amar.

La historia se cuenta a sí misma, fluye libre tanto en la mirada como las palabras que se escuchan por vez primera. En su delicado relato naturalista, se encuentra el secreto de la vida misma. Y eso es más que genial.

Podemos ver en pantalla a la familia Solé, que lleva varias generaciones cultivando un enorme campo de melocotoneros en Alcarràs, pequeño pueblo de Lérida. Pero hete aquí que ese verano puede que sea su última cosecha, pues la fruta ya no es rentable, mientras los paneles solares sustituyen a los árboles.

La cinta está interpretada por gentes comunes de los alrededores de la localidad leridana que le da título, donde discurre la aventura de la familia que ve cómo su vida se desmorona. Los actores son por lo tanto gente del pueblo como Jordi Pujol Dolcet, Anna Otin, Xenia Roset o Albert Bosch, entre otros.

La directora hace una obra importante en la cual apenas se sabe qué es realidad y qué es ficción. Lo cual le valió ganar el Oso de Oro del Festival de Berlín. La idea es que la cinta discurra ante la mirada del espectador como un milagro de claridad, de compromiso y de elemental belleza.

Argumento actual tratado desde su interior con sencillez y sensibilidad, como para convocar emociones. Para ello recurre Simon al frescor de la infancia: los niños de la familia, sus juegos, su vida ajena a los problemas de tierras, de generaciones y de convivencia adulta; y la alegría que les trae la lluvia o el sol, o el mordisco a un melocotón. El mundo de la infancia, incluida la pubertad de una de las hijas o la presencia crepuscular amable del abuelo. Como dijo el poeta Rainer Maria Rilke: “La verdadera patria del hombre es la infancia”.

Maravillosa mirada de la directora catalana sobre el campo y la familia, que emociona: “un cine que nos hace mejores” (Martínez).