Personalmente y, adelantándome a las voces que creerán ver en INVICTUS un trabajo menor de Eastwood, no creo que allá que valorar su ultimo, y de nuevo eficacísimo estreno, como un paso en falso dentro de lo que viene a ser una carrera tan vigorosa y llena de fuerza que apenas hay laderas en las montañas de una filmografía capital e importantísima. Si hay algo claro en la silenciosa sombra de Eastwood, es su comprometida labor pedagógica con las causas humanas que, en una o en otra parte del mundo, siguen acosando los valores de una esencia que, rehúye del enfrentamiento y alienta la lucha contra las barreras sociales para poder sacar siempre conclusiones benefactoras de las pequeñas cosas.

Un hombre como Eastwood no necesita a estas alturas presentaciones ni de tipo ideológico (sus reflexiones guardan un mensaje de amplio sabor humanitario), ni de conocimientos artísticos (rueda con elegante facturación en tiempo mínimo y con resultados máximos, en este caso apenas dos meses de rodaje le bastan para llevar a puerto un proyecto de ambición media como es Invictus), se sobra de su experiencia meticulosa y prudencia veterana para incluso en sus cintas menos buenas (me niego a hablar de descalabros son mas bien películas no tan redondas, con algunas fisuras e imperfecciones de conjunto, pero de las que no debemos renegar por completo, ya que incluso en obras intrascendentes y alimenticias como Deuda de sangre o El principiante, se suelen encontrar altas porciones de entretenimiento), no defraude ni rebaje un talento al que nos tiene, quizás demasiado, “mal” acostumbrados.

En Invictus el duro creador de Bird expone una línea continua con su magnífica Gran Torino, un punto y seguido al controvertido tema del choque de razas, si en la que supuso su despedida interpretativa se concentraba en la comunidad asiática y los lamentos del Vietnam (la figura de Kowalski) como enmienda de horrores del pasado, aquí es la población sudafricana la que pone de manifiesto la problemática racial entre blancos y negros con el terrible recuerdo del Apartheid como trasfondo. Nos plantea la situación con un inexorable carácter educativo, pero nunca cuestiona los hechos desde un foco político, representa a Mandela como un líder talentoso, convencido de un posible cambio en las mentes de su pueblo, y sin embargo no se excluye la posibilidad de que todo pudo ser un sueño momentáneo (sabemos que la situación actual en Sudáfrica sigue siendo hostil y peligrosa, en donde ahora son la minoría blanca la que padece un rechazo progresivo de la comunidad negra), es por ello que Eastwood utiliza diestramente al deporte como unión fraternal de un país en construcción, débil y rencoroso, y la potente personificación de vínculo que debe suponer la victoria en equipo. También insiste en buscar el perdón por encima del pesar de la venganza (otra norma básica del ideario Eastwood).

Resulta no menos que preocupante que un titulo de las características de Rescue Dawn haya acabado directamente en las estanterías de videoclubs sin pasar, aunque solo fuera de tapadillo, por las salas españolas, una curiosidad que alerta sobre el penoso criterio de distribuidoras y productoras a la hora de dar salida a sus productos, una verdadera lástima que un película tan conseguida como esta y con una estrella al frente de su reparto (Christian Bale) no sea considerada con la estima que se merece, una cinta bélica que adjunta a su particular sello de autor, Werner Herzog filmando quizás su film más comercial, un sendero respetuoso al género mucho más que eficiente.

Rescate al amanecer viene firmada por uno de los cineastas más inclasificables del cine alemán, un autor de marcado signo que aunque se desenvuelve aquí en unos parámetros menos arriesgados que de costumbre no deja de avisar sus inquietudes y estilos creativos, un Herzog que narra con pericia la caída del piloto Dieter Dengler en el territorio hostil de Laos, con la guerra del Vietnam asomando en el horizonte y las atrocidades de un lugar minado de peligros, un aviador soñador y valiente que acabará preso de unos captores al lado de otros sufridos prisioneros, un enclaustramiento que será utilizado por Herzog para describir pausadamente unos lazos de unión entre personajes, destacando una protectora amistad de Dieter con Duane (Steve Zahn), un hombre débil que contrastará con el carácter inquieto y salvaje del héroe protagonista.

Adulta, profundamente reflexiva y naturalista (como es habitual en el director de Grizzly man la naturaleza es un elemento fundamental en la historia) este dramático cuadro de supervivencia va digiriendo con sumo detalle un mensaje antibelicista y asfixiante de dolor y sufrimiento que no necesita de obvias acentuaciones en su discurso para resaltar sus intenciones, las de un largometraje doloroso y representativo de la crueldad y resistencia en tiempos de guerra y de la necesidad de unión y compañerismo como única salida posible al fantasma de la locura y el desaliento.

LO MEJOR: La banda sonora de Klaus Badelt, una fantástica orquestación que, aunque con perdonables ecos a Salvar al soldado Ryan, confirma la buena salud de uno de los mejores y más aventajados pupilos de Hans Zimmer, un Badelt que ayuda y mucho en la implicación humanitaria con la perseverancia y angustia de Dengler, un Christian Bale manifestando con acierto, otra interpretación física intachable.

LO PEOR: Su lamentable trato en las carteleras, relegando un producto de primera fila a posiciones imperceptibles de los, cada día mas numerosos, directos a Dvd en nuestro país y su final, que sin contar detalles será visto, erróneamente, como un exceso de patriotismo.

Érase una vez en la Francia ocupada…, así, de una forma abiertamente declaratoria comienza lo que en términos ilustrativos vendría a ser el Once upon a time in Tarantinolandia, la manera directa de rendir ofrecimiento al apelativo de Leone, al spaghetti western y a la referencia cinematográfica impuesta como lenguaje metalingüístico. Malditos bastardos no es ni por asomo una película de guerra, sino un film sobre el cine, el séptimo arte materializado en un arma liberadora de venganza justiciera, un símbolo histórico de tratado científico en donde Tarantino nos abre un cerebro hinchado de cinefilia, pues no hay sospecha de que a la burla burlando Tarantino hace la película que solamente un caníbal del cine podría componer, su patada cinemática de mecanismo deliberado, la mejor forma de definirse sin recurrir a la crónica de un texto restringido por las normas narrativas que limitan a un genio pulp sin modestia operativa.

Inglourious Basterds sigue la estructura frecuente del realizador de Kill Bill, la secuenciación por capítulos, cinco para ser exactos, lo que resta cierta continuidad a un relato deslavazado, hay secuencias antológicas, expuestas en si mismas como pequeñas películas con sus propios planteamientos, nudos y desenlaces (la escena de apertura en la granja, que sirve de presentación al memorable personaje del Coronel Landa, la acontecida en la taberna con la actriz alemana Bridget von Hammersmark, excepcional Diane Kruger, o sin mencionar mucho al respecto, el prolongado clímax final en el cine parisino), pero también tenemos altibajos que, curiosamente, casi siempre tienen a los desdibujados bastardos como protagonistas, es extraño que los caza nazis que dan nombre al titulo sean a la postre lo menos interesante de la fascinante comilona visual que supone Malditos Bastardos, quizás uno debería tomárselo como otra broma privada de un Quentin divertidísimo, que parece solamente haber utilizado a Brad Pitt como reclamo comercial de lo que es ya, la mas taquillera de sus obras.

En eso también parecen cambiar las intenciones del artista, aquí mas elegante y refinado, con un sometimiento de la puesta en escena delicioso, movimientos de cámara incluso depalmianos (el estreno de Stolz der Nation del ministro de propaganda nazi Goebbels en el local regentado por la judía vengativa Shosanna), travellings circulares y planos grandilocuentes que dan caché a un cineasta cada día mas completo y calibrado, estudioso aventajado del mundanal fílmico, cine dentro del cine, no es su obra maestra, ya lo dice Aldo Raine en momento clave del metraje, pero rediós cuanto he disfrutado jugando a este oficioso trivial del que Quentin Tarantino nos hace virtuales concursantes.

Extraña y bastante fiel adaptación del célebre cuento de Lewis Carroll “Alicia en el país de las maravillas” esta vez en clave musical con un elenco de actores sobresaliente y variopinto que une a un magistral Peter Sellers (Liebre de marzo), con un Michael Crawford pre Fantasma de la Opera (conejo blanco ) o Dudley Moore haciendo de lirón apoyados por otros ilustres como Ralph Richardson o Flora Robson (reina de corazones).El papel de Alicia corrió a cargo de Fiona Fullerton (Nicolas y Alejandra) con un parecido más que asombroso con Kirsten Dunst.

La película a pesar de resultar algo monótona en su conjunto es también una recreación minuciosa y enormemente cuidada del universo que Carroll inventó en su novela, posee un acertado diseño de producción de gran detallismo y plasticidad apoyado por la fotografía del siempre formidable Geoffrey Unsworth (2001 una odisea en el espacio) ganador del premio Bafta por su esplendorosa labor de encuadre en este film y por todos y cada uno de los aciertos técnicos de la misma, vestuario, decorados, maquillaje, etc.… que la conforman como una obra elegante y muy “british” en su buen hacer.

Pero todo esto sería imposible sin el adorno de una partitura exultante, prodigiosa de uno de los genios de la música de cine, sir John Barry, que maneja con su habitual destreza la batuta de este atípico musical con canciones dinámicas y bellas que son a la postre lo mejor de la función, una representación que aunque algo añeja representa sin problemas los estilemas de un producto correcto y tremendamente original.

Las aventuras de Alicia es un agradable musical de corte infantil un tanto olvidado por el paso de los años y que gracias a Divisa podemos disfrutar como se merece, en las calidades justas y aceptables de su reciente edición en DVD

LO MEJOR: Sin duda el apartado musical con melodías bellísimas y muy características del estilo Barry en especial su radiante tema principal y la lírica y poética canción final.

LO PEOR: Resulta algo irritante en algunos momentos y se antoja irregular en muchos otros, quizás por una dirección escasa de pasión y personalidad a cargo de un tal William Sterling no muy reconocido en la industria.

Existen muy pocos tipos en Hollywood capaces de rozar el ego, anexo al narcisismo como alucinógeno, del onanista y abanderado americano Michael Bay, existen aun menos que dentro del concepto irremediablemente mainstream de lo comúnmente denominado cine rompe taquillas acaben por tener un fuerte símbolo de autor entronizado por el montaje colérico y la fobia a lo diminuto, hay que tener jeta, y por qué no, intelecto, para ser hoy por hoy uno de los nombres propios mas desvergonzados y con mayor complejo de superioridad que nacen en los albores del videoclip ultrasónico, de la superproducción lubricada en aceite, del rebozado producto secuela, dar lo mismo que en su primera guerra de robots pero multiplicado por mil, en un fast food hipercalórico que solo puede llegar a engañar a los ilusos que metan sus narices en un Transformers excitado, poseído por un poder lujurioso que solo vale para creyentes, verdadero, único, estilo Bay, una exhibición de lo voluminoso.

La segunda aventura de los famosos juguetes de la Hasbro no se oculta en disimulos absurdos, ni siquiera parece medir los elementos que maneja, su premisa es casi vaporosa y su finalidad la recaudatoria, el amasijo de millones infinitos son la recompensa de una cinta vertiginosa, de generosa opulencia, que no escatima en nada, ni en minutos, ni en presupuesto, ni en satisfacer la dicha de Bay por el militarismo, todos sabemos que su obsesión por el ejercito puede ser tratada desde lo enfermizo, que suda concupiscencia gracias a las curvas y belleza, no menos que pornográficas, de una Megan Fox recién salida del calendario Pirelli, ella es también parte importante de los ingredientes crematorios que me obligan a loar lo que muchos maldicen, la gracia y la gamberrada de un Transformers bullicioso y verbenero, pero también disfrutable y carente de prejuicios, privado de cordura, la misma que no me impide serle fiel a la inevitable y próxima continuación de la saga.

LO MEJOR: La dirección de Michael Bay, el cual destruye medio mundo (Egipto, Paris, China, Estados Unidos) a ritmo de tres planos por segundo, rueda con el velocímetro disparado y lanza misiles con energía embriagadora. Los momentos acontecidos en la Universidad donde Sam conoce a una letal y potente chica explosiva, Isabel Lucas. Los pequeños robots gremlins que aparecen en la casa de los Witwicky al comienzo de la película y su dilatado orgasmo final en las exóticas dunas del desierto egipcio.

LO PEOR: La realización de Bay, la otra cara de la moneda de un personaje que no parece tener fronteras en su universo destructivo y afán patriótico, un californiano arrogante que se derrite en su innata fanfarronería. La incorporación de los transformers gemelos o el abuso de un humor chabacano y repetitivo.