Tim Burton, que no había cosechado buenas críticas en sus últimas producciones, regresa con Dumbo a los cines y lo hace por la puerta grande. La historia del elefantito feo, capaz de usar sus grandes orejas para volar, era uno de los remakes en live-action más esperados de los Estudios Disney. Y lo cierto es que la espera para ver al clásico de animación de los años 40 (ideado por Joe Grant, Dick Huemer) convertido en carne, huesos y efectos especiales ha valido la pena.

El personaje de Dumbo llena la pantalla, dando sentido a cada una de las escenas; me atrevo a decir que el elefantito es casi tan tierno como el original del clásico. Los efectos especiales están al servicio del personaje y del relato y no al revés, como sucede en otras muchas películas. El estupendo elenco de actores funciona de maravilla con un Dani Devitto espectacular en el papel de director del circo; una Eva Green, trapecista, que se va haciendo cada vez más fija en films de fantasía; y hasta Collin Farell saca su versión más sobria y acertada en su papel como padre de los niños y cuidador de Dumbo.

Puede resultar más controvertida la decisión de añadir otros asuntos actuales a la trama principal, como el creciente rechazo hacia circos y zoos donde los animales estén encerrados; pero en ningún caso resta protagonismo al argumento central del amor entre los padres y los hijos. Un mensaje que funciona a la perfección, tanto en el caso de Mrs. Jumbo y su cría, como en el de los Farrier.

En resumen, una película maravillosa, que vale la pena ver en pantalla grande; una de esas cintas de la que te compras la versión extendida, la camiseta, el peluche y que hará las delicias de toda la familia.

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El personaje al que retrata Benediction, Siegfried Sassoon, tuvo una trayectoria interesante, no solo por su obra, sino por su protesta contra la prolongación de la Primera Guerra Mundial. No obstante, el film intenta abarcar tantos aspectos de su vida que el guion queda irregular.

La poesía, las relaciones sentimentales de Sassoon, las consecuencias del combate o la búsqueda de redención se mezclan en una especie de obra de teatro con diálogos forzados y gesticulaciones exageradas. A pesar de su inicio magistral, donde el impacto de la guerra en el protagonista se expone con fuerza y elegancia, la cinta va perdiendo fuelle hasta el final.

El interés decae en cuanto el foco se centra en la homosexualidad y los amoríos del escritor. Además, el excesivo metraje no ayuda a disimular la afectación que sufre la película en sus dos últimos tercios.

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La nueva propuesta de Martin Bourboulon, Eiffel, es, en efecto, lo que se anuncia al espectador al inicio del film: libremente inspirada en hechos reales. Es un melodrama que combina el relato de la cimentación de la llamada Torre de 330 metros con el romance ficticio protagonizado por su inventor y Adrienne Bourgès, mujer que se presenta como el amor de su vida.

A su vez, la crónica tiene lugar en dos períodos temporales distintos, principalmente a finales de la década de 1880 pero con constantes saltos al pasado, de hasta veinte años de diferencia. ¿El motivo? La fogosa relación de amor entre Eiffel y Bourgès nació dos décadas atrás, sin embargo, una ruptura precipitada les llevó por dos caminos completamente distintos y destinados a cruzarse de nuevo.

El resultado de esta combinación entre historia, ficción y tensión sentimental (con adulterio de época de por medio) es un desarrollo muy irregular. Acaba siento extremadamente convencional y cliché en el amor imposible y deja con ganas de más en el terreno de la ingeniería y los personajes secundarios que la envuelven.

En cuanto a los protagonistas, las interpretaciones de Romain Duris como Gustave Eiffel y Emma Mackey como Adrienne Bourgès son destacables, aunque la trama amorosa no acabe de ser del todo creíble si se tiene en cuenta que entre ellos –supuesta y sorprendentemente– se dice que hay tan solo diez años de diferencia, a pesar de que entre los actores hay más de veinte. Aun así, la película consigue llevar al público al escenario romántico ideal que es París.

Si bien el reparto es acertado, el punto fuerte de Eiffel –y por lo que puede llegar a despuntar– es el detalle de la edificación y recreación de la torre. Sorprenden planos y escenarios que resaltan la belleza de una atalaya tan majestuosa. Además, a lo largo de la narración se muestran los procesos de diseño y planificación de la obra que, pese a llegar a ser repetitivos, aportan un matiz de intriga e interés por ver la solución final. Impactan sobre todo las escenas donde tanto los obreros como el propio ingeniero y Bourgès caminan por las alturas de lo que es, únicamente, la base del monumento.

En conclusión, el espectador está ante un drama histórico que ofrece un intento de cuento de amor imposible, compaginado con la creación de la torre Eiffel, al más puro estilo Titanic (pero sin tantas tragedias). Casualmente diseñada en forma de A —en referencia a Adrienne, como se sugiere en los créditos del largometraje—, resulta un curioso homenaje a una de las construcciones más renombradas de la historia contemporánea.

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Dos cosas hacen que El cover se meta al espectador en el bolsillo desde el principio.

Por un lado, el fascinante retrato de un Benidorm explosivo y alegre, al más puro estilo de Las Vegas: una ciudad poblada de personajes apasionantes que se mueven por el submundo de los hoteles, los restaurantes, las discotecas y, buscando algo de paz, las arenas de su playa al caer la noche, donde la acción se reactiva hasta el amanecer, cuando empiezan a abrir los bares más madrugadores.

Y por otro, más de agradecer incluso, la espléndida naturalidad con la que todo el elenco interpreta unos papeles frescos y bastante inusuales si bien, en muchos casos, son roles cotidianos.

Secun de la Rosa, polifacético actor y autor teatral, debuta como director con este largometraje sencillo, en el que mezcla con eficacia sueño y realidad, juventud y ancianidad, ilusión y decepción, mientras se salva siempre la humanidad de quienes –en cualquiera de las actitudes o momentos de la vida– lucha por hacer lo correcto teniendo en cuenta también el bien de los demás.

El tema de los cover da pie a una sentida reflexión sobre la existencia. Cantar canciones de otros, disfrazados incluso de los propios autores, puede dar cierta impresión de falsedad o usurpación. También tiñe a sus protagonistas con un tinte de segundones, de gente que no ha sido capaz de crear obras originales y viven aprovechándose de las de los demás. Pero como nos cuentan los realizadores de esta película, lo que hay detrás de estos artistas es ilusión por hacer algo que les gusta, responsabilidad de ganarse la vida y alegrar la vida de los demás y también, por qué no, un punto de frustración que no es diferente al de otros ámbitos profesionales.

El punto negativo, sin embargo, es un guion muy flojo, que desdice del resto de la propuesta y reduce su calidad fílmica. Cuesta entrar en la historia y el relato no termina de despuntar en ningún momento, a pesar de la simpatía que atrae desde el principio y a pesar de las grandes escenas que se convierten en momentos sublimes como el musical retro, la discusión de Dani con su abuelo o el abucheo a Amy.

Por todo ello, aunque estamos ante una película cinematográficamente irregular, la fuerza de sus personajes y la naturalidad de sus interpretaciones la convierten en una obra digna de ver.

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Se podría decir que Tár es Cate Blanchett. Y es que el film se salva por una deslumbrante interpretación de la actriz, que atrapa desde el inicio y se mantiene en lo alto hasta el final. Junto a ella, la película goza de una fascinante puesta en escena y –como era de esperar– una magistral banda sonora que conforma una inmersiva experiencia auditiva.

Cuenta con alguna escena brillante, como el plano secuencia en Juilliard, donde se plantea el debate sobre quién puede juzgar a la persona por encima del artista. Sin embargo, cuesta encontrar cohesión entre el resto de diálogos y temas y no queda claro a dónde quiere llegar el director.

Por otro lado, su excesivo metraje hace que pierda ritmo en su último tramo y que muchos momentos parezcan de relleno. Además, la evolución del déspota personaje principal desemboca en situaciones perturbadoras. De este modo, la suma de todos estos detalles provoca que el conjunto de esta película sobre la corrupción del poder desmerezca.

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