Corre la década del`50. Un hombre joven que trabaja como gasista aprovecha una oportunidad y se transforma en actor que se torna conocido a través de una serie de televisión sobre el Lejano Oeste (Rawhigh) a mediados de los años ´60. Más tarde decide probar suerte en Europa y de la mano del italiano Sergio Leone es lanzado a la fama en uno de aquellos filmes que se dieron en llamar genéricamente westerns spaghetti. El film en cuestión era Por un Puñado de Dólares, 1964, que se volvió un éxito descomunal que generó secuelas y recorrió el mundo. El joven actor regresó a los Estados Unidos y durante la década del 60 se volvió una estrella de cine muy popular y además, como no carecía de ambiciones, comenzó a dirigir sus propios films. De a poco comenzó a ganar prestigio y hoy en día es uno de los directores más famosos y personales de la historia del cine americano.
Estamos hablando de Clint Eastwood, un cineasta que como director ha ido evolucionando tanto temática como estéticamente. Su cine ha crecido paso a paso. La película que nos ocupa da cuenta de ello. Esta semana se ha estrenado su último film: El Caso de Richard Jewell, una obra basada en eventos reales que permite a su director reflexionar sobre el papel de la Justicia, las Fuerzas de Seguridad y el Periodismo en la creación de un relato ficticio que se interpone entre la verdad y la necesidad del propio Estado dejando de lado la realidad y la seguridad del individuo, dando lugar a una irresponsabilidad institucional de características monstruosas.
Richard Jewell fue un joven estadounidense que trabajó como guardia de seguridad y oficial de policía. Su caso se volvió famoso durante los Jugos Olímpicos de Verano en Atlanta, Georgia, Estados Unidos en 1996, donde descubrió una mochila abandonada en el parque que contenía una bomba con tres explosivos. Jewell, quien dió la alerta correspondiente y ayudó en la evacuación del parque antes de que explotara la bomba, fue primeramente aclamado como un héroe pero más tarde fue considerado sospechoso por parte del FBI, aunque finalmente, ante la falta de evidencias en el caso, fue liberado sin ser llevado a juicio.
Eastwood toma un prolijo guión de Billy Ray (Los Juegos del Hambre, 2012; Capitán Philips, 2013) sobre un falso culpable y lo transforma en un film intimista que describe la vida simple de un americano pueblerino, buena persona, que solo busca ser alguien en la vida y para ello sueña con ser policía. Ese es Richard Jewell, un solitario que vive con su madre, alguien incapaz de hacer daño premeditado al prójimo pero seguramente, capaz de soñar con cinco minutos de fama.
La destreza narrativa del director hace simple lo complejo transformando al film en una parábola sobre el destino de este individuo que de la noche a la mañana es tocado por la varita de la fama a la vez que resulta acusado y acosado por el FBI, apoyado por un periodismo sensacionalista que colabora en un penoso papel de malformación de la opinión pública.
El film de Eastwood se levanta contra la injusticia de la indefensión en que se encuentra el individuo ante el poder del Estado. En este caso, una actuación nefasta que le cupo al FBI generando sospechas sobre un falso culpable, y valiéndose de los medios periodísticos sensacionalistas y muy hambrientos de primicias, informando a la ciudadanía en forma equivocada ansiosos por manejar la opinión tapando los errores de investigación que estaba llevando al FBI al lugar equivocado y perdiendo toda objetividad en la comunicación de la noticia.
Esta nueva obra del director se aleja de los héroes individualistas que han caracterizado la mayor parte de su obra tanto como actor como director. Harry El Sucio, o el Bill Munny de Los Imperdonable, o incluso el Walt Kowalski de Gran Torino dan cuenta de ello. En realidad, el personaje de este film se acerca como la contracara de Butch Haynes, el personaje de Kevin Kostner en Un Mundo Perfecto. En aquel film Kostner es un criminal fugitivo, víctima de las circunstancias y las malas compañías cuyos sentimientos afloran protegiendo a un niño que ha secuestrado, dándole una oportunidad de redención.
El director maneja con maestría ese mundo lleno de claroscuros, donde nada es lo que parece ser, donde el bien y el mal se confunden y la realidad da un paso al costado dejando que el relato de los medios pase a ser la verdad que el Poder necesita mostrar ante la falta de evidencias, de pruebas concretas, haciendo que la verdad se vuelva mentira, y la mentira realidad.
A pesar que Richard Jewell nunca fue acusado, la vida lo sometió a un "juicio a través de los medios", y durante mucho tiempo, aun estando libre, Jewell fue considerado el autor material del atentado y por lo tanto el culpable de las muertes provocadas por el mismo. Si bien Jewell finalmente fue exonerado y en 2006, el gobernador Sonny Perdue le agradeció públicamente en nombre del Estado de Georgia el haber salvado la vida de muchas personas. No obstante ello, su padecer no fue indiferente. Jewell murió joven, en agosto de 2007. Tenía 44 años y sufría de una insuficiencia cardíaca provocada por complicaciones de su diabetes. Eastwood lo vuelve conocido e inolvidable colocándolo en la lista de los héroes anónimos que no solo pueblan los Estados Unidos de América sino también el mundo.

Un film honesto, bien escrito y bien realizado por Mariano Gonzalez y convincentemente actuado por Sofía Gala Castiglione.
El tema de la responsabilidad individual y el sentido de la culpa son desarrollados a través de un argumento creíble, con una pintura exacta de los personajes y en particular del marco social en que se desenvuelven.
El mérito mayor de Gonzalez en no caer en los lugares comunes. Su film es un derroche de sentido común, con una exposición clara de los problemas y un desarrollo creíble de los acontecimientos.
El personaje central asume su responsabilidad sobre lo ocurrido. No obstante, sabe que cometió un error y el sentido de la culpa la persigue.
Muy sutilmente el argumento facilita un delineamiento de los personajes y describe con claridad la pertenencia de clase social de cada uno. Ello deja lugar para que, sin falsas moralinas, cada uno de ellos sepa que la movilidad social está ligado con las posibilidades laborales, y que de su cuidado y mantenimiento depende en gran medida la inclusión social.

Con un relato de más de dos horas de duración y una historia de pequeños gánsters pueblerinos que algunos pretenden interpretar como la evolución de los últimos años de la China pos maoísta, la nueva película de Jia Zhangke puede verse aunque no carente de objeciones.
Financiada principalmente con la participación de capitales franceses, la película falla en gran medida, por su ritmo cansino y el desarrollo de sus personajes, donde pareciera estar homenajeando al cine francés de los 60, particularmente a primer Godard, poniendo a Sin Aliento como su principal ícono.
Narrada en tres tiempos a lo largo de casi 20 años, también ha sido interpretada como el relato de la evolución de la china moderna después de la muerte de Mao Tse Tung, concentrándose en la introducción de la mujer dentro del panorama laboral chino. Este momento, además, coincide con el comienzo de la China contemporánea, en el cual comienza a prevalecer el desarrollo de un capitalismo de Estado que ha permitido un relajamiento en la sociedad en las grandes ciudades chinas que se mueven fuera de la órbita del comunismo que sigue imperando en el interior del país y en el sector agropecuario.
No obstante, la mirada de Zhangke a través de su película parecería más que una descripción de lo económico social, una farsa sobre el capitalismo chino toda vez que la película se desarrolla dentro de un contexto gansteril que pareciera estar fuera de todo control de las autoridades.
La primera parte de la historia tiene lugar a principios de la década de 2000 y es la más entretenida. Refiere al ascenso y caída de Qiao, una mujer china, que está enamorada de Bin, jefe de la mafia local de Datong. Cuando Bin es atacado, Qiao lo defiende por lo cual será detenida y condenada a prisión durante 5 años.
La segunda parte transcurre varios años después, alrededor de 2006 en las inmediaciones de la Represa de las Tres Gargantas. Tras cumplir su pena, la joven volverá a buscar a su amado, pero este no le corresponderá. La pareja se ha separado definitivamente. El transcurso del tiempo, los años de cárcel de Qiao, ha transformado a los protagonistas quienes ya no son los mismos. Qiao debe buscar otro trabajo y comenzar a reinsertarse socialmente.
La tercera parte transcurre en el presente. Qiao ha salido adelante siendo fiel a la mafia, Bin regresará por ella, pero no sabemos cuál será su destino.
No hay duda que en un primer plano la historia refiere a un amor no correspondido. No obstante ello, elevando la historia hacia su significado político, pareciera que Zhangke no ha hecho otra cosa que desmentir el descongelamiento chino antes comentado. Suponiendo que Bin representa el orden imperante (el comunismo) y Qiao es el incipiente capitalismo, queda claro que la visión que transmite el film es que el descongelamiento chino es pura ceniza.
La inserción de la mujer en el campo laboral termina por ser un hecho social que se produce sin aviso. En un momento Qiao dice: Esta es una tierra donde las ciudades son tragadas por embalses, refiriéndose a la construcción de la represa de las 3 Gargantas como una alusión al desarrollo capitalista de un país que inserta mano de obra por doquier de la mano de la mujer.
Imbuida de un espíritu existencialista en cuanto lo importante en el ser es la vivencia subjetiva, describe a Qiao como una mujer inteligente, responsable e ingeniosa que mantiene una relación absolutamente inestable con su novio.
La actuación, la música incidental, los detalles de la puesta en escena son notables pero la historia se prolonga innecesariamente no agregando datos que provoquen interés más allá de los hechos que transcurren en el marco del cambio antes señalado.
Cuando llega el final, el resultado de lo visto no es del todo satisfactorio. Y ello parece estar ligado a la excesiva duración del film. El origen documentalista de Zhangke se hace palpable y conspira contra el ritmo narrativo del film. Aun así, el film es un drama con algunos méritos considerables. Las actuaciones, algunos momentos de la dirección y la cinematografía de Eric Gautier (combinando 35 mm con digital) son sus valores más fuertes.

En medio de la segunda guerra mundial, los Nazis invaden Francia y comienzan a realizar una razia peligrosa. Extienden en tierra francesa lo que ya habían comenzado a hacer en Alemania. Persiguen, capturan y deportan a todos aquellos que constituyen una amenaza para el régimen, como así también a judíos, homosexuales, disidentes, y cualquier otra persona que el régimen rechaza. De repente, la libertad es la condición más valiosa toda vez que su presencia se ha limitado ante la amenaza del ejército invasor. Los consulados, especialmente los de aquellos países fuera de los límites donde se desarrolla el conflicto, se vuelven los lugares más concurridos toda vez que representan una posibilidad de libertad a quien la busca o pueda pagar. Marsella deja de ser un puerto de destino para transformarse en una puerta de salida. Una multitud quiere escapar cuanto antes. Todos imaginan lo peor. Pero Georg, nuestro personaje, que también está escapando de algo o de alguien, se dedica a salvar gente.
Transit está basada libremente en la novela del mismo nombre de Ana Saghers que Christian Petzold, el director y guionista, adaptó libremente. A Petzold, le fascinan los misterios, y solo usa la estructura de la novela para cimentar su nuevo film, Transit resulta, además, un misterio en sí mismo. Desde el comienzo del film, alguien que no conocemos, toma los documentos de otro hombre, un escritor y asume su identidad. Del personaje no sabemos nada. No tenemos ningún antecedente suyo. Solo sabemos que la acción transcurre en Marsella. A partir de esta escena, el suspenso se apoderará de la pantalla y no cesará hasta su final. La identidad del desconocido será siempre un misterio. En cambio, conocemos sus motivaciones. Salvar personas.
El film se divide en tres partes. Son tres carreras contra el destino para poder salvar una persona consiguiendo el salvoconducto que representa una visa para poder salir del país y lograr la salvación en un país libre. Cada una de ellas refleja una condición humana diferente. Estamos ante pleno un ejercicio de estilo. Podríamos decir que es un film sobre la persecución o la historia de un hombre obsesionado por rescatar personas. También podemos decir que es un film sobre refugiados. Y es posible que esta hermética película de Petzold sea también una visión humanista sobre un problema político importante por el que atraviesa ahora mismo toda Europa y que muy bien describe el notable film “Sea Sorrow” que Vanessa Redgrave presentó el año pasado en Mar del Plata.
Petzold se maneja con absoluta independencia de criterio. Hasta se permite incluir una historia de amor, un signo de humanidad en medio de una persecución cuya principal característica fue la deshumanización del individuo. Su film se desarrolla en círculos, como si estuviéramos ante una historia sin fin. El personaje principal va y viene permanentemente buscando una salida en la que sin lugar a dudas también aparece la degradación humana.
Lo más notable del film es su coherencia narrativa. El film no se desvía nunca de su objetivo. La destreza cinematográfica del director engancha al espectador aunque algunos de los momentos del film resulten crípticos o poco claros. No obstante ello, hacia el final podemos concluir que estamos ante una película precisa y coherente aunque ciertamente no convencional. Nos es un film para el deleite de los sentidos sino uno para el disfrute intelectual, una pieza fría y calculada que opera como un mecanismo de relojería al servicio de un ejercicio estilístico que Christian Petzold construye con maestría.

Buscar referencias de un film tan personal como el del director sueco de origen egipcio Tarik Saleh se hace difícil. No obstante ello, podemos buscar algunas referencias en el cine de Martin Scorsese. Cuando el director norteamericano ganó su demorado Oscar como Mejor Director con The Departed (Los Infiltrados) se basaba en la remake de un famoso film coreano que se vio en video en Argentina denominado Internal Affairs, de Wai Keung Lau. En aquel film se desnudaba un poderoso sistema de corrupción policial que más tarde replicaría Scorsese para desnudar la enorme corrupción policiaca en la ciudad de Boston. Ahora, Tarik Saleh, el director sueco de origen turco, parece inspirarse en ambos films tanto en lo temático como en lo estético, realizando la aquí denominada Muerte en el Cairo, lanzando al estrellato a un actor libanes radicado en Suecia: Fares Fares como el Comandante Noredín Mostafa, que literalmente se roba la película.
El film de Saleh resulta una película entretenida e interesante. Un film que transita el género, utilizándolo como una estructura sobre la cual basa un discurso potente y veraz sobre la corrupción imperante en el régimen egipcio que a la postre no es otra cosa que la justificación de los sucesos ocurridos días después en Plaza Tahrir con el lamentable resultado de decenas de muertos. Los resultados obtenidos son óptimos. Por elevación, el film nos deja pensando en la corrupción imperante en nuestro propio país.