41/11(12/02/18) Film a priori con muchos atractivos, avalado con la Palma de Oro en Cannes 2017, nominado al Oscar en la categoría de Mejor Película en Habla No Inglesa, un realizador sueco, Ruben Östlund, que me sorprendió muy gratamente en su anterior trabajo “Fuerza mayor”, un tema atractivo como es radiografiar el esnobismo e hipocresía del arte moderno, esto aderezado con secundarios sugerentes en Elizabeth Moss y Dominic West, pero tras un sugestivo arranque la cinta va decayendo, hasta hacerse cansina y extensísimo su desmedido metraje, dos horas y media para lo que cuenta. El realizador como en la mencionada película juega a los contrastes, a darle la vuelta a los clichés, a hacernos reflexionar, a ponernos en el lugar del protagonista a ver como reaccionaríamos nosotros, a como un hecho fortuito y cuasi-anecdótico puede ser el catalizador para que nuestro mundo preestablecido se remueva y sufra una catarsis y con él un viaje emocional cuasi-existencial, pero al contrario que la pretérita le queda fallida y errática, entre otras cosas porque quiere abarcar demasiado y aprieta poco (más bien nada). Pretende hacer una ácida crítica a lo políticamente correcto, al condescendiente altruismo, al clasismo de las élites gafapastiles, al egoísmo intrínseco a la naturaleza humana, a nuestra sociedad del bienestar, repito pretende, pues se queda en eso en pretensión estéril. Y es que tiene un inicio que da esperanzas, la sátira al arte contemporáneo, a su sin sentido, a su petulancia con ínfulas (vacías) intelectualoides te llega, pero a medida que el metraje avanza esto se diluye siendo al final una parodia de sí misma, cayendo (bastante) en aquello que ataca, sin definirse, sin rumbo, salta de un tema a otro cual set-pieces inconexas, son como esbozos de situaciones sin perfilar, sin acabar, con lo que no provocan al espectador, lo dejan frío. Quedando al final algo muy cercano a lo pedante, a mirarse el ombligo en demasía, a que los árboles no le dejan ver el cuadrado.

El título corresponde como su nombre indica a una plaza, aunque la traducción para la cinta sería “El cuadrado”, en medio de la plaza adoquinada frente al museo la artista argentina Lola Arias (persona real que no aparece en la cinta, Arias es una escritora, actriz, performer y directora teatral argentina), donde se ha marcado lumínicamente un cuadrado con placa que dice en parte: "La Plaza es un santuario de confianza y cuidado. Dentro de sus límites compartimos derechos y obligaciones iguales”, y paradójicamente Östlund le da la vuelta al sentido, poblando la plaza de home-less.

Östlund yerra cuando debe hincar el diente, expone en su primera mitad unas cuantas ideas y mensajes a medio puntear y cuando debe desarrollar se pone moroso, dimite de involucrarnos. Quiere ser una comedia cínica que se burle de los ascetas que elevan el arte moderno a los altares, cuando en su mayoría esto no es más que postureo huero de contenido, perorata de farsantes entre “artistas”, siempre lo asociaré al cuento de “El Rey desnudo”, pero esta caricatura se queda en el trazo grueso, y con ella se bordea hacer igual que lo que atacas, con lo que el Rey desnudo acaba siendo la película de Östlund. Solo está la novedad de querer meternos como se funde con las nuevas tecnologías. El tempo narrativo se le desboca con situaciones que se alargan perdiendo toda la gracia, con momentos supuestamente de humor que levantan más allá (siendo benévolo) de una mueca, siendo grotesco y grimante lo de la inclusión enfermos mentales como dina a de su supuesto humor transgresor.
Lo de la aparición de la actriz Elizabeth Moss (muy desaprovechada) se antoja más un reclamo publicitario que un rol pensado dramáticamente, Christian (el protagonista encarnado por Claes Bang), tiene un affaire con su personaje, Anne, ella tiene un chimpancé en su casa, no se menciona el motivo, ni se le da relevancia mínima; Lo supuestamente incisivo y mordaz, es cuando tras terminar de fornicar, y ella le pide que le dé el preservativo para tirarlo a la papelera, y Christian se resiste, creándose unos segundos de tensión entre los dos, donde la confianza de uno y otro queda agrietada, pues sabemos que el hombre piensa que ella puede coger y con el condón utilizarlo para quedarse preñada, y esto se supone que nos debe poner en el rincón de pensar, pues me mueve a la nada; Pero si infrautilizada está Moss, peor aún está Dominic West (el inolvidable James 'Jimmy' McNulty de la serie “The wire”), como Julian, promotor publicitario de una idea viral que pone contra la pared al protagonista (hacer un video para youtube donde estalla a una niña rubia dentro de “The square”), acaba en escándalo mediático. Esto también te debe poner en el rincón de pensar y reflexionar sobre los límites del arte, venga ya! Y es que con esto cae en aquello que crítica. (sigue en spoiler)

135/32(24/03/09) Simplemente una de las mejores comedias de todos los tiempos. Dotado de un guión extraordinario, escrito por el director Mario Monicelli, que nos sumerge en mundo de estrambóticos perdedores delincuentes de buen corazón, que tienen la esperanza que con un robo 'científicamente' preparado a una casa de empeño se harán ricos.

La historia es un retrato de una época, tallada a base de un humor típico italiano, humor que roza lo absurdo, de la que seguro bebió Jose Mª Forqué para realizar 4 años después, la maravillosa “Atraco a las tres”. Está repleta de situaciones hilarantes, ayudado por unos actores en estado de gracia, encabezados por dos monstruos, Vittorio Gasman y Marcello Mastroiani, que nos ofrecen dos perfiles distintos de dos perdedores en tiempos complicados.

Film recomendable a todo, todo el mundo que guste de cine de kilates. Fuerza y honor!!!

304/24(30/09/11) Buen film, didácticamente manipulador, omitiendo hechos cruciales que dan la verdadera medida del protagonista, es un fresco histórico sobre los hechos que a mediados del SXVI llevaron al poder al controvertido en Inglaterra a Oliver Cromwell (considerado en una famosa encuesta el décimo personaje más influyente de la Historia en Reino Unido) mediante un a Guerra Civil y un posterior regicidio de Carlos I, se erigió en Lord Protector de la Nación. La cinta se puede encuadrar en una serie de films que comenzaron en los 60, que reflejaban hechos claves en la historia de Gran Bretaña, como ‘Becket’, ‘Un hombre para la eternidad’ o ‘Ana de los mil días’, eran trabajos de gran presupuesto, de una puesta en escena cuidadísima, gran vestuario, gran fotografía y grandísimos actores, de esos que solo produce este país, esta ‘Cromwell’ no es una excepción. El Rey Carlos I (Majestuoso Alec Guiness) convoca al Parlamento que llevaba diez años cerrado, para sacarles dinero para luchar contra los escoceses, esto es aprovechado por Oliver Cromwell (Magno Richard Harris), un fanático puritano cristiano y parlamentario, para ponerlo contra las cuerdas por las penurias que pasa el pueblo y por su deriva católica, aunque Carlos es anglicano, su esposa es papista, le exige unas duras condiciones, presionándole a que de más poder al Parlamento y quitándole privilegios a la Corona, el Rey decide arrestar a los cinco parlamentarios que se lo han exigido (aunque en la película uno de ellos es Cromwell en la realidad no lo fue), esto deriva en una Guerra Civil con unas consecuencias dramáticamente épicas. La obra posee una ambientación magnífica, un vestuario tan maravilloso que obtuvo el Oscar, unos escenarios cargados de realismo, escenas de batalla muy bien rodadas, ayudado por la bella fotografía de Geoffrey Unsworth (‘Becket’, ‘2001’ o ‘Superman’) divertida la muestra de la clásica flema inglesa con el acuerdo entre los enemigos para empezar a una hora en punto, unos diálogos cargados de fuerza, y sobre todo un tour de forcé entre dos colosos actores, un Richard Harris colérico, una fuerza desatada de la naturaleza, se mueve con equilibrio por la fina línea que separa la rabia enérgica actoral de la sobreactuación, su vigor anula al que se le acerque, su pasión traspasa la pantalla, su mirada y dominio gestual son espléndidos, me recuerda al gran Marlon Brando, en su actuación y en su físico, ... (continua en spiler)

196/23(27/05/09) Maravillosa última cinta del maestro Luchino Visconti, que nos regala un trabajo con todas sus señas de identidad, donde su perfeccionismo desborda la pantalla, donde su colosal puesta en escena roza lo sublime. Nadie ha retratado en el cine ha conseguido atrapar la esencia de la decadencia como Visconti, todos los que después han venido han tenido que beber del maestro, donde la fotografía de Pasqualino de Santis es portentosa creando el clima adecuado en cada momento para imprimir el dramatismo necesario para cada tramo, donde el vestuario de Piero Tosi es un actor más al servicio de la decadente historia de estos aristócratas, los escenarios creados por Carlo Gervasi sirven para envolver el relato un aire rancio de turbadora sensualidad. La historia gira en torno a un matrimonio de aristócratas italianos, Tullio Hermil (Giancarlo Gianini) y Giuliana (Laura Antonelli), que viven en un mundo de hipocresía liberal, en el que él es un mujeriego y ella tampoco es una monja, también tiene sus escarceos, en uno de ellos se queda embarazada, justo cuando Tullio se enamora de ella, él quiere que aborte pues sabe que no es suyo, pero ella no quiere y en esta enrarecida atmósfera se desarrolla este drama. Es una radiografía bestial de una sociedad que navega por la peor de las decadencias, donde la sensualidad y el sexo se abren camino por la senda del instinto básico. Los protagonistas bordan sus papeles, Giancarlo realiza un glorioso trabajo, no se puede estar mejor, crea un antihéroe cautivador, dominando con maestría y sin histrionismos fáciles el lenguaje corporal, para regalarnos uno de los mejores trabajos que he visto, he visto miles de películas, uno de esos personajes que traspasa la pantalla. Laura no le va a la zaga dando vida una magnífica Giuliana, desprende ternura, conmueve, la deseas, te enamoras de ella, no se puede transmitir más con su deliciosa belleza. Recomendable a los que gusten de buen cine. Fuerza y honor!!!

148/17(15/06/08) Un portentoso canto a la libertad, una maravilloso oda contra los totalitarismos, un brillante relato antinazi, una gran historia de amor, en definitiva un gran film. En su momento una cinta muy valiente, es una de las pocas que se realizaron antes de la entrada de U.S.A. en la WW.II., es una detallada y apasionada condena del nazismo, incluso habla de los posteriores famosos-abominables campos de contración. Posee un gran handicap al no entrar a valorar las raices socioecónomicas del nazismo, simplemente llega como una enfermedad de la que casí todos se contagian, esto lastra la película, pues parece como si todos en un pueblo idílico se volvieran locos de repente.

"Tormenta mortal" comienza el día en que el profesor Viktor Roth (Frank Morgan), querido catedrático de ciencias en una universidad del sur de Alemania, cumple 60 años, casualmente el mismo día en Hitler toma el poder. El relato nos muestra la consolidación del nazismo a base de intolerancia a las ideas de los demás y de la superioridad de la raza. Tambien nos enseña la conmovedora historia de amor entre Freya y Martín con su desgarrador final. E l final de la obra no puede ser más explícito (spoiler) de a lo que nos estaban llevando estos locos.

Recomendable a todos y sobre todo a los que gusten de historias conmovedoras. Fuerza y honor!!!