Lo habéis conseguido: ya está en vuestro cine más cercano la cuarta entrega de 'Twilight' ('Crepúsculo'), la famosa saga de vampiros pop. Y visto el tirón comercial de la versión vampírica de 'Beverly Hills 90210', la broma va para largo.

La tortura se divide claramente en dos mitades: la primera nos atiza con un romanticismo artificioso y la segunda nos remata con una suma inconexa de escenas patéticas. Los productores se siguen haciendo de oro gracias a la generosidad de un público encandilado por el cine hecho en piloto automático.

Diez minutos y la escena de la boda son suficientes para entender que nos han colado como película un videoclip de dos horas. Repito: dos horas. La máxima expresión de la agonía llevada al cine.

Se mire por donde se mire, la nueva entrega está hueca. Su argumento carece de sentimientos y no pasa del melodrama plano. Ni rastro de fantasía en el relato. Pasan muchas cosas, pero ninguna interesante.

Los modelos que hacen de actores suenan a chiste gracias a su más que dudoso talento y a unos diálogos que parecen escritos con el codo. Da la risa floja ver al trío protagonista tratando de actuar en serio.

Como un taladro en la cabeza cuando estás durmiendo: así suena la banda sonora. Las emociones hay que buscarlas con microscopio. La acción y la tensión se han quedado dormidas en casa.

Lo cierto es que el director de la película cumple con su misión de entretener a los aficionados de la saga dándoles más de lo mismo. De momento todos parecen estar contentos con una fórmula que es simple y funciona: a más carnaza, más apetito.

Mercenarios que espían a otros mercenarios. Espías que asesinan a otros espías. Entre una cosa y la otra (o en mitad de la nada) están 'KILLER ELITE' ('ASESINOS DE ÉLITE') que dirige Gary McKendry.

Su inicio es magnífico y trepidante. El uso de la cámara al hombro en las escenas de acción resulta correcto sin más. La producción de la película es excelente y gestiona de manera ejemplar la larga lista de localizaciones empleadas en su narración. La tensión está bien administrada pero pretende abarcar demasiado y la información se pierde en una trama de conexiones complejas.

Estamos ante otra de esas películas que buscan tapar los evidentes agujeros de su guión con la presencia de algunos rostros reconocidos por méritos propios.

Clive Owen sigue demostrando con multitud de registros por qué es uno de los actores más en forma del panorama actual. Y qué más se puede decir del infatigable Robert De Niro, que no teniendo bastante con sus planos se come también la cámara y a los pocos espectadores que todavía pelean contra un segundo acto cuyo ritmo e intensidad hacen bajar los brazos y los párpados del espectador más generoso.

De todos los lastres que carga la película, el más pesado recae sobre su protagonista. Su leitmotiv es tan flojo como el actor que le da vida: Jason Stathan, que tiene la misma expresividad que el cartón del rollo de papel higiénico.

Pese a contar con una pelea a tres filmada con gran oficio, el tercer y (por fin) último acto pone en evidencia todas las carencias dramáticas de este thriller de acción reciclable y fácil de olvidar. El happy end de manual cierra una historia de amor tontorrona y sin chicha. Al tostón le sobra de todo, incluso metraje. Inevitable salirse de un filme cuyo argumento no te invita a entrar.

A finales de los setenta Woody Allen universalizó 'Manhattan'. Desde entonces resulta en vano cualquier intento de retratar con brillantez una ciudad. Y no son pocos los directores que lo han intentado con mucho menos éxito.

Gustavo Taretto radiografía sus amores y odios hacia Buenos Aires en 'MEDIANERAS', una comedia romántica nacida hace siete años como cortometraje que ha crecido hasta convertirse en largometraje. El director propone la ruptura del "chico conoce a chica" y apuesta por el continuo desencuentro entre sus protagonistas: Martín y Mariana, dos individuos incómodos con el mundo exterior y refugiados en un búnker de soledades cotidianas y rarezas comunes.

Si Pilar López de Ayala convierte a Mariana en un imán para el espectador, Javier Drolas hace todo lo contrario con su personaje. Las motivaciones de la primera son un carrusel de matices bien trabajados. Las emociones del segundo son opacas por una interpretación pétrea que impide la más mínima empatía.

El guión (escrito por el propio Taretto) tira de refuerzos para luchar contra la resaca posterior a cada secuencia de Martín. El espectador agradece la generosidad en los textos y las imágenes que definen la capital argentina a través de su arquitectura. Los recursos narrativos y visuales son admirables al principio, pero abusa tanto de ellos que finalmente resultan pretenciosos.

Los numerosos clichés y homenajes son excesivos y echan un pulso a la historia. Nadie gana. El tono es indescifrable y los cambios de ritmo hacen que la película deje caer la interesante estructura argumental al vacío de la indiferencia. La reconstrucción es imposible.

La propuesta del director argentino es entretenida y tiene momentos realmente brillantes. Incluso logra arañar ciertos rincones del alma de quienes seguimos creyendo en el amor como gran vía de escape en una sociedad individualista y empeñada en desprenderse de todos sus valores. Pero todo se queda en la propuesta, después se seca y se hace cemento.

Es impensable que nadie se identifique con Martín o Mariana, personajes dominados por el miedo a la incertidumbre que se sienten aliviados cuando piensan que el amor está ahí fuera esperándoles. El problema surge cuando nos preguntamos si la otra persona nos reconocerá a la primera, a la segunda o a la tercera.

No hacían falta dos Manhattan: bastaba con un Buenos Aires. Taretto se olvida del fondo a mitad de trayecto y elige quedarse con la superficie de las formas de Allen. Para encontrar un final decide abonarse al destino, el peor y más tramposo de los aliados. Último error pero no menos grave de un guión con demasiados nortes y ningún horizonte.

Sabemos que, entre la multitud, Wally va vestido de paisano. Con pistas sería demasiado fácil reconocerlo, pero por desgracia somos unos yonquis sin remedio del más difícil todavía. También sabemos dónde están las verdaderas emociones y seguimos mirando hacia otro lado. Qué pandilla de inútiles somos, ché.

"Día 1: Hacía mucho viento fuera cuando papá llegó con el caballo. Entramos en casa y mientras se cocían las dos patatas que comemos cada día, yo miraba por la ventana y papá se echó una cabezadita.

Día 2: Otra vez hacía mucho viento fuera. Fui al pozo por agua. Cambié a papá de ropa. No sé por qué me mira raro, como si fuera la primera vez que lo hago. Me lavé la cara y fuimos a sacar la carreta, pero el caballo no quería andar. Está como triste. Hemos guardado la carreta y regresado a casa.

He desvestido a papá y le he colocado la ropa de casa. Lavé la ropa en agua caliente y después la tendí. Comimos una patata cada uno. Quema mucho pero papá siempre tiene mucha prisa para sentarse frente a la ventana. Luego vino un tipo y empezó a rajar de todo y a decir cosas muy raras.

Día 3: todavía hace mucho viento fuera. Fui al pozo por agua. Cambié a papá de ropa..." Al tercer día el espectador común, más alejado que nunca de la crítica, lo que quiere es resucitar de la pesadilla. Aunque solo haya pasado una hora de película tendrá la sensación de haber envejecido alguna más.

La hermosa melodía suena incansable durante más de la mitad del posiblemente tedioso metraje de 'A TORINÓI LÓ' ('THE TURIN HORSE'), tercera película firmada al cincuenta por ciento entre el laureado cineasta húngaro Béla Tarr y su editora Ágnes Hranitzky, siendo premiada por dos veces en el Festival de Berlín 2011.

Tarr afirma que será la última que haga, lo cual no es buena noticia tratándose de un cineasta de tan enorme talla cinematográfica. Que exista un abismo inmenso entre su forma de hacer el cine y los gustos del gran público no pone en tela de juicio la profundidad del poso artístico que nos deja, intenso y sin duda alguna digno de estudio.

Analizando esta nueva cinta no desde el prisma del cine moderno sino del supuestamente vanguardista (adelantarse en el tiempo para clasificar una película como tal sí que puede generar profundas discusiones) encontramos grandes virtudes como el brillante realismo que trasmite su impecable fotografía además de su innegable fuerza visual y poética.

Hay que olvidarse del reloj: el filme niega al segundero su papel de medidor y dictador temporal. Sin embargo es posible que la duración de muchas de sus treinta largas tomas no sea siempre la más acertada por más que tratemos de justificar sus intenciones narrativas, de modo que para muchos espectadores la película oscurece antes del apagón por el que apuestan sus directores.

Tarr y Hranitzky filman con ímpetu la metafísica del Apocalipsis: éste no vendría de repente sino de forma paulatina, lenta y angustiosa. Realmente trágica sería la desesperación de no saber cuándo llegará la muerte. Empieza el hambre y no hay salida para el principio del final.

Del director alemán Tom Tykwer todos recordamos la entretenida y novedosa 'Lola rennt' ('Corre, Lola, corre') de finales de los noventa. Muchos pensábamos entonces que estábamos ante un director con un talento equiparable al de Tarantino. Visionarios de pacotilla.

Lo cierto es que la filmografía de Tykwer se ha ido llenando con el paso de los años de títulos bastante irregulares. Sus aciertos pueden contarse con la mitad de los dedos de una mano. Después su pobre debut en Hollywood con 'The International', Tykwer vuelve a su país natal para contar la historia de tres vidas que cuelgan pendientes de las casualidades y la numerología.

Las formas de'DREI (3)'abrazan al "gafapastismo" profundo y militante. Que se gusta a sí misma es algo que destila cada plano. Sin embargo el fondo de la cuestión está tratado con la sensibilidad justa y necesaria. El lado más oscuro, turbio, crudo y egoísta de las relaciones de pareja queda retratado durante el primer y sobre todo el perfecto segundo acto.

El filme realiza un ejercicio preciso acerca de las conexiones entre la mentira, el sexo y la confianza en el entorno social más próximo y común al ser humano. Lo que más se agradece de 'Drei (3)' es que sea tan retorcida y estridente como la vida misma. Los problemas aparecen cuando se dispone a trivializar sobre los asuntos más duros e importantes. Ahí flaquea bastante.

En ciertos aspectos el tono de la película deambula sobre la delgada línea que separa la estupidez de la ternura, pese a que ambas emociones vayan en tantísimas ocasiones de la mano. La admiración y el rechazo (des)varían a lo largo del metraje y al gusto del consumidor.

Cabe destacar sobre todo el buen giro que abre la puerta del tercer acto. Todos esperamos expectantes el triple encuentro de los protagonistas y cuando llega es brutal, enorme y escandaloso gracias al acierto del director (y guionista) de llevar la casuística hasta su extremo. Las casualidades de la vida son aún más jodidas cuando las ves funcionando en la gran pantalla, maldita sea.

Una vez alcanzado el clímax del triple encuentro la trama queda envuelta en una burbuja pomposa e insoportable. Iba camino del notable alto, pero su manía de cebarse en algunos recursos visuales y un tercer acto de lo más artificioso dejan a la película rozando la patraña y al espectador con el culo apretado.