El título hace referencia a los doce niños del primer curso en un pueblo japonés cuya nueva profesora, Oishi, despierta rechazo entre sus gentes por vestir con traje e ir en bicicleta. Es 1928 en un lugar pobre y tradicional donde los pequeños apenas juegan pues ayudan a cuidar de sus hermanos menores o en la pesca a sus padres.

Se cuenta la relación de la maestra con los alumnos a lo largo de los años, en la que hay muchos momentos entrañables como el de los niños que escapan para ir solos a verla, otros emotivos con la imagen de un pupitre vacío indicando a una niña ausente, o cuando se pasa lista al nuevo curso en el que hay varios hijos de los chicos con los que ella empezó a enseñar.

En el desarrollo de la historia, Kinoshita descubre su sentir antibelicista y apasionado humanismo por encima de todo, utilizando magistralmente el paisaje a veces inhóspito, durante las fuertes lluvias, otras cálido con los árboles en flor o en los paseos en barco, destilando encanto, sencillez y serena belleza formal, adoptando un punto de vista siempre sensible y tierno. Es por ello extraño que sea un director bastante desconocido a diferencia de los venerados Kurosawa, Ozu, Mizoguchi, Ichicawa , etc., pero suya fue la primera versión en 1958 de La balada de Narayama, por poner un ejemplo, que bastantes años después llevó al éxito Imamura y en 1951 realizó Karumen kokyo in kaeru (Carmen vuelve a casa), la primera obra japonesa en color.

Philadelphia es una honesta crónica sobre uno de esos temas que al cine comercial USA no agrada. Es reseñable que en el enfoque se huye de la sordidez o el morbo, fijándose en cómo afecta la enfermedad al aspecto humano y social, el rechazo resultante sobre todo de la ignorancia, y haciendo especial hincapié en la lucha por la dignidad.

Tom Hanks, gran actor aunque prototipo de lo políticamente correcto, arriesga en un papel difícil y hace una interpretación magistral llegando a estremecer en la recordada secuencia sonando La mamma morta por voz de Maria Callas con toda su grandeza y pasión, mientras la cámara penetra en el interior de un alma herida.

Para El silencio de los corderos Demme urdió una planificación que engrandecía actuaciones ya de por sí espléndidas, aquí su controlada dirección se centra también en los actores, acreditando grandes cualidades en dicha materia.

Se ha achacado a James Ivory que se preocupa demasiado del preciosismo formal y por contra desinfla las tramas de las novelas que adapta (habitualmente de E.M. Foster).
Quizás sea cierto, no lo se, pero como película Una habitación con vistas me parece excepcional. Siempre he admirado sus exquisitos encuadres, de una gran belleza, especialmente en las secuencias que transcurren en Florencia; toda ella transmite sensualidad, alegría y deseo de disfrutar de lo que la vida ofrece. La protagonista, educada en la moralidad y "buenas" costumbres, descubre durante su estancia en Italia todas estas sensaciones.

La música de Richard Robbins es un buen apoyo a las imágenes, pero además se utiliza a Puccini, con lo que la cosa no se puede mejorar ya más.

Marcadamente autobiográfico e interpretado con acierto por su alter ego Mercedes Sampietro, Pilar Miró compone uno de sus mejores trabajos.

Con un estilo visual muy de aquella época y contenida fuerza dramática, pone de manifiesto el talento de la autora para reflejar la vida cotidiana desde el punto de vista de la mujer independiente, plasmando en la protagonista el latente inconformismo de su propio carácter unido a una vulnerabilidad que parece ser conformaba otro de sus rasgos personales.

Tenía una salud verdaderamente frágil en su vida real y fue sometida a una grave operación unos pocos años antes del rodaje, por todo ello constituye un sincero acto de confesión ante el público y, porque no, a Gary Cooper que bien pudiera ser uno de los dioses en el olimpo del cine.

Configura un retrato generacional en una época de cambio como fueron los últimos años de la década de los 60. El guión está hecho a trompicones (lo cual también caracterizaba aquellos tiempos) y conforma un viaje sin freno, más bien una escapada, en el que la droga conduce con poderosa fuerza.

La isla de Ibiza es el paradisíaco punto de encuentro y paradigma de libertad, aunque también se nos apunta como, a pesar del entorno, el ser humano donde tiene su peor enemigo en sí mismo.

Independientemente del contenido, más o menos superado, posee el interés añadido de pertenecer a los inicios de un director tan interesante como Barbet Schroeder y aún destacan la cuidada fotografía del gran Néstor Almendros junto a la excelsa banda sonora de un grupo tan enorme como fue Pink Floyd que por entonces se acercaba a su plenitud creativa.