El protagonista de la película es un granjero acaudalado y viudo, cabeza de una familia numerosa, que mantiene el firme propósito de permanecer al margen de la guerra civil que padece su país, porque no le gusta la escavitud y detesta la guerra. La sucesión de acontecimientos que se verá obligado a vivir le afectará más de lo que es capaz de soportar. Se refugiará entonces en el recuerdo de su esposa y de los hijos que ha perdido, ante los que se justificará para, de ese modo, justificarse ante sí mismo. El soberbio monólogo de James Stewart en el camposanto junto a los restos de los suyos constituye posiblemente el punto culminante de la película. La dirección a cargo del experimentado Andrew V. McLaglen consigue aprovechar la fuerza de un guión escrito por James Lee Barrett con acierto. En él se incluyen algunos recursos cómicos (la vaca lechera entre las líneas de fuego de combatientes de los dos bandos, las sucesivas caídas de Robert en el abrevadero durante la pelea a puñetazos, etc.) y algunas concesiones al sentimentalismo, como corresponde a una obra de la época crepuscular del western. La película es entretenida, reclama la atención del espectador y le deleita con un desarrollo de la acción bien conducido, que hace uso de referencias variadas (casi todas las propias del género) y que cuenta con una interpretación de James Stewart seria y muy digna. La descripción sin estridencias de los desastres de la guerra que contiene la segunda parte de la película resulta emocionante y convincente.

Trascripción cinematogràfica, en pantalla grande, de la obra de Shakespeare, realizada por dos expertos en la materia: Stuart Burge y Laurence Olivier. La interpretación corre a cargo de actores de primera línea, que demuestran su valía en la obra. La ambientación, fiel a los parámetros básicos de una pieza teatral, resulta adecuada y correcta. Paredes desnudas, columnas de piedra arenosa, espacios amplios y profundos, crean un escenario atractivo en el que los actores se mueven con comodidad y eficacia. La iluminación, bien distribuida y ejecutada con acierto, juega un papel importante. Es un film que se ha de ver y, sobre todo, se ha de escuchar con atención.

Excelente narración del mito griego de Orfeo ambientado en los fastos de los carnavales de Rio. La acción se desarrolla en el marco de los bailes, la música, los disfraces, los desfiles y los concursos, de una fiesta colectiva trepidante, multitudinaria y multicolor, que lo envuelve todo y que se erige en la verdadero centro de atención de la película. El drama de amor y muerte de Orfeo constituye el pretexto, más que el objeto, de una descripción detallada del escenario abigarrado en el que tiene lugar la acción. El director francés Marcel Camus supo captar el clima y el alma de unas fiestas populares que no tienen parangón con las de otros lugares del mundo. Combinó con acierto el espectáculo desbordante, ingobernable y exótico de la mayor fiesta callejera de Brasil con una drama antiguo, trágico y conocido, que se presenta tratado con delicadeza y acierto. La obra consiguió una gran aceptación por parte del público y mereció dos grandes premios. El tema musical de la película, que aún hoy se oye con agrado, obtuvo una gran difusión en su momento.

Destaca la utilización que la fotografia hace del claroscuro, de los contraluces y de los fondos difuminados e intensamente iluminados. La percepción visual de la obra, como consecuencia de ello, resulta atractiva y en ocasiones espectacular. La banda sonora que acompaña las imágenes es correcta, evita las estridencias y se combina adequadamente con el desarrollo de la acción. El guión, basado en una historia bastante simple, cumple su objetivo por lo que a diálogos respecta: hace uso de un discurso verbal abreviado, ajustado y elaborado con corrección. La dirección, a cargo de Rob Bowman, cumple con discreción. La interpretación de los tres protagonistas es discreta, pese a ciertas rigideces que se hacen especialmente patentes cuando las escenas de acción dan paso a breves secuencias de ternura. La historia incluye fenómenos supranormales que implican rupturas del discurso narrativo y la aportación de elementos de desequilibrio formal innecesarios y poco convenientes.

El título de la película responde al nombre del restaurante en el que se desarrolla la acción, que corresponde al apellido de su propietario: Paolo Rossini. Sugiere, sin embargo, la figura del músico italiano, que sobresalió por su desmedida afición a la buena mesa, a los enredos amorosos y a la música. La obra es una comedia de enredos a través de los cuales se narran historias de ambición, engaño, desamores, malentendidos, intereses personales y traiciones. El director consigue que la obra se desarrolle a un ritmo equilibrado, intenso, rápido y absorbente, que retiene la atención del espectador. La música llega de la mano de tres canciones: Azzurro, O Sole mio y Parle-moi d'amour. El hecho de que la melodía de éstas sea conocida transmite al púbico la sensación de estar viviendo algo familiar, próximo, divertido. En suma, la obra es entretenida, distraida e interesante.