Hay una tendencia creciente, desde Hollywood, pero atravesándolo todo, en aumentar la duración de las películas. Es como si el cine se planteara competir por el tiempo que dejamos en Netflix, en Instagram o en cualquier otro lado. O peor, como si fuera una demostración de fuerza, como si con un metraje excesivo, el autor aprovechara alguna oportunidad que podría no volver; querer dejarlo todo en una sola película, que en este caso, dura más de tres horas.

Me da cosa traer ese rasgo, que como mencionaba, lo observo en todo el cine, para pegarle un poco a esta película. Pero creo que todo esto de la duración excesiva, peca en presuntuosa, y si hay algo que no soporto es la falta de humildad en el arte. Los Delincuentes es arte, pero de ese arte que llega a las galerías caras, que quedan lejos, en zona norte y que encima se disfraza de disruptiva.

Honestamente, me parece una película linda, destaco mucho a Esteban Bigliardi, de Silva impecable como siempre, pero lo más lindo, que también fue una grata sorpresa, fue la música. Una música que recuerda al cine viejo, música orquestal acompañando las escenas que me hizo pensar mucho en películas viejas, en películas con mayúsculas.

Agradezco también el formato wenstern, que es un género poco explorado en Argentina, pero que tiene un potencial inmenso, en pueblitos del interior del país, en la Patagonia extensa, en el norte árido. Y qué mejor que un wenstern con dilemas morales, me gustaron muchas cosas que atañen al argumento, o más bien, a la filosofía que maneja el autor.

Con un poquito más de humildad, esta película hubiera sido la mejor del año en serio.

Se debe decir que la sinopsis está mal, y eso puede generar contrariedades entre las personas que se guían por ella para verla. Ésta no es una road movie y el eje central del film no es la huida de Bernardette. Con eso en cuenta:

Pienso en la noble temática fundamental de esta película, que es el tratamiento de una condición mental llamada ansiedad nerviosa. Cate Blanchett definitivamente tiene algunos problemas, pero de verdad: ¿Alguien que no sea Cate Blanchett podría sentirse plenamente identificade con este personaje? No sólo padece ansiedad, también es una exitosa arquitecta, esposa de un millonario, madre de una adolescente excepcionalmente buena. Sus más grandes problemas se ven reflejados en nimiedades relacionadas a sus vecinas y una que otra discrepancia con su marido.
¿Será éste el mensaje del director? ¿Que no tiene sentido sentirse como la protagonista teniéndolo todo de alguna forma? Probablemente, aunque volvemos al punto de que nadie nunca podrá identificarse con Bernardette, pues genera más desazón. Imagínense ser ansioso y encima no ser arquitecto, ni tener familia, ni un esposo. Que triste.

Nada en este film es destacable más allá de las actuaciones, que con Cate Blanchett es algo obvio. Quizás sea más importante para Kristen Wiig, seguir sumando películas donde su presencia es muy valiosa y desde su estilo de actuación, se vuelve cada vez más camaleónica. En buena hora, porque ser actriz comediante en esa industria hollywoodense te la debo. Todo lo demás, desde la historia hasta el tratamiento de la música y la fotografía es un gran "meh".
Me suena a que Linklater debía cumplir por contrato con una película y tratando de no ensuciarse mucho fue a lo seguro. Decepcionante.

Claramente me debo estar perdiendo algo. De verdad no entiendo por qué tantas alabanzas por este film, y me atrevería a decir, por la mayoría de los de Berger. No los vi a todos, y si bien Plan B fue rupturista en el cine gay latinoamericano, sus nuevas películas son absolutamente repetitivas. Supongamos que me despojo de mi postura política, en contra de esa alabanza que parece hacer por la homosexualidad encubierta, o esa que mantiene una pose "masculina". Filma cosas aburridas. Gente aburrida. Desabrida.
Me gustan y no tengo ningún problema con las películas densas o de estructura narrativa de meseta. Eso no quita, que en el cine existan innumerables recursos expresivos. Durante los dos primeros tercios de esta película prácticamente se mantiene al margen como realizador. Sí, todo encuadre y todo diálogo (después ahondaré en este tema) es un recurso expresivo; pero no todos te hacen obrar en función del discurso que intentas transmitir en tu película. El sonido es un espanto en primer plano constante, incómodo sin proponérselo. La fotografía está muy en función de las miradas en la primer parte del film, transmitiendo exitosamente una sensación de presa y cazador (punto para la peli) pero muy muy embalada a sólo transmitir eso. Sentí que nunca fue con todo, que nunca fue consecuente con una emoción de sus protagonistas. Los momentos sensibles y tiernos son pasados por alto, lo que transmite absoluta frialdad entre los actores, cuando la historia no lo pide así. De hecho hay un enamoramiento que queda muy "meh" al no poder comprender del todo ese amor, todo fue frio.
Tengo una teoría: en los diálogos está el problema. La mayoría de las películas de Berger se sostienen, mantienen y avanzan por los diálogos. En su mayoría con un estilo costumbrista, exigiendo actuaciones a su nivel. No sentí que funcionaran, pero jamás culparía a les actores. Entiendo que el director tiene una academia de teatro, lo que no entiendo es por qué se sigue buscando que actores profesionales hagan papeles de "gente común". Es aburrido para el actor que nació para interpretar la extravagancia y es aburrido para quienes no obtenemos la esencia costumbrista, imposible de sentirnos interpelados. En éste sentido, el único actor que realmente me gustó fue el niño de 13 años que perdió a sus padres.
Pero de repente ¡Aparece música no diegética! y hay más: un movimiento de cámara brusco. Sí, así como lo leen. Parece que al final si habían recursos fílmicos. Algunos me dirán que el climax lo amerita, que se busca esa diferencia entre una parte de la película y otra, pues bueno, el climax es predecible y todo el peso que se busca lograr en las actuaciones TODO EL TIEMPO, carecen de valor expresivo. No lo digo yo, lo dice Berger con esas decisiones.
Media pila. Enaltece y abusa lo que los actores pueden ofrecer, para después depender exclusivamente de recursos fílmicos en la resolución.

Es gracioso ver que aquí tiene mayoría de críticas positivas. Gracioso y esperable. Con este film, Chazelle desea jugar al chico malo de Hollywood, a ser quien desenmascara a la industria y nos muestra todo lo malo que tiene. Llegó unos 70 años tarde, han cansado ya con películas de este mismísimo argumento a lo largo de la historia del cine. Pero él dice que no, que será algo maximizado, llevado a la grandilocuencia absoluta, no solo desde lo técnico sino en las elecciones de casting y sus semejanzas con la realidad.
Este último punto termina por decidirme de no ponerle un dos. Brad Pitt anunció su retiro del cine este año, Margot Robbie es una estrella bien asentada pero joven, recientemente vinculada a la productora feminista que montó Reese Witherspoon y Jean Smart fue olvidada por años dentro de la industria, incluso sin ese cambio de formato que nos plantea el film en los años veinte.
Muy coherente, pero el enfoque que los personajes (encarnados por estos actores) tienen en la historia, y su devenir, para mí, guarda una falta absoluta de sensibilidad. Me decidí en este punto, al ver como termina el personaje de Brad Pitt, no narrativamente como termina, sino en como se nos muestra a los espectadores. Burdo, predecible, algo que debió ser emotivo terminó sumado a la monotonía frenética del film. Con esto Chazelle se está burlando de Brad, le está diciendo que él también forma parte de un panteón grotesco y poco importante en la historia del cine. Y entonces me pregunto ¿Para qué hace cine, señor Chazelle, si usted lo odia?

A esta altura, poco nos importan las proezas técnicas, lo bien filmadas que están las películas, hasta la fotografía y los encuadres correctos ya son aburridos. En la medida en que se nos sigan ofreciendo este tipo de películas, sin amor ni cariño, se seguirá socavando este arte.

Ray (Skarsgard) es un dominante, cuya postura excede su comportamiento sexual. Él es un varón. Un macho alfa. O al menos es lo que busca transmitir a sus vínculos sexo-afectivos. Saliendo de la película brevemente, es el sueño del trolo. Mi comunidad sueña con ese varón, que aparente ser heterosexual, que diga que hacer y cómo, que exija y que desprecie. Un daddy severo. Skarsgard encarna al mejor de esa estirpe, no podría haber uno más fuerte, el casting estuvo excelente, al igual que su interpretación.
Ray va a moldear como plastilina el comportamiento de su nueva pareja, un inglés de pueblo, inocente y sin ESI que caerá primero ante su belleza, luego ante su tamaño, y finalmente ante su incomunicación asertiva. Se llama Colin, y de vuelta vemos una gran interpretación de Harry Melling.
Pillion significa el asiento de pasajero de una moto o un caballo. Es una película sobre Colin, un novato, no en el sexo o en vínculos románticos, sino en una dicotomía de sumiso/dominante a la que entra como un corderito. Él es pasajero, de sus padres o de su novio, a él lo llevan, la vida lo maneja sin mucha oposición.

Es una película con chispa, que quizás quienes nunca entraron a Grindr no entiendan al cien por ciento. La chispa se refleja en el casco de quienes van en esa moto, a toda velocidad. El casco de Ray, polarizado, nunca vemos su mirada (la producción se habrá ahorrado algunos morlacos) y el casco de Colin, sin protección ocular. Siempre lo vemos, él siente y expresa, por eso es predecible la cadencia de acciones que transcurren en la historia.