Una aclaración para empezar: A esta película, en la escala general del cine, le pondría un 8, pero como veo que está infravalorada le casco un 9 para compensar. Eso sí, en el genero específico de las comedias este filme cuenta con un 10.


"Atrapado en el tiempo", o "El día de la marmota" si atendemos al título original, parte de una premisa simple: ¿qué harías si cada mañana te despertases en el mismo día que viviste ayer?
Este paso inicial es muy sencillo, y ahí radica el éxito de esta película. No se trata de perderse en las intrincadas dimensiones del tiempo ni en las paradojas de los viajes temporales. La película propone un problema sencillo para llegar a una conclusión final: ¿QUÉ ESTOY HACIENDO CON EL TIEMPO QUE SE ME HA DADO, con el tiempo del que dispongo?

Para que el espectador asimile esta idea, la película nos pone en la piel de Phil, un reportero insolente con complejo de diva al que se le encomienda retransmitir el tradicional acto del Día de la marmota de la localidad de Punxsutawney, en la que el conocido roedor, mascota del pueblo, determina cada año cuánto durará el invierno. A Phil le acompaña Rita, una joven productora de la que se enamora.

Cuando Phil se ve atrapado en la obligación de repetir el día de la marmota cada día comienza a cuestionarse su existencia y el valor de las cosas. También se plantea los grandes interrogantes que se le formularán al espectador: ¿y si pudiésemos enmendar los errores del pasado?¿tiene nuestra vida un sentido?

Phil se da cuenta de lo absurdo que había sido su forma de actuar hasta entonces y va a volcar su vida en su nuevo amor hacia Rita. Esta relación entre los dos y la evolución de la personalidad de Phil son los dos elementos principales del guión.

"Atrapado en el tiempo" tiene toda una serie de puntos graciosos para disfrutar, pero no es una comedia simple y prosaica. Es más profunda de lo que parece. Enmascara con las risas diversas dudas sobre el sentido de la vida que dan que pensar durante mucho tiempo.

En mi opinión es excelente y todo el mundo debería verla.

Aún estoy sorprendido por el despliegue cinematográfico al que asistí anoche al ver "En un lugar solitario" de Nicholas Ray. Sin duda no cuenta con toda la popularidad que merece. La película es una obra maestra envidiable, prácticamente perfecta. Es una consecuencia lógica de la comunión perfecta de factores que entran en relación durante la gestación de un filme.

Primero mencionemos la historia y el guión. "En un lugar solitario" está a medio camino entre el cine negro y la narración metacinematográfica. En principio se nos introduce la historia de Dix Steele (Bogart), un hombre huraño y hosco muy rápido para la ira. Su carácter violento hace que se le relacione con el asesinato de una joven a la que él había invitado a su casa la noche anterior de los hechos. En esta tesitura, su nueva y hermosa vecina, Laurel (Grahame), le proporciona una coartada. Ambos se enamoran pero Laurel, a pesar del amor que profesa a Dix, no puede evitar dudar sobre si realmente es el autor del crimen, lo cual hace que su relación se ponga a prueba continuamente.

Este argumento está determinado por la profesión del protagonista, guionista de cine. Dix es un escritor de películas que necesita dar con un nuevo éxito. Le recomiendan adaptar una novela de escasa calidad pero se ve impotente para dar rienda suelta a su creatividad. Cuando Laurel entra en su vida se convierte en su nueva musa y Dix recupera el genio perdido.

La profesión de guionista sirve a la película para dos fines. Por un lado se da un discurso metalingüistico. Es decir, el cine se utiliza para hablar del propio cine, tal como ocurrió ese mismo año en la película "El crepúsculo de los dioses", de Wilder. (ver spoiler)
Por otra parte, su profesión determina la filosofía y la forma de afrontar los hechos de Dix. Un ejemplo es cuando él explica a la policía, de forma cinematográfica, cómo pudo suceder el asesinato del que es sospechoso.

Además del guión, la película cuenta con las figuras de Humphrey Bogart y Gloria Grahame, que firman posiblemente las mejores actuaciones de sus carreras. He visto mucho de Bogart, pero es "En un lugar solitario" donde de verdad he asistido al mejor trabajo de este actor.

Lo de Bogart no tiene nombre: su rostro, su carácter irónico y sus malas pulgas le bastaban para llenar la pantalla sobradamente. Viendo "En un lugar solitario" somos testigos de como Bogart, exprimiéndo más sus dotes para la interpretación, da lugar a un auténtico monstruo de la escena. No es solo el tipo duro parco en palabras con salida para todas las situaciones. El personaje de Bogart está predispuesto a la violencia y a la ira y esto coloca su interpretación a otro nivel, estremeciendo al público.

Hay que añadir la excelente fotografía y la sobria puesta en escena, que no denota en ningún momento la considerable edad de la película. Pocos clásicos de alrededor del año 50 pueden presumir de contar con tanta frescura.

El personaje de Joan Fontaine (de la que no sabemos el nombre en toda la película) conoce al señor De Winters (Olivier), un apuesto millonario que perdió a su esposa en un trágico accidente marítimo. La joven no puede evitar enamorarse del caballero y comprueba con sorpresa que su amor es correspondido. Ambos personajes viven un romance exprés y se casan sin dejar pasar el tiempo. Cuando la nueva señora de De Winters se traslada a vivir a la mansión de su marido comienza lo importante en la película Rebeca.

Es la primera esposa de De Winters, la fallecida Rebeca, la protagonista ausente de la película. La mansión Manderley del magnate aún respira la atmósfera que reinaba allí mientras la señora vivía. El servicio de la mansión no puede evitar hablar maravillas de la antigua señora y el señor De Winters demuestra que todavía no ha superado su pérdida. En esta tesitura, la nueva señora De Winters no puede evitar sentir una mezcla de curiosidad, inferioridad y finalmente odio ante la figura de Rebeca.

Poco a poco, el desprecio encubierto que sufre el personaje de Fontaine por parte de todos los habitantes de la mansión en favor de la antigua señora, la llevan a la desesperación absoluta. Hitchcok da una lección de cómo crear un personaje de la nada. Sin actriz que la inerprete en la pantalla Rebeca está más viva que nunca. Rebeca está en sus objetos personales, que nos hablan sobre ella y sus gustos, en la decoración de la casa, en los recuerdos de De Winters y de las personas del servicio...

La grandeza de esta película radica en esta cualidad. Cómo una figura de la que solo oímos habladurías puede protagonizar una película. Fontaine entra en competición con una sombra inexistente que la lleva a la total confusión. Rebeca es un ejercicio más de maestría en el suspense para Hitchcock.

Esta condición unida a la excelente fotografía y a la belleza de Fontaine da una película para el recuerdo.

Mientras veía Origen, no pude evitar acordarme de esta frase (y las líneas que la preceden) que aparece en "La vida es sueño", de Calderón.

Y es que queda claro que el mundo de los sueños y la naturaleza del subconsciente no es ni mucho menos terreno por explorar en la literatura y el cine. Incluso ya el mito de la caverna de Platón nos coloca en un contexto donde existen realidades ciertas y realidades aparantes. En el cine hay numerosos ejemplos, siendo posiblemente Matrix el recuerdo más cercano que tiene el público sobre este tema. Por tanto, este es el primer handicap contra el que se enfrentaba Origen, aportar algo nuevo en un mundo ya descubierto.

No obstante, hay una regla en el cine que dice: coge todos los clichés que quieras, pero preséntalos de forma que parezcan nuevos. Es decir, en todas las películas de género western hay un héroe o anti-héroe de enorme destreza que se enfrenta a un rival de igual o superior habilidad. Vemos las praderas o el sol cálido en el desierto, los indios por aquí y por allá, y los pueblos con sus enclaves típicos como el salón o el banco. Podría decirse: <<al final en los western todo es igual porque los ingredientes son los mismos>>. Pero ocurre que cada director y guionista sabe adoptar esos ingredientes y combinarlos de formas nuevas u ocurrentes, de tal forma que el resultado sea novedoso o interesante, pero cumpliendo al mismo tiempo con las exigencias del género.

Christopher Nolan creo que consigue superar el problema de inicio de innovar cuando todo parece descubierto. Por supuesto las influencias, parecidos y los precedentes existen, pero no puede negarse la intención del director de crear.

Otro punto. Tal vez la película que mejor define la personalidad de Nolan como director es "El truco final", en el sentido de que Nolan es un excelante mago a la hora de presentar y desarrollar trucos. Si acudimos a la citada película, y también a Memento y Origen, parece que Nolan como mejor se desenvuelve es jugando con la mente del espectador y mostrándole los trucos que da a luz su ingenio. Está claro que Nolan no es de los que quiere hacer un drama simplemente artístico, sino que ama el juego acompañado de efectos y pirotecnia. No se le puede reprochar nada en ese sentido, cada uno es bueno en lo que se le da bien. Nolan es hoy por hoy uno de los mejores directores que existen.

Origen es un ejercicio cinematográfico exigente. El espectador debe estar muy atento a lo que se le muestra si no quiere perderse en el discurso. Su guión es más que claro candidato al oscar y posiblemente se lo lleve. Toca preguntarse: ¿es perfecta Origen? Yo digo que no, pero no importa. Precisamente lo que se premia muchas veces es que el público se crea el truco, aunque todos sepan que no es algo real.

Sigue la crítica en spoiler, aunque no spoileo nada.

Y digo entre el 7 y el 8 porque esta película tiene momentos y resultados que alternan entre esas notas.

La lectura global es que "La infancia de Iván" es una buena película para tratarse de una opera prima de un director. Veo en Tarkovsky rasgos propios de Bergman (no en vano era uno de sus directores favoritos) y eso siempre es bueno, aunque Bergman solo hubo y habrá uno. Algunos momentos de la película también me recuerdan a Repulsión, de Polanski, aunque esta es posterior. Y, por último, es imposible obviar el marcado contenido surrealista o simbolista de la obra.

Lo que no se puede negar es la maestría visual que maneja Tarkovsky en varios momentos del filme. La fotografía utilizada para rodar en el bosque ruso y en el río, la escena de Iván en el pozo con su madre en lo alto y, por supuesto, el cierre final. Todos estos momentos están llenos de un gran contenido simbólico y connotativo.

La historia por otra parte, aunque es sencilla, en algunos momentos se pierde dentro de la sofisticación del discurso, lo cual hace que pierda ritmo y solidez. No obstante se realiza una correcta lectura sobre los perjuicios de la guerra y la pérdida de la infancia.

Hay que verla, pero con prudencia y tranquilidad.