Desde el siglo XII, en Suramérica existió una de las más poderosas y prósperas civilizaciones de la historia indígena. En la época de su mayor apogeo (siglo XV), se extendió desde el norte de Chile, Bolivia y Perú, hasta llegar al sur de Colombia. Conocida como Imperio Inca, fue esta una comunidad próspera y altamente organizada que vivía de la agricultura y la ganadería (en especial llamas y vicuñas); mantenían una gran preocupación por el bienestar de su gente y tenían como capital a Cuzco (palabra quechua que significa: “el ombligo del mundo”), territorio peruano donde se encuentra Machu Picchu, una fortaleza y ciudad sagrada que aún nadie se explica como transportaban las enormes piedras con que construyeron gran parte de ella, siendo que en aquella época aún no se había inventado la rueda.

El Imperio Inca tuvo diversos reyes o gobernantes, y entre ellos, los más conocidos fueron, Manco Cápac a quien, junto a su esposa Mama Ocllo, se atribuye la fundación del imperio tras ser enviados por Inti (el dios Sol), para que, con una vara de oro, señalara el sitio de fundación en el lugar del norte donde ésta se hundiera en la tierra. Desde entonces, los incas hablan de la Pacha Mama (Madre Tierra) como una expresión de profundo respeto por la naturaleza. Pachacútec (“Digno de su tierra”), el cual incrementó el prestigio de los Incas; influyó hondamente en la hermandad entre su pueblo; y fue el que conquistó a la nación Ichma. Finalmente, Túpac Amaru (“Serpiente resplandeciente”), el último de los cuatro Incas de Vilcabamba que se enfrentaron al desmantelamiento del imperio por parte de los invasores. Pero esa es otra historia…

En los hechos aquí relatados, podemos hallar explicación para los nombres de los personajes que se utilizaron en la película, <<EL EMPERADOR Y SUS LOCURAS>>, otro de esos filmes infantiles con los que la productora Disney logró un verdadero acierto. Con mucha eficacia visual y una sensacional banda sonora, la historia tiene altas dosis de comedia, drama, elementos históricos… y muy especialmente, una lección de humildad y lealtad en la que, el proceso de transformación de la obtusa mentalidad de un “todopoderoso”, será el más alto objetivo.

El guion, escrito por David Reynolds, basado en una historia de Chris Williams y Mark Dindal (quien hizo las veces de director), es encantadoramente fluido y los personajes resultan admirables por su astucia y recursividad, cualidades que encontramos tanto en los que buscan hacer el bien como en los que pretenden hacer daño con sus afanes de poder. Sin duda, se bebió un poco de fuentes como, “El Príncipe y el Mendigo” de Mark Twain, “Historia del Califa Cigüeña” de Wilhelm Hauff y otras, pero el resultado es una aventura ingeniosa y muy aleccionadora.

Pacha, es un magnífico ejemplo del súbdito cumplidor y recursivo; Kuzco es la suerte de noble que parece incapaz de un acto de nobleza; e, Yzma, es esa clase de mujer resentida capaz de las peores argucias para salirse con la suya. Pero, contra todo esto, cada personaje tiene su encanto; su accionar es ampliamente divertido… y la película pasa volando en este Juego de Poder donde ya se verá cuáles son las armas más poderosas que podemos usar los seres humanos… sobre todo cuando lo que buscamos es la felicidad.

¿Se aplicará aquí la ley que reza que, “cada quien recibe su merecido”?

Título para Latinoamérica: <<LAS LOCURAS DEL EMPERADOR>>

En general, América Latina es una inmensa zona con abundantes recursos humanos y económicos que permitirían hacer grandes cosas si no contara con esa larga historia de abominables gobiernos que la explotan para su propio bolsillo… o que la entregan a las multinacionales esperando lucrarse siempre ¡aún en contra de los intereses del pueblo! Estos saqueos han traído despojo, pobreza y miseria a enormes sectores de la sociedad; se incrementa la falta de educación y de formación para la productividad; y los que logran un título universitario y/o una especialización, buscan fugarse del país tan pronto se enteran de que, en otros países industrializados, hay mayores oportunidades de especializarse y ejercer lo que, hasta ahora, aprendieron.

Al director, Fernando E. Solanas, le dolía en el alma que en un país como Argentina -su tierra natal-, con un recurso humano altamente calificado; una extensión territorial casi tan grande como Europa occidental; y con una riqueza mineral e industrial que se la querrían muchísimos países del mundo entero, ocurra lo mismo que en tantas otras naciones de nuestro continente: No hay un consecuente y justo emprendimiento del Estado y, al contrario, la disposición general es al despilfarro, la ausencia de estímulo, el abandono… y la entrega infame a las multinacionales extranjeras.

Haciendo un amplio recorrido por la extensa geografía del país, Solanas llevó a cabo una profunda y documentada investigación -en colaboración con la socióloga Alcira Argumedo-, con la que demostrará el fuerte desarrollo que, en las diferentes áreas de la ciencia y la industrialización, había alcanzado, Argentina, hasta los años 60-70 del siglo XX, y mediante objetivas entrevistas a diferentes especialistas en cada uno de los campos de la ciencia y la educación, entrará a denunciar la precaria situación en la que se encuentra gran parte de lo logrado, ante la llegada de los deplorables gobiernos que se tomaron el país en las décadas siguientes.

Fechado en el año 2007, <<ARGENTINA LATENTE>>, es de esa suerte de documentales que dan rabia, impotencia… ¡y hasta ganas de llorar!, cuando comprendemos cómo ciertos gobiernos acaban con el bienestar y las aspiraciones de millones de seres humanos emprendedores, honestos y comprometidos, solo para satisfacer su voracidad monetaria; y no puedo evitar preguntarme, ¿cómo una sociedad que “llegó en barco” con sangre europea y con ese potencial de emprendimiento del que se sienten tan orgullosos -que, valga la verdad, pocos tienen en América Latina-, ha permitido que la clase política cometa con el país la suerte de atrocidades que le ha cargado durante tantos años?... Parece que, Solanas, tampoco lo entiende y por eso hace esta valiente radiografía de unas condiciones sociales que, ¡nadie en nuestro continente debería aguantar más!

Frases para recordar:
“En Argentina hay 1.300.000 estudiantes, 38 universidades del Estado y 41 privadas, pero el presupuesto de la enseñanza superior no cubre las demandas básicas. La Universidad Nacional de México y la de Sao Paulo, invierten 6 veces más por alumno que la de Buenos Aires”.
“Cada año crece la brecha entre los que más ganan y los que menos ganan”.
“La escuela sigue enseñando el valor del esfuerzo y la cooperación. La televisión es prácticamente la enemiga de lo que puede hacer la escuela. Parece haber una confrontación de valores antinómicos entre lo que transmiten los medios y lo que transmite la escuela”.
“¿Cómo explicar el abandono de la escuela pública cuando hay en el país millones de recursos naturales que son del pueblo?”
“Careciendo de un proyecto estratégico que oriente la ciencia a las necesidades del país, la masa científica (20 mil investigadores) se desperdicia, emigra o sirve a las multinacionales”.

Desde los tiempos del virreinato, en México se conocía como sierra a una montaña que, de manera aislada, se eleva sobre un terreno llano. Lo que, en tiempos más recientes, se conoce como La Malinche y el Nevado de Toluca, originalmente se llamaban Sierra de Tlaxcala y Sierra de Tolocan respectivamente. Como, Sierra Negra, se conoce a un estratovolcán muy antiguo –ahora extinto- ubicado entre los municipios de Chalchicomula y Atzitzintla cubierto por un bosque subtropical donde habita una gran variedad de fauna (lagartijas espinosas, coyotes, venados, búhos…)

En la llamada Brecha de Sierra Negra, transcurrirá parte de la historia de, <<EL CAMINO DE LOS ESPANTOS>>, la última película en la que aparecieran juntos los inolvidables comediantes, Viruta y Capulina, quienes, a partir de entonces decidieron partir cobijas ante ciertas diferencias que tuvieron con sus shows televisivos. Pero, éste título, cierra con broche de oro una colaboración de más de treinta películas (35 para ser exactos), con las cuales le ofrecieron a Latinoamérica y otras partes del mundo, ese humor blanco que encantaba a los pequeños, regocijaba a los adolescentes, y hacía pasar amenos ratos también a los mayores.

Dirigida por Gilberto Martínez Solares, la película cuenta de nuevo con ese gran talento que fuera, Roberto Gómez Bolaños, como autor del guion; y en una eficaz entremezcla de comedia y terror, se nos cuenta la historia de un grupo de personas que, a la espera del tren en una estación, se les informa que éste tardará ¡entre 6 y 7 días en llegar!, debido a que el puente que hay a cierta distancia se cayó como consecuencia del invierno. Para su “suerte”, en esos momentos llega un camión cuyos dos ocupantes (¿adivinen quiénes son?), al no poder recoger la alfalfa que esperaban, se ofrecerán a llevarlos, ¡siempre y cuando paguen lo que ellos piden y estén dispuestos a viajar como ganado! Y, por supuesto, Viruta se asegurará de que, las dos guapas chicas que hay entre el grupo, viajen gratis y se sienten a su lado.

La historia nos guarda una que otra sorpresa y nuestros “héroes” van a verse enfrentados a una serie de terroríficos y muy astutos “fantasmas”, mientras enamoran a Adelita y a Valentina, las dos guapas muchachas que viajan junto a ellos. En el grupo estará también un capitán de la policía que carga con un “peligroso” reo al que conduce a prisión; y una familia de padre diminuto, madre gorda y su “niño” de ¡21 años! Entre todos ellos, nos harán pasar un rato francamente divertido.

Martínez Solares, logra ofrecernos una eficiente ambientación y unos trucajes bastante ingeniosos, y la trama tiene bastante ritmo y elementos sorpresa, asegurando así que nuestro ánimo no decaiga ni un segundo. Es posible encontrar muy buenos apuntes en los diálogos; y el reparto fue cuidadosamente seleccionado como para que, cada quien, hiciera lo suyo como corresponde.

Llama la atención la presencia de la bella cantante española Salomé (n. María Rosa Marco), quien dos años después, co-ganaría el Festival de Eurovisión con su canción, “Vivo cantando”; y también es grato ver en el rol de, “el niño”, a un actor que a veces firmaba como Arturo Rossen, pero, quien es ¡nada menos que Arturo Ripstein!, el director que ya había debutado con “Tiempo de morir”, y quien pronto se convertiría en uno de los nombres más representativos de México. Por aquella época, era común verlo como actor secundario en títulos juveniles como, “Dile que la quiero”, “Los Novios de mis Hijas” o “Mariana”.

En fin, que lo que hemos visto es una película que nos trae gratos recuerdos, y con la que hemos vuelto a pasar un rato divertido en la eterna y muy grata compañía de los por siempre recordados, Viruta y Capulina.

Comedia en cuatro actos, escrita en 1895, “La Gaviota” (Chaika), es una de las obras teatrales más apreciadas del escritor ruso, Antón Chéjov. La historia comienza en el jardín de la hacienda de un personaje llamado Sorin, donde al fondo se advierte un hermoso lago en el que se está terminando un improvisado escenario. Otro personaje llamado Medvedenko, se encuentra con Mascha y le pregunta:
-¿Por qué va usted siempre vestida de negro?
A lo que ella responde:
-Llevo luto por mi vida. Soy desgraciada.
Y después de otro comentario de Medvedenko quien no entiende por qué es infeliz, ella responde:
-El dinero no es todo! ¡También un pobre puede ser feliz!

Comienza así una profunda y sensible penetración en el alma de los artistas, en la que cada uno de los personajes desgarra su ser interior… y entonces podremos comprender que el tener un nombre ampliamente reconocido, el haber publicado o estado en los escenarios durante cierto tiempo, no son cosas que aseguren la felicidad, pues, a fin de cuentas, el artista es otro ser humano con altas y bajas, talentos y debilidades, potenciales y carencias… y su vida quizás sea más compleja porque, el mundo le supone un ser completamente feliz y él, muchas veces, juega a parecerlo aunque se esté quebrando por dentro.

Esta versión que ha realizado el director italiano, Marco Bellocchio, conserva lo esencial de la obra original, pero se asemeja también a la adaptación cinematográfica que realizara Sidney Lumet, en especial en el trasfondo dramático y trágico que, sin demasiado acierto, osara asumir el director estadounidense. No obstante, la posición resulta tan realista como la que, por su parte, propone el escritor ruso, y hay que decir que, Bellocchio, maneja con más dinámica los hilos narrativos, los diálogos y la ambientación. Pero, a diferencia de Lumet, quien cuenta con un reparto de alta categoría, Bellocchio infortunadamente, no atina totalmente con la selección de su reparto.

Con todo, esa múltiple historia de amor donde cada quien siente pasión por quien, en definitiva, no le ama; y ese querer ser, sin poder ser lo que en el fondo de su alma cada uno anhela, da como resultado un valioso despliegue de emociones y el alma de los artistas queda al desnudo liberada de toda suerte de pretensiones.

El guion escrito por Sandro Petraglia, Stefano Rulli, Lu’ Leone y el propio Belloccchio, apunta sobre todo, a actualizar los diálogos y a ajustarse a las actuales localizaciones, pero, la trama sigue transcurriendo en Rusia en una época donde el teatro era tenido en la más alta estima.

En el reparto sobresalen, Laura Betti, una veteranísima actriz que ya había estado con Bellocchio en, “Nel Nome del Padre” y en, “Sbatti il mostro in prima pagina”, quien, como Irina, impone un fuerte carácter que dará mucho que hacer a los que la rodean. Giulio Brogi (actor muy apreciado por los hermanos Taviani), resulta muy llamativo como Trigorin y el suyo será un carácter en el que muchos artistas podrán verse claramente reflejados; y Pamela Villoresi, actriz a quien recordamos por “Vizi privati Pubbliche virtù” de Miklós Jancsó, resulta muy cálida en su rol de Nina, la joven que, como una gaviota, anhela la libertad.

<<LA GAVIOTA>>, resulta muy digna de verse… pero no se pierdan la ocasión de leer la obra de Antón Chéjov.

Cuando uno compraba un LP o un CD de algún cantante o de cierto tipo de música, eran muy, pero muy pocos los casos en que podía sentir que le gustaban todos los temas. Por lo general, mi gusto se simplificaba así: Uno o dos excelentes *** Dos o tres buenos ** Alguno pasable * y el resto olvidables -. Por esta razón, siempre señalaba los listados de las carátulas con los punticos que me merecía cada tema, para así, oír únicamente lo que me interesaba. Algo así me pasa con los musicales llevados al cine, y por eso, ¡me encanta que ahora podamos verlos en formato digital! ya que así uno adelanta, sin remordimiento alguno, los temas que le resultan aburridos o latosos.

<<CAMELOT>>, tampoco fue la excepción y, sobre todo en la primera hora, tiene algunos temas que te ponen a punto de presionar la tecla de apagado, pero, si se tiene un poco de paciencia, la llegada de, Lancelot du Lac, calentará el ambiente, y más si uno sabe que, el romance entre Franco Nero y Vanessa Redgrave (Guenevere) fue al mismo tiempo cinematográfico y en la vida real… ella siendo igualmente infiel a su pareja (el director Tony Richardson).

La leyenda de, El Rey Arturo y los Caballeros de la Mesa Redonda, parte esta vez de la obra, “Camelot”, que escribieran los celebrados, Alan Jay Lerner y Frederick Loewe, y éstos se habían basado en la historia, “The Once and Future King” de T.H. White, quien a su vez adaptaba la obra de Thomas Malory, “La Mort d’Arthur”, la cual se inspiró en leyendas inglesas y francesas.

Lo interesante de la película que, con fortuna y riesgo dirigiera, Joshua Logan, es que recrea sin tapujos el triángulo amoroso entre el rey, la esposa y el caballero, y esto, ¡claro!, le merecería los inevitables resquemores de los dogmáticos que consideran que la figura de un rey es intocable, pues, “hay que mantenerla inmaculada”.

En lo personal, lo que hace Logan me encanta, porque veo a un rey más humano que al común de los reyes; y veo a una, Guenevere, con más carácter y criterios de libertad que el grueso de las reinas... y por supuesto, esto no favorecía la imagen de Arthur, pero, ¡por qué diablos a un rey hay que pintarlo perfecto si éstos nunca lo han sido! El cuento con Merlín también luce muy bien al mostrarlo como una suerte de Guía Espiritual, y en su presencia, Logan consigue plasmar una significativas asociaciones que rozan con lo onírico; y entre otras cosas, el proceso por el que pasa el joven Lancelot, de lo divino a lo terrenal, también se maneja con mucha credibilidad.

En fin que, el filme está muy cuidado a todos los niveles: El diseño de producción es de óptima calidad y recrea la época magníficamente. El vestuario y la utilería resultan muy precisos… y los temas de fondo de, Alfred Newman, dan un romántico (y a veces festivo) toque a las imágenes. En resumen, visual y auditivamente el filme es una delicia… y sumado a todo esto, las interpretaciones de Richard Harris, Vanessa Redgrave, Franco Nero, Lionel Jeffries, David Hemmings, y otros, son del más alto profesionalismo y, aunque hubiésemos preferido un cierre de la historia con más riesgo y osadía, al salir uno siente que estuvo viendo la película de un verdadero profesional.