Existen historias en las cuales hasta cierto punto es válido clasificar y desarrollar a los personajes para colocarlos en los extremos del bien y el mal, siempre y cuando se consiga el objetivo de transmitir un mensaje y dejar una lección al espectador. No obstante, el mundo real es más complejo, en éste no existen héroes inmaculados ni villanos completamente malvados, solo personas llenas de imperfecciones que deciden actuar o reaccionar de acuerdo a sus propias circunstancias. Es así como el más reciente trabajo del director y guionista Martin McDonagh (In Bruges, Seven Psychopaths) plantó cara a The Shape of Water en el pasado año cinéfilo, ya que mientras esta última es un cuento de hadas, la cinta del británico es un duro golpe de realidad.

Ante la incapacidad para encontrar al responsable del brutal asesinato de su hija adolescente, Mildred Hayes decide tomar cartas en el asunto y exhibir a un departamento de policía que parece estar más ocupado en oprimir a las personas de color que en resolver el caso. De esta forma, renta tres anuncios espectaculares expuestos sobre una carretera en las inmediaciones de la ficticia localidad de Ebbing, Missouri con mensajes hirientes dirigidos en particular al alguacil Bil Willoughby para exigir justicia. Como era de esperarse, la particular muestra de descontento hace eco en el pueblo, despertando la animadversión de unos ciudadanos que a pesar de condenar el homicidio de la joven, desaprueban la reacción debido a que consideran que a pesar de la falta de resultados el oficial es un ciudadano ejemplar. De entre todos, destaca el oficial Jason Dixon, un inmaduro oficial sin escrúpulos que hará todo lo posible por limpiar el nombre de su jefe, aunque muy a su manera.

El guion de McDonagh es extraordinariamente complejo, ya que se trata de una historia en la cual es muy difícil tomar partido y empatizar con alguno de los personajes. Los presuntos villanos sobrellevan como pueden sus propios conflictos personales mientras que la supuesta heroína dista mucho de ser un dechado de virtudes. Paradójicamente, Mildred denuncia la violencia generando más violencia, mientras que Dixon intenta proteger el buen nombre del cuerpo policíaco con acciones por demás detestables. En medio de todos, Willoughby dará un golpe de timón que marcará el rumbo de los acontecimientos y cambiará la perspectiva del público. Así, uno puede pasar de la empatía a la animadversión hacia los personajes en instantes, para llegar a un final que deja las respuestas al criterio del espectador.

El racismo característico del estado de Missouri es el marco en el que se desenvuelve una cinta que se caracteriza por su ironía y un humor negro que incluso hace que el público se sienta culpable por reír ante situaciones trágicas por su naturaleza. Decir que es un llamado en contra del racismo y la misoginia es un error, más bien se trata de un reflejo de la condición humana y de las pasiones que motivan a las personas que tienen que afrontar una tragedia, reaccionando de formas poco convencionales e incluso irracionales que solo se podrían explicar si uno se pone en su lugar para intentar comprender el duro momento por el que están pasando.

Por si todo lo anterior fuera poco, la película es un auténtico duelo de actuaciones. Por una parte, Frances McDormand (Fargo, Almost Famous) es impresionante como la ruda e impasible Mildred, un personaje que le queda a la medida. Mientras tanto, Sam Rockwell (Seven Psychopaths) sorprende gratamente por su capacidad de encarnar los vicios y complejos del agente Dixon. Completa la terna Woody Harrelson (The People vs. Larry Flynt, The Messenger), quien nuevamente demuestra su gran talento en el papel de Willoughby, un comprensivo alguacil que tiene que lidiar con sus propios demonios en medio de la turbulencia desatada en su pueblo.

Es así como se trata de una película redonda llena de claroscuros protagonizados por actores que interpretan a personajes que dentro de su ambivalencia resultan ser humanamente perfectos y quienes en lugar de encontrar redención quedarán como lo que son: gente común. Los sucesos son llevados de forma magnífica gracias a la excelente dirección de McDonagh para llegar a una conclusión en la cual los juicios de valor quedarán al criterio de un espectador que saldrá fascinado por haber disfrutado de casi dos horas de excelente cine. Sin lugar a dudas, se trata de uno de los mejores filmes del año.

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Desde su debut como cineasta, el danés Lars von Trier se ha caracterizado por salirse de los cánones y realizar cintas que distan mucho de ser convencionales. Como fundador del movimiento Dogma 95, el cual abogaba por el regreso de historias más creíbles en el cine minimizando el uso de efectos especiales, ha entregado cintas tan relevantes como Dogville y Melancholia y otras más controvertidas como Antichrist y Nynphomaniac. En esta ocasión, el realizador pretende sumergir al espectador en la retorcida mente de un asesino en serie, con resultados que, como suele suceder cuando se trata de las películas que siguen esta línea, son bastante discutibles.

La cinta es una especie de viaje introspectivo de Jack, quien le cuenta a un ser misterioso los pormenores de su vida criminal. Dividida en cinco “incidentes”, el multiasesino relata (y von Trier demuestra) con lujo de detalle las motivaciones y métodos que lo llevaron a cometer atrocidades que incluyen mutilaciones, fusilamientos, experimentos militares de exterminio e incluso taxidermia humana. Inducido por su trastorno obsesivo compulsivo, el personaje descarga sus frustraciones como arquitecto mediocre en cada una de sus víctimas para denominarse a sí mismo como Mr. Sophistication, buscando en todo momento perfeccionar sus sádicos sistemas para matar.

De forma demasiado explícita, von Trier no tiene reparo en mostrar con exceso de violencia cada uno de los asesinatos que comete su personaje. Durante más de dos horas de tormento visual, el también guionista pretende justificarse introduciendo elementos filosóficos relacionados con las relaciones familiares, la naturaleza del ser humano, el papel de la mujer en la sociedad, ideologías políticas e incluso la esencia del arte. Así, el cineasta utiliza a Jack como su portavoz para intentar convencer al público de que este frenesí sin sentido en realidad tiene un trasfondo ideológico, el cual no es evidente para el ojo común.

No obstante, la realidad es que von Trier solo busca impactar a su audiencia con escenas violentas mientras lo engaña haciéndole creer que debe de pensar más para entender su obra. Sin embargo, la realidad es que toda la retórica que maneja no es más que un sinsentido, una fallida pretensión de mostrar que el baño de sangre es un analogía de lo que pasa en el mundo. Ni siquiera el buen trabajo de Manuel Alberto Caro (Antichrist, Nynphomaniac) en la fotografía, ni la excelente actuación de Matt Dillon (Crash) interpretando a Jack, hacen que valga la pena dedicar tiempo para ver este filme.

Es así como von Trier triunfa una vez más, pero no como cineasta, sino como un personaje curioso que goza de crear controversias, si bien una vez se ganó el repudio general en Cannes por declararse como un admirador del nazismo, en esta ocasión logró sacar a un gran número de espectadores en el mismo evento, los cuales de inmediato adivinaron su gastada estrategia y decidieron no volver a caer en su juego provocador.

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Después de conseguir la inclusión al MCU (Marvel Cinematic Universe) del superhéroe más emblemático de la franquicia en Captain America: Civil War, el advenimiento de una película de Spider-Man en solitario resultó ser uno de los más esperados en el 2017. De la mano del director Jon Watts (Cop Car) y media docena de guionistas llega Spider-Man Homecoming, el sexto largometraje inspirado en el arácnido en un periodo de 15 años. Desde su aparición al lado de Avengers el año pasado, el camino que tomaría la nueva historia de Peter Parker estaba definido: se trataría de un adolescente inexperto e incapaz de controlar sus recién adquiridos poderes, dándole un nuevo enfoque a las historias que el público estaba acostumbrado a ver en el cine con relación a este personaje.

La nueva película de Spider-Man se desarrolla inmediatamente después de los eventos suscitados en Civil War. Después de haber luchado codo a codo con Iron Man y compañía, el joven superhéroe regresa a casa para retomar su rutina habitual como adolescente. Así, el joven tendrá que regresar a la preparatoria y lidiar con los problemas típicos de su edad: abusos de sus compañeros, indiferencia de las niñas, regaños de los profesores, además de un eterno aburrimiento al no presentarse ninguna aventura que siquiera se asemeje a lo vivido en días anteriores. En cuanto suena el timbre, el muchacho se pone su nuevo súper traje (cortesía de Stark) para iniciar su patrullaje por el barrio en busca de ese gran supervillano que le permita demostrar su valía como candidato a formar parte de los poderosos Avengers. Los deseos de Peter se harán realidad con la aparición de Vulture un traficante de armas con poderes indescriptibles desarrolladas gracias a la tecnología alienígena que la batalla contra Loki dejó esparcida por toda la ciudad.

El filme cuenta con el mérito de ofrecer una imagen distinta a lo que ha manejado MCU en sus entregas anteriores, mostrándose como una película de adolescentes cuyo protagonista cuenta con súper poderes (algo que en su momento resultó ser el gran éxito de la serie de televisión Smallville). De esta forma, los enemigos principales de Peter Parker serán inexperiencia, su timidez y su falta de valor para afrontar a los abusones de la escuela, los cuales se cruzarán inesperadamente cuando tenga que verse las caras con Vulture. En términos generales puede decirse que se trata de una cinta excelente, la historia es entretenida y logra combinar atinadamente comedia y acción, apoyándose como siempre de magníficos efectos especiales y agregando buenas actuaciones.

No obstante, el esfuerzo por encajar a Spider-Man en el MCU y sobre todo de hacerlo “actual” derivó en un desapego excesivo con la historia original del personaje. Mientras los fans del arácnido tuvieron un año de superar a una tía May mucho más joven (y atractiva) que se aleja por mucho a su versión original, nunca esperaron ver a un Flash hindú o que el futuro amor de Parker será una chica de raza negra que, a pesar de no llevar el nombre de Mary Jane, anuncia que sus amigos la conocen como “MJ” referencia específica a uno de los personajes estelares e inamovibles de las aventuras del hombre araña, situación que para los fanáticos (o no tanto) cae como un verdadero balde de agua helada.

Por otra parte, la aparición de Iron Man como un mentor genera bastante inconformidad, sobre todo por el hecho de que los poderes del arácnido parecieran ser más un complemento de un traje diseñado por Tony Stark. Hay que recordar que precisamente uno de los atractivos de Spider-Man consistía en la forma en cómo él mismo diseñaba su vestimenta y armamento, situación que fue dejada de lado con tal de hacerlo encajar en el MCU. Aunque se puede decir que el rol del hombre de hierro es acertado al no exceder su protagonismo, este distanciamiento de uno de los puntos esenciales en la naturaleza del personaje principal también resulta bastante cuestionable.

En cuanto a las actuaciones, Tom Holland se desenvuelve adecuadamente sobre la línea trazada para el superhéroe arácnido, logrando imprimirle una personalidad original al personaje. No obstante, Michael Keaton (Birdman, Spotlight) es sin duda el más destacado del filme, demostrando estar tan seguro de su renacimiento como actor al no tener reparos en volver a interpretar a un personaje salido de las historietas, decisión que todos los fans del género le tienen que agradecer por encarnar al mejor de los villanos que se han visto en el MCU. El éxito de Vulture como antagonista se debe a que Adrian Toomes (el hombre detrás del supervillano) resulta ser aún más intimidante cuando no trae puesto su traje, lo cual se acentúa gracias a un atinado giro en el argumento de la historia. Así, se cuenta por fin con un némesis cuya personalidad y objetivos cuentan con un excelente desarrollo, convirtiéndose en uno de los puntos más relevantes de la cinta.

En conclusión, si bien la película es bastante buena, no puede decirse que es la mejor que se ha realizado en torno al personaje. El gran problema es que Spider-Man no es Iron-Man, Captain America y compañía, se trata del superhéroe más popular de Marvel. Si uno cambia a la novia de Thor o Dr. Strange la gente ni siquiera lo notará, modificar los orígenes de Ant-Man o Black Panther no despertará inconformidad alguna, dando un amplio margen para desarrollar historias distintas inspiradas en los personajes del cómic. No obstante, Spider-Man debe de manejarse con más cuidado al ser una historia con personajes conocidos por propios y extraños, por lo que por más que se intente exaltar a la diversidad racial, es de gran importancia apegarse lo más posible al cómic del cual se inspira para evitar desilusionar al público, a menos que el encargado de dirigir sea Chistopher Nolan y cuente con la capacidad de crear extraordinariamente un propio universo para superhéroes emblemáticos.

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Existe en el cine un “género” que se conoce como chick flick, la palabra chick se refiere a una mujer joven mientras que flick a una película. Así, esta expresión se usa para denominar a aquellas comedias románticas de tramas melosas y excesivamente sentimentales realizadas pensando en el gusto del público femenino, aquellas cuando en una especie de quid pro quo aceptas ver en compensación por haber sido acompañado para ver dos horas y media de intercambios de golpes entre Iron Man y Captain America. No obstante, estas cintas protagonizadas regularmente por Kate Hudson, Katherine Heigl, Jennifer Aniston, Jennifer Garner, Jennifer Connelly y demás Jennifer’s tienen la particularidad de que, a pesar de que sus actuaciones no sean buenas y de que sus historias sean banales y predecibles, pueden ser vistas por todo mundo, al tiempo en que logran sacar más de una sonrisa en el público.

Es así como en los últimos años el director Garry Marshall ha realizado chick flick’s cuyo tema principal es mostrar un mosaico de historias que se relacionan entre sí con motivo de una festividad en particular, inició con Valentine’s Day, a la cual le siguió New Year’s Eve para continuar este año Mother’s Day. Resulta innecesario describir a detalle la trama de esta última entrega, ya que es bastante simple: diversas familias con distintos tipos de madres se ven envueltas en una serie de situaciones y complicaciones teniendo la celebración del día de las madres como entorno. Tampoco vale la pena hacer un balance de las actuaciones debido a que todos conocen cómo se desarrollan este tipo de filmes.

Lo que realmente destaca de Mother’s Day y en general de las películas catalogadas como chick flick es lo fácil que son de digerir por el espectador. Aunque se trata de cintas con poco valor en cuanto a realización en interpretaciones, la realidad es que son productos que abarrotan las salas de cines, ofreciendo un par de horas en las cuales el público se involucra, ríe, llora y se enfada a pesar de lo irreal de sus tramas. Al final, es inevitable ver como todos abandonan la sala con una sonrisa en la cara, propiciada por los clásicos bloopers cuya presentación no puede faltar en este tipo de películas. Inclusive, son las clásicas cintas que uno deja en la televisión cuando está haciendo zapping para pasar una tarde de fin de semana.

Y es que precisamente ese es el objetivo de este tipo de cintas, juntar a un puñado de actores famosos y atractivos para relatar historias con las que el público se sienta identificado (aunque en realidad eso es imposible). Son películas cero pretenciosas que sólo buscan entretener a la audiencia, hacer que se olviden de todo sin quebrarse la cabeza y simplemente pasar el rato. Por ello, aunque quizás su valor cinematográfico sea bajo (o muy bajo) se agradece la existencia de estos filmes, ya que al final el cine es una forma de entretenimiento, una opción para pasar el rato sin que sea obligatorio tener grandes interpretaciones o secuencias muy elaboradas.

Por lo tanto, si tu pareja ya te acompañó a ver Captain America: Civil War o si con motivo del día de las madres piensas ir al cine, esta película es una excelente opción, ya que si bien no es la última joya del cine ni tampoco la historia que revolucionará a la Academia en este año, pasarás un buen rato y te reirás más de una vez con su alocada (aunque surrealista) trama.

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Los cuentos de hadas han existido desde hace cientos de años, historias fantásticas que tienen su origen en relatos cargados de sensualidad y monstruosidades que fueron transmitidos de boca en boca para que los adultos pudieran enfrentar las adversidades y así sobrevivir en los tiempos difíciles. Posteriormente, éstos fueron utilizados para impartir lecciones a los más pequeños acerca de los dilemas a los cuales tendrán que hacer frente durante el transcurso de su vida. Mientras uno crece, es común que estas narraciones pierdan su valor y que se considere que sus enseñanzas solo aplican en una tierra fantástica y no en una realidad capaz de convertir a las personas en verdaderos monstruos. Afortunadamente, existen directores como Guillermo del Toro (El Laberinto del Fauno, Crimson Peak) que conservan el alma de niño y entregan películas que invitan a hacer un alto y reflexionar acerca cómo se puede salir adelante en un mundo que cada vez parece estar más cargado de odio y discriminación.

Desde el prólogo de The Shape of Water, el director advierte que existe un monstruo. No obstante, las apariencias engañan y será tarea del espectador encontrar quién es el verdadero villano, aquél que ha sido pervertido por su propia ambición. En plena Guerra Fría, específicamente en los años sesenta, una criatura acuática es encontrada en el Amazonas y llevada a un laboratorio estadounidense por un agente sin escrúpulos que no tendrá reparo en desmembrar sus entrañas con la esperanza de encontrar la clave para superar a los soviéticos en la lucha por conquistar el espacio exterior. Durante su encierro, el anfibio será descubierto por Eliza, una mujer muda que se dedica a la limpieza del lugar y que encontrará en el curioso inquilino la comprensión que los de su especie no han sido capaces de brindarle. De esta forma, la protagonista reunirá a un grupo de marginales, una mujer de color y un hombre homosexual entre ellos, para evitar que su nuevo compañero pierda la vida en manos del ejército.

Insertado en la lucha entre dos potencias mundiales que marcó la segunda mitad del siglo XX con su búsqueda de poder sin importar quienes fueran las víctimas de sus acciones, el cuento de Del Toro se desarrolla de forma brillante. Envuelto en una atmósfera completamente acuática, el espectador se sumerge en la narrativa del director para conocer las pasiones y deseos que motivan a cada uno de sus personajes. Así, con guiños al cine y a la música de la época, la experiencia cinematográfica es completa y resulta ser un deleite, entregando una lección al público acerca de cómo lo que define a un monstruo son los prejuicios y la intolerancia, más no su apariencia o condición social. Todo lo anterior agregando una buena dosis de acción y de suspenso y con una música y edición espectaculares.

Los protagonistas de la historia son encarnados magníficamente por el reparto. En primer lugar, Sally Hawkins (Blue Jasmine) realiza un excelente trabajo como Eliza, siendo doble su mérito considerando que en su interpretación no emite palabra alguna. Por otra parte, Michael Shannon (Nocturnal Animals) hace gala nuevamente de sus capacidades histriónicas y se presenta como el perfecto villano. Asimismo, Richard Jenkins (The Visitor) se luce en el papel de Giles, el entrañable vecino y confidente de Eliza que también es víctima de la marginación por sus preferencias sexuales. Por último, la siempre cumplidora Octavia Spencer (The Help) completa al grupo de marginales como Zelda, la compañera de trabajo de Eliza que continua siendo víctima de prejuicios por el color de su piel.

Es importante tomar en cuenta que el filme se realizó como un cuento de hadas, de hecho es inevitable compararla con “La Bella y la Bestia” e incluso considerar exagerada la inclusión de un número musical, el cual tal vez no viene mucho al caso. De esta forma, aunque los héroes y villanos son adaptados de forma muy acertada al contexto temporal en el que se desenvuelve la cinta, toda la narrativa va encaminada hacia la moraleja final. Es por ello que se puede criticar la polaridad de los personajes, ya que se presentan como “muy buenos” y “muy malos”, sin puntos medios. Por lo tanto, la recomendación es que el espectador entre a la sala dispuesto a alejarse de la realidad y sumergirse en el mundo fantástico de Del Toro para disfrutar completamente de la que hasta este momento es su mejor película.

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