“Show me a Hero” es el último trabajo de David Simon (“The Wire”, 2002) y Paul Haggis (“Crash” 2004) en colaboración con HBO. Se trata de una mini-serie de tan solo 6 capítulos de duración que narra la polémica suscitada en la ciudad de Yonkers, ubicada en el condado de Westchester en el estado de Nueva York, por la construcción de unas viviendas públicas para minorías. La historia se centrará en Nick Wasicsko, elegido en 1987 alcalde de la ciudad, convirtiéndose por aquel entonces en el alcalde más joven del país.

A continuación, vamos a comentar las principales razones por las que recomiendo el visionado de esta magnífica historia, basada en hechos reales:

1- Su protagonista: “Show me a hero and i’ll write you a tragedy”. Seguramente al escritor estadounidense F. Scott Fitzgerald le hubiese gustado la historia de Nick Wasicsko (no busques su nombre en Google si vas a ver la serie) interpretado de manera excepcional por Oscar Isaac (“Ex Machina”, 2015 e “Inside Llewyn Davis”, 2013). Un héroe sin heroicidad, cargado de ego y confianza en sí mismo, fugaz y siempre golpeado por las dificultades. El guatemalteco nos brinda un papel vibrante, emotivo y lleno de matices, demostrando una vez más que está en los puestos más altos del panorama actual.

2- Su realismo Político: Muestra la realidad política tal y como es: compleja, ambigua, llena de traiciones y alianzas, donde poco o casi nada importa más allá del ascenso personal. No encontraremos héroes y villanos, pero sí habrá quien intentará hacer lo correcto cuando sea necesario y quien utilizará la política en su propio beneficio. Todo queda claramente reflejado en las estupendas representaciones de los plenos que se suceden durante la primera parte de la historia, con la polémica sobre la construcción de las viviendas en su punto más álgido.

3- Su realismo Social: Relata de manera concisa la visión y evolución de ambos bandos durante todo el conflicto de las viviendas públicas. Los blancos y los negros, los ricos y los pobres, cómo les influye la política y la distorsionada visión social que posee cada bando del contrario, con todos sus contrastes y similitudes. Como la desinformación y el miedo pueden llegar a desembocar en el desprecio o incluso en el racismo, destapando una de las peores versiones del ser humano. A veces solo es necesaria una mínima actitud de respeto para romper la barrera imaginaria que nos mantiene alejados de otras personas.

4- La importancia de las mujeres: De todas las mujeres de la serie, pero, en especial, de las que protagonizan la segunda parte de la historia, esas madres que harán cuanto esté en su mano por conseguir un futuro diferente para sus hijos y su familia.

5- Su banda sonora: compuesta única y exclusivamente por temas de “The boss”, el gran Bruce Springsteen, buscando que sus canciones acompañen, en el momento preciso, a los personajes y sus emociones.

6- Su creador: Todo lo que cuente David Simon me parecerá siempre interesante, porque lo cuenta con inteligencia, abusando (en el buen sentido) del realismo y sin pelos en la lengua a la hora de hablar sobre cualquier tema de la sociedad norteamericana (suya es una de mis series bélicas favoritas, “Generation Kill, 2008). Todo mediante una calidad narrativa digna de las mejores novelas. Como dice el propio David: “Que se joda el espectador medio”.

7- Su especial reparto: Por último, los más fieles seguidores de David Simon tendremos la oportunidad de volver a ver a muchos de los actores que participaron en “The Wire”: Clarke Peters (el carismático detective Lester Freamon), Michael Kostroff (Maurice Levy, el repugnante abogado defensor del narcotraficante), Michael Potts (el temido Brother Mouzone), Melanie Nicholls-King (Cheryl, la novia de Kima Greggs) o incluso a Julito McCollum (el joven Namond Brice, a quien la tutela del comandante “Bunny” Colvin le vino finalmente bien parece).

En definitiva, una magnífica mini-serie, que se sustenta principalmente en tres pilares: la HBO, David Simon y Oscar Isaac, y que ofrece una historia real digna de reconocimiento. ¿A qué esperas para verla?.

Más en mi blog: https://elmurodedocsportello.wordpress.com/2015/09/18/7-razones-para-ver-show-me-a-hero/

Toca hablar de “Rick and Morty” serie de animación estrenada el año pasado (2013) y que acaba de ampliar sus estrambóticas aventuras con una nueva segunda temporada. Toca ponerse gamberro (producida por “Adult Swim”) y rememorar ese clásico de la ciencia ficción que es “Back to the Future”. Toca nombrar a ese genio que es Dan Harmon, su co-creador (padre también de “Community”, de visionado obligatorio) que liberado gracias a las oportunidades que ofrece el mundo de la animación, da rienda suelta a todo su potencial. Resumiendo, toca ponerse “Schwifty”.

La serie, narra las vivencias de Rick, un excéntrico y alcohólico científico, que vuelve a casa de su hija Beth a vivir con su familia: Jerry, su inocente y estúpido marido, y sus dos hijos, Summer y el pequeño Morty, con quien compartirá la mayoría de aventuras.

Los capítulos, de 20 minutos de duración, suelen presentar historias independientes, donde la sorpresa está garantizada. Si digo que con “Rick and Morty” he soltado las carcajadas más atronadoras de mis últimos años de vida no estaría siendo exagerado, me estaría quedando corto. Porque además de hacer reír, que lo hace, y continuamente, exhibe una imaginación, una libertad creativa, un poderío narrativo y una complejidad argumental al alcance de muy pocas. Es ciencia ficción pura, y es humor puro, en esencia, es como si estos dos géneros se hubiesen emborrachado y estuviesen de juerga toda la noche. Por poner un par de ejemplos, en un capítulo se parodia la película “Inception” (2010) y Rick y su nieto se meten en los sueños del profesor de Matemáticas del colegio para conseguir que apruebe el examen, o en otro, Jerry se queja a su suegro de que el perro de la familia es demasiado estúpido, por lo que éste le da un dispositivo que aumenta su inteligencia perruna con catastróficas consecuencias.

Lo mejor de esta hilarante obra de animación es que crea adicción de la buena. Me explico. Muchas series actuales buscan enganchar al público creando la imperiosa necesidad de saber qué es lo siguiente que va a pasar, normalmente mediante un final de capítulo/temporada impactante (claros ejemplos “Game of thrones” o “The Walking Dead”). Desgraciadamente, esto no suele ser sinónimo de calidad, ya que muchas veces los capítulos o incluso las temporadas enteras de este tipo de series dejarían mucho que desear de no ser por este tramposo recurso adictivo. En el caso de “Rick and Morty” la adicción la causa la propia calidad del show. No funciona como la típica droga que, a pesar de ofrecer cada vez menos, nos crea una necesidad mayor, no. Aquí, lo que se nos aparece cual espejismo en un desierto, es una fuente inagotable de ideas que te sorprende, cada semana, un poquito más que la anterior. Por favor, no caigamos en el tópico de decir: “qué se habrán fumado los que escriben esto”. Aunque parezca mentira, la imaginación y la creatividad aún tienen defensores y representantes ahí fuera, que siguen dejando en vergüenza a guionistas de alto renombre.

Más en mi blog: https://elmurodedocsportello.wordpress.com/2015/09/07/rick-and-morty-over-the-garden-wall-la-imaginacion-animada-al-poder/

La película es, en sí misma, la mejor persecución que he visto en la gran pantalla.

Nace de "The Road Warrior", evoluciona y la sobrepasa hasta límites insospechados. Hay sangre, sudor y lágrimas, justo lo que le faltó a "Beyond Thunderdome".

Son 120 minutos que se pasan en un parpadeo. Cuando subas no podrás bajar, así que abróchate el cinturón.

"Sed testigos", "Tener esperanza es un error" o "Una bala, un hombre" son frases que perdurarán en tu cabeza.

El guión no inventa nada nuevo, pero es que no hace falta.

Visualmente es imponente, te deja con la boca abierta. Al igual que los solos de guitarra eléctrica (interpretados por un personaje imborrable) acompañando a las escenas de acción te clavan en la butaca.

La entrada de cine más barata que recuerdo haber pagado. Corred a verla.

Jason Bourne lo recuerda todo, pero sigue necesitando respuestas. Catorce años atrás, este agente especial de la CIA fruto del programa Treadstone, se movía por las ciudades más exóticas del panorama mundial empujado por la necesidad de desentrañar los secretos que le apartaban de su propia identidad, a pesar de que al otro lado de las sombras le esperase el reflejo de un asesino frente al espejo.

Paul Greengrass toma los elementos más primarios de El Caso Bourne (2002) de Doug Liman y continua explorando los entresijos de la mente del espía norteamericano a la par que pone en entredicho ciertos métodos de defensa de su país, basados en la usurpación de la identidad del individuo en favor de la protección del colectivo. Tras el parón que supuso El Legado de Bourne (2012), Greengrass y Matt Damon vuelven a la carga con Jason Bourne, que sin abandonar el estilo natural de la saga, se convierte en la más elemental de la misma.

Lo cierto es que es imposible concebir a Jason Bourne sin Matt Damon, puro carisma andante cuya mirada sigue mostrando tormento a pesar de que su personaje haya recuperado la memoria por completo, o quizá son estos recuerdos los que provocan precisamente esa vaguedad emocional, esa incapacidad, intrínseca a estas alturas, de confiar en nadie y abandonar la soledad, más aún cuando esta vez se trata un conflicto mucho más personal. Su enfrentamiento con el agente interpretado por Vincent Cassel, y el alzamiento de su silueta, recortada por la luz que proviene del final de un túnel, se convierte en una de las secuencias más efectivas a nivel metafórico y visual de toda la saga.

Del otro lado, los miembros de la CIA interpretados por Tommy Lee Jones (soberbio y mezquino) y Alicia Vikander (álgida y astuta) intentarán acorralar a Bourne, persiguiéndolo a través de las revolucionarias calles de Grecia (que en realidad son nuestras Islas Canarias), Berlín, Londres y Las Vegas, donde se producen espectaculares persecuciones que, además de resultar escandalosamente entretenidas, sirven también para identificar un ligero cambio en el estilo de la franquicia, apostando esta vez por una cierta deformación fastuosa del realismo al que nos tenían acostumbrados, aunque siga sin abandonar el desarrollo tecnológico actual y la evolución social acerca de los mismos como aprovechamiento narrativo para criticar medidas políticas coartantes e ilícitas de fondo.

En definitiva, Jason Bourne ha vuelto con una remodelación simplista de sus esquemas argumentales; un acabado visual agitado que armoniza en todo momento con el exigente ritmo que marca desde sus primeras secuencias; y un ligero acercamiento hacia el cine de acción más vistoso y práctico, para borrar temporalmente de nuestra memoria la palabra aburrimiento.

“El terror no viene de Alemania, sino del alma” sentenciaba Edgar Allan Poe en sus “Cuentos de lo Grotesco y lo Arabesco” (1840), universalizando y personificando todo un género literario y cinematográfico de un plumazo certero. Quizás por eso Robert Eggers concibió “The Witch” como una introspección de los sueños más oscuros de su infancia, sin atender a referentes como Polanski y su “Rosemary´s Baby” (1968), aunque los paralelismos entre ambas películas vayan más allá del posicionamiento de la mujer en la familia y de la creación de atmósferas malsanas y terroríficas, ya que ambas nacieron de los abismos del alma.

Resulta difícil de creer que “The Witch” sea la ópera prima de alguien. Su sencillez es insultante, dando la sensación de que lo que vemos en pantalla es la síntesis final de un estilo ya depurado, cuidado y afianzado. No sorprende que Eggers, originario de Nueva Inglaterra, haya querido estudiar a fondo el imaginario social del siglo XVII desentrañando su lado más fanático y fantasmagórico, aludiendo a las pesadillas que lo persiguieron durante su niñez para rememorar a ese personaje cautivador que atemorizaba a los puritanos de la época, materializando todos sus miedos y prejuicios: la bruja.

La primera aparición de la bruja, toda una declaración de intenciones, derriba cualquier concepción ingenua y afable que las fábulas actuales han desdibujado sobre la que en realidad es una de las figuras más tenebrosas y crueles del cuento clásico de terror, allanando el camino para iniciar la posterior génesis del personaje a través de la deconstrucción progresiva de la religión y la familia. En ella, se intuye el pecado como germen dañino del núcleo familiar, pero también influirán los miedos personales de cada miembro y la falta de confianza en ellos mismos y en su fe, que poco a poco se irá resquebrajando rindiéndose al triunfo absoluto del mal.

Cómo todo ello se nos muestra a través de lienzos imborrables de estética atroz y atmósfera terrorífica me resulta escalofriante. El uso excepcional de la fotografía, inspirada en el maestro Kubrick y las pinturas que emanaban de “The Shining” (1980); el manejo claustrofóbico de la luz y el sonido; y las maravillosas interpretaciones de los actores, destacando a la joven Anya Taylor-Joy, concluyen en una perfección estructural que nunca se intuye como objetivo, sino como consecuencia natural de todo lo mencionado. La belleza de ese plano final, representando en armonía perfecta la intrusión de lo sobrenatural en lo mundano, hace pensar en esta película como el hechizo perfecto para conjurar un nuevo resurgir del género fantástico, en cuyo libro Eggers ha dejado plasmada su firma para siempre.