Esta adaptación de la novela Las brujas contaba con todos los elementos para ser explosiva: tanto en la dirección y en la producción, como en el excelente reparto y en la historia (un relato del magnífico Roald Dahl). Por eso, hacía desear un producto más destacado y personal mientras que, lamentablemente, el resultado es correcto y convencional, sin llegar a ser memorable.

Quizá su principal problema es que no acaba de definir la audiencia a la que va dirigido: por un lado, es un film ligero, de aventuras, con resoluciones precipitadas, bastante adecuado al público infantil. Sin embargo, cuenta con diversas escenas inquietantes, que se acercan al terror, más enfocadas a un auditorio maduro.

Por otro lado, Zemeckis apuesta por la imagen generada por ordenador antes que por el maquillaje, algo que resta esplendor. A pesar de que los efectos especiales son buenos y están mejor conseguidos que en otras propuestas, es inevitable notar que están ahí, como si fueran un filtro de fotografía.

El inicio resulta muy lento. No obstante, el elenco se encarga rápidamente de elevar la categoría de la cinta: Anne Hathaway es una bruja fantástica y perturbadora por momentos, con su curioso pero logrado acento del este; Octavia Spencer está admirable, como siempre; y Stanley Tucci, aunque con pocas intervenciones, acaba de completar este trío sobresaliente. Además, junto con la acertada banda sonora, hacen que la película parezca más trepidante de lo que realmente es.

Obviando lo prometedor que aparentaba ser el largometraje, Las brujas es un título familiar muy elegante que permite pasar un buen rato. Y, como guinda, recuerda al espectador (tal vez de manera demasiado didáctica) la importancia del amor y del interior de las personas por encima de las apariencias.

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Cuando Pixar estrenó Toy Story 2 en 1999, la frase “segundas partes nunca fueron buenas” perdió toda validez. Desde entonces, son muchas las sagas que en sus secuelas han igualado o incluso superado el film inicial. Y lo mismo pasa con la continuación de las aventuras domésticas de Javier, Marisa y compañía.

Dudo mucho que Santiago Segura intente hacer una saga sideral con pretensiones planetarias, pero lo que ha conseguido es mucho más difícil. Hacer una comedia sencilla, ágil, atractiva para todas las edades, contemporánea y, a la vez, anclada en una tradición universal como es la familia, es algo que, tristemente, no es habitual en nuestras pantallas.

Segura lo consigue, y además por segunda vez. Engancha al espectador cómplice de sus desventuras pasadas y le embarca en un nuevo desastre, soslayando los elementos que puedan parecer una mera repetición del largometraje anterior.

La fuerza de esta trama está en la mirada amable y positiva con la que retrata tanto los personajes como las situaciones y huyendo, a la vez, de sensiblerías o dogmatismos panfletarios de lo políticamente correcto, mientras utiliza los tópicos en la medida adecuada para hacernos sonreír sin dañar ni encorsetar.

Se nota un esfuerzo para que todo encaje y, por eso, hay momentos en los que el guion resulta algo forzado. Sin embargo, la empatía que destilan las escenas lima las aristas que pudiesen perjudicar al relato. Incluso, se permite el lujo de reservar una sorpresa final que nos pilla a todos desprevenidos, y aún le queda munición para una última broma poscréditos.

En esta entrega, se revela de nuevo esencial el trabajo de todos los actores. Los niños parecen ya de nuestra propia familia y los adultos lucen la maestría de su registro de comedia. El resulta do es la naturalidad imprescindible para que esta historia cotidiana funcione. Incluso los cameos de famosos que salpican el metraje crean un ambiente de camaradería y buen humor que beneficia enormemente el discurrir de la acción.

Dicen que los buenos alimentos no necesitan aderezo; no obstante, Padre no hay más que uno 2, no sería lo mismo sin la banda sonora de Roque Baños. El compositor pasa desapercibido, como debe ser, pero juega en segundo plano intensificando el cambio de género en algunos momentos. Un toque de mafia para las amenazas, un tono de desamor nostálgico para el reencuentro en el supermercado e incluso resucitar a Oliver y Benji en el partido de futbol.

En definitiva, una película sencilla y divertida en la que todo encaja y en la que, a pesar de su liviandad, queda patente lo que más importa a todos. Y hacer esto, como en la propia vida, no es tan fácil como parece.

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Armageddon time es una cinta que echa un vistazo atrás a una infancia vivida en Queens en la década de los 80 –una mirada que puede recordar a títulos como Belfast–. En ella, James Gray reflexiona sobre la injusticia y la desigualdad de clases de la época, desde la percepción de un niño.

Un niño que, aunque provoca rechazo al inicio por su mala educación, vive situaciones universales con las que todo el mundo puede empatizar. Y es que, al final, el film es, sobre todo, un retrato familiar y costumbrista, ubicado en un contexto complejo. Por ello, es a la vez emotivo y duro, triste y alegre. Y quizá un poco empalagoso.

Un inconveniente que se puede destacar es la narrativa confusa. La trama parece inconexa por momentos o superficial, como si se tratase únicamente del punto de vista del protagonista, que no capta la totalidad de lo que sucede a su alrededor. A pesar de ello y de la crudeza del entorno, ofrece aspectos entrañables, como el personaje de Anthony Hopkins y el mensaje sobre la importancia de no rendirse y seguir luchando.

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One Piece film red es el resultado de tantos intentos por parte de Toei de hacer una película sólida de una de las series de mayor fama mundial. La clave del éxito es el cambio de enfoque respecto a largometrajes anteriores. Siguiendo una dinámica musical, pero sin dejar atrás la acción característica, se centra más en el desarrollo de Uta que en el enfrentamiento contra un gran villano.

Aun así, One Piece film red tiene lugar para todo. No olvida los gags a los que nos tiene acostumbrados el Sombrero de Paja y su tripulación y nos muestra a figuras míticas que hacía mucho que no hacían acto de presencia en la serie, como Shanks.

El pirata pelirrojo es probablemente de los más aclamados por los fans y esta propuesta rinde un tributo excelente a uno de los personajes más misteriosos del universo de One Piece. También se nota que Eiichiro Oda, autor de la obra original, ha supervisado el guion, así como ha escrito el pasado de Uta. Es probablemente la cinta que mejor encaje en el canon oficial.

La calidad de la animación está a otro nivel, todos los movimientos son claros y con una enorme cantidad de detalles y el CGI, usado en algunas escenas, está bien integrado con el 2D. El punto más destacado del film es la banda sonora, que es el eje central y el componente esencial para algunos de los protagonistas y, por eso, las canciones originales van más allá de lo instrumental.

En general, One Piece film red es un tributo a la obra más exitosa del anime y el manga japonés, así como el producto ideal que el fan promedio de One Piece pedía. Cuenta con las personalidades más emblemáticas de la franquicia y tiene escenas que dejarán satisfecho a todo el mundo.

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Masashi Ando y Masayuki Miyaji, previos animadores del conocido Studio Ghibli, colaboran por primera vez en un emocionante y sanguinario film sobre la pérdida y los lazos paternos.

Para Ando y Miyaji, el disponer de una herencia cinematográfica tan característica a sus espaldas hace que les resulte imposible evitar referenciar a grandes obras de la casa como La princesa Mononoke, a la que The deer king se asemeja tanto a nivel narrativo como visual.

Dentro de la temática del largometraje, es interesante ver el desarrollo de una relación paterna entre dos protagonistas sin lazos de sangre, pero con un vacío familiar compartido. En este sentido, se reflejan las dos caras de una moneda: la inocencia de Yuna, una niña que logra ignorar la crueldad e injusticias del mundo en el que vive, en contraposición a Van, un soldado esclavizado sacudido por la dureza de esa misma realidad.

Aunque, por lo general, resulta visiblemente placentera y cuenta con una animación destacable, la película se excede en violencia y explicitud. Carece de un ritmo constante y su historia no es del todo sencilla de seguir, pues abunda en cierta complejidad narrativa. Además, a grandes rasgos, peca de predictibilidad y no logra ofrecerle al espectador algo novedoso.

Por lo tanto, si bien es cierto que la obra goza de paisajes y un diseño de personajes que invitan a sumergirnos de lleno en su mundo, el exceso de sanguinolencia y mediocridad de la crónica pueden dejar al público ya admirador del género indiferente e insatisfecho.

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