Mucho se ha hablado de la orfandad como tema central de las narrativas latinoamericanas. Esta película de Selton Mello va por esa línea. Sobre la ausencia del padre y la definición de la identidad a partir de su búsqueda. Un joven profesor vive en el continuo extrañamiento de un padre que lo abandonó hace tiempo en un pueblo brasileño de los años sesenta. Mientras se debate entre el amor que siente por dos hermanas, tiene su primera relación sexual con una prostituta, sostiene conversaciones seudofilosóficas con un porquero, siente una fascinación por el cine y los trenes. Y poco más. La película va de eso. De los tiempos azules de la infancia, del fin de la inocencia, del paso a la edad adulta, de descubrir los secretos de los otros y del valor de perdonar para seguir creciendo. Nada que no se haya visto antes, nada que no se haya contado de mejor manera.

Al final, mi sensación es la de haber visto una película edulcorada e ingenua, donde todos los conflictos se resuelven sin mayor dramatismo y donde el mundo y las aspiraciones de los personajes se corresponden.

Estamos ante la que podía ser una más de las muchas películas corales hechas al itálico modo. La fórmula parecía sencilla: se buscaba un eje narrativo en torno al cual girasen una serie de pequeñas historias, se contrataba un grupo de actores variopintos para papeles muy breves e, incluso, se encargaba la dirección de cada corto a un director diferente, con lo cual casi siempre resultaba una colcha de retazos muy desigual. Sin embargo, Villa Borghese es de las pocas películas corales que se salva de la quema, y se salva porque logra mayor unidad de forma y contenido que muchas obras similares a partir de la selección del parque de Villa Borghese como lugar de la acción y una dirección que bebe de la tradición neorrealista.

El gran parque romano no es solo el telón de fondo contra el cual se desarrolla la acción, sino que se convierte en otro personaje de la película, quizá el más importante. Villa Borghese no es solo paisaje, aunque sus jardines, fuentes, edificios y arquitectura general, le confiere una unidad visual a las historias, magníficamente fotografiadas por Mario Bava. El parque es sobre todo un lugar de encuentro donde confluye toda la fauna social de Roma. Un espacio abierto, democrático si me apuran, donde se cruzan todas las clases y los personajes de una ciudad. Desde las prostitutas hasta los coroneles.

La dirección corre a cargo de Franciolini, que dota a su película del espíritu del cine neorrealista, aunque con un tono más desenfadado y socarrón. Las tragedias no son tan trágicas, el drama cede lugar a la risa y, al final de cada historia, pareciera que siempre hay futuro para los personajes. Sin duda que en esto algo tuvo que ver la presencia en el plató del gran Vittorio De Sica, actor del filme y co-director del mismo, aunque sin acreditación.

En últimas, Villa Borghese es un película pequeña, sin muchas pretensiones, pero que juega bien sus bazas en el caro oficio de entretener, sin más, pero sin menos.

Había algo raro, por no decir sospechoso, en la publicidad con que la película se estrenó en Colombia. Los comercializadores de la misma se la jugaron por dos ganchos que invitaban a pensar mal. La promocionaron como "Una película del productor de El secreto de tus ojos", pero también usaron el eslogan "Jorge Enrique Abello en su debut en cine".

Vamos por partes. Si de Gerardo Herrero, un director con 16 largometrajes en su haber, lo mejor que se puede decir es que fue uno de los productores de "El secreto de tus ojos",una película que claramente es de Juan José Campanella y no suya, aunque la haya producido, es porque su obra es muy regular, tirando a mediocre. Herrero es un trotamundos del cine. Ha filmado en el todos los climas, idiomas y latitudes. Pero no es un autor, ni siquiera un artesano. Si uno viese toda su obra, se encontraría con un director que ha hecho de la carencia de estilo, su estilo. Lo que sí se le debe reconocer a Herrero es su talento para conseguir dinero para filmar. Debe ser un gran productor, pues son muy escasos los ejemplos de directores que filmen tanto con tan poca calidad. Y "Crimen con vista al mar" es la prueba de su increíble falta de talento. Ni una sola buena escena, ni un buen diálogo, ni siquiera una buena actuación. Todo es acartonado, previsible, ya visto.

De otra parte, si la película apela a caras conocidas de la televisión criolla, y se promociona como si de una telenovela se tratase, es porque tiene toda la traza de un producto pensado con la misma lógica del culebrón tropical-carnavalesco que pega tan bien por aquí. Así pues, pareciese que el señor Abello lo que hace es repetir su papel de "La costeña y el cachaco". Pero claro, el hombre tiene su fanaticada entre un público televidente incondicional que va a cine para ver en pantalla grande lo mismo que ve en la caja tonta. Y en eso no se equivocan, esta película tiene la misma estética, la misma línea narrativa y las mismas argucias de los enlatados de la televisión colombiana.

Definitivamente, esta película es un crimen para la vista.

Una pareja aparentemente feliz compra una casa, se muda a una casa, intenta vivir en esa casa, habitarla, hacerla suya. Ambos profesionales, educados, civilizados.
Los vecinos de un lado están bien, otra pareja con hija pequeña, vida estable, carro en el garaje. Gente agradable, aparentemente civilizada con la que establecen vínculos, abren puertas.
De otro lado, en cambio, vive King y una constelación de personajes bizarros que en torno a él pululan. King es la otredad, la sombra, el lado oscuro, lo atávico y bárbaro y extraño y siniestro. Pero también lo desvalido, lo inofensivo, lo innombrable, la angustia, la amenaza y la piedra de toque contra la que se va a enfrentar la profesionalidad y educación y civilización que pretende para sí la pareja protagonista.
Con estos ingredientes el plato está servido. De un lado los adalides de la civilización, la ley, el orden. Del otro la barbarie, lo atávico, lo enfermo. La tensión irá en aumento, el campo de batalla listo, correrá sangre. Pero en esta película de Rolf de Heer la cuestión no es quién vive o quién muere, la pregunta es cómo hacemos para vivir juntos, cómo convivimos junto al otro que no es como nosotros, como mediamos con lo diferente, la otredad.

A veces el café está bien, pero el problema es ese, solo está bien. Le falta algo más. Un toque secreto.
Es lo que pasa con Budapest Noir. Es una película bien hecha, donde casi todas las partes están bien: las actuaciones, la recreación histórica, la fotografía, la música. Y sin embargo.... Algo se hecha en falta.

La historia transcurre en la capital húngara en 1936, ad portas de la II Guerra Mundial. El clima es malsano. La corrupción campea. La ciudad es un nido de ratas. Un sálvese quién pueda, sálvese a como pueda. El argumento es convencional: prostituta asesinada, periodista detective, matones, proxenetas, gente poderosa detrás de escena.

Lo demás es lo demás. Una peripecia detrás de otra, detrás de otra. El detective se obsesiona, baja al submundo, conoce a gente que conoce a gente, intenta armar el caso, descubrir la verdad y la descubre, y al final pareciera que todo está donde debiera. Nada va a cambiar, la historia seguirá su curso, un solo hombre no hace verano. Y uno, espectador que ha visto mucho noir, se queda con el sabor del café descafeinado en la boca. Quizá convenga un buen trago de borboun.